Blog de Color
Jacob Dahlgren
Publicado por Ingrid Calvo Ivanovic a las 18:53 hrs. del Saturday 13 de June de 2009
Jacob Dahlgren es una artista visual de Estocolmo, Suecia que realiza instalaciones artísticas con elementos de la vida cotidiana, tales como latas de conserva, pesas, colgadores de ropa, vestuarios a rayas, tazas de café, carretes de hilo, plumas, contenedores; y con estos objetos, reconoce de forma activa a sus referentes: Olle Baertling, Carl Andre, Bridget Riley, Frank Stella y Blinky Palermo, entre otros.
Dahlgren pocas veces ocupa los elementos con sus colores y etiquetas originales. Al contrario, los pinta de manera de ocultar los detalles gráficos de las etiquetas para transformarlos en contornos, figuras en serie, que dispone en sus instalaciones. Esto lo realiza el artista, a modo de protesta hacia la sociedad de consumo, tomando el elemento u objeto e insertándolo de nuevo en los dominios del arte.
Al afrontar un encargo personal, este artista pone un especial énfasis en la lectura de color general que otorgará la instalación al espectador. El panorama cromático debe ir reforzado por la contextura de los objetos elegidos. De esta manera elige los colores que quiere proyectar y comienza buscando objetos monócromos. Luego los clasifica según el matiz y los dispone apilados o uno al lado del otro. Así, junto con miles de otros artículos, se convierten en parte de la composición general de una instalación, una escultura, o tal vez una pintura que poco a poco se levanta desde el piso.
Al tomar las decisiones de color, Dahlgren va generando espacios cromáticos, ambientes, dentro de sus instalaciones. El artista tiene claro conocimiento en la naturaleza interactiva del color, de ahí el hecho de que tenga una especial preocupación en el panorama cromático general. Pero además Dahlgren, busca la interacción de las formas presentes en los objetos que dispone: lo que el llama la interactividad directa física de los elementos.
Además, Dahlgren suele buscar asociaciones cromáticas entre los colores, de esta manera es recurrente encontrar en sus obras, apilamiento de objetos por gamas múltiples, o relaciones de contraste que generan una mayor atracción hacia ciertas áreas de la pieza gráfica.
Pero más allá de su capacidad para realizar agrupaciones cromáticas interesantes en cada uno de los espacios de sus instalaciones, uno de los aportes más importantes que hace Dahlgren con sus trabajos es su interés por encontrar diferentes matices en la cotidianeidad. Esta es una extensa tarea de recopilación, de observación, que el artista realiza para manifestar que: “el mundo de nuestros días no es gris como podría percibirse con aires de pesimismo, sino que está compuesto por una diversidad de colores presentes en los objetos: en nuestra ropa, en la publicidad, en la naturaleza, y hoy pareciera ser una cualidad especial el poder apreciar esos colores”.
Jacob Dahlgren se ha convertido rápidamente en un referente del arte de la cotidianeidad, y ha expuesto en muchas ocasiones de forma colectiva o individual, y en múltiples países como Suecia, Escocia, Dinamarca, Alemania, E.E.U.U., Austria, Polonia, Sri Lanka e Italia, realizándo en este último uno de sus trabajos más conocidos, en el marco de la 52° Bienal de Venecia. (en la imagen abajo).
Puedes conocer más de sus trabajos visitando su sitio personal.
Proyectacolor estuvo en 5dD
Publicado por Ingrid Calvo Ivanovic a las 18:47 hrs. del Wednesday 10 de June de 2009
El martes 9 de junio, recién pasado, Proyectacolor estuvo presente en el encuentro de diseño 5dD (cincodíasdiseño) de DuocUC en su sede Plaza Oeste, mediante una conferencia y un workshop sobre Experimentación Cromática.
La conferencia se efectuó ante una buena concurrencia, para luego dar paso al workshop, que convocó a 33 alumnos, previamente inscritos.
Más información en Proyectacolor en 5dD.
Proyectacolor estará en 5dD
Publicado por Ingrid Calvo Ivanovic a las 18:34 hrs. del Sunday 07 de June de 2009
Este martes 9 de junio, proyectacolor estará en el Encuentro de Diseño 5dD (cincodíasdiseño), organizado por DuocUC, sede Plaza Oeste.
En esta oportunidad se presentará una conferencia sobre el estado actual del uso del color en el diseño: razón que dio origen al desarrollo de proyectacolor.
La conferencia será a las 16:00 hrs y la entrada es liberada. ¡Habrá regalos! ¡Nos vemos!
30 años de Natural Color System
Publicado por Ingrid Calvo Ivanovic a las 14:15 hrs. del Friday 15 de May de 2009
El 15 de Mayo recién pasado, se cumplieron 30 años desde la creación del Natural Color System, uno de los modelos de organización de colores más usados en el mundo y por sobretodo en Europa.
Este aniversario se conmemoró en Estocolmo, en el Instituto Escandinavo del Color, en el marco de las celebraciones del Día Internacional del Color (14 de Mayo) con exposiciones sobre color abordadas desde diversas áreas. Para más info click aquí.
Robert Doesburg
Publicado por Ingrid Calvo Ivanovic a las 19:20 hrs. del Tuesday 12 de May de 2009
Robert Doesburg es un pintor y dibujante holandés, de 63 años, cuya obra se encuentra fuertemente influenciada por sus experiencias de viaje y los ambientes que lo rodean. Éstos son plasmados en un estilo artístico de pequeños cuadrados de colores —square style—, que se ha dedicado a desarrollar durante mucho tiempo y que, a modo de mosaico, conforman las imagenes presentes en sus pinturas. En el Square Style, cada cuadrado en sí corresponde a una obra de arte abstracto; pero uno junto al otro, es decir, insertos en la composición, logran transformarse a lo figurativo.
Es precisamente el uso de este estilo artístico, según señala el mismo Doesburg, quien le otorga múltiples oportunidades para usar un amplio universo de colores, consiguiendo composiciones coloridas en cada cuadrado, independientes del total de la obra artística. Cada pintura de este artista presenta un panorama general acerca de las relaciones de armonías de color y los esquemas de contraste que se dan en pequeña escala en cada cuadrado, y a gran escala en la obra completa.
Un aspecto importante a destacar en las obras de Doesburg es el uso de la armonía de gamas múltiples, la cual es una constante cuando el artista usa varios colores monocromáticos, todos relacionados a un mismo tono (diferentes tonos de azul para los cielos, por ejemplo), los cuales aportan cromáticamente a las figuras presentes en la obra, alejándose de los tonos planos y acercándose a los tonos o colores enriquecidos.
Esta multiplicidad de tonos, tiene sus raíces en las experiencias de vida que ha recogido Doesburg en sus obras. Aporta con toques de nostalgia, extraída directamente de sus vivencias, sus sentimientos y su juventud en la Academia Marítima; el mismo artista señala que se vio influenciado por los colores, reflejos y brillos del agua, y de su nostalgia hacia los puertos y las ciudades. Sin duda su ojo se fue entrenando al apreciar por mucho tiempo las variaciones de azul y verde turquesa, propios del color del océano.
Doesburg además, ha buscado en sus obras, otorgarle sus propios colores a las figuras y personajes presentes en sus piezas gráficas; de tal manera que es posible encontrar diferentes matices en los sujetos, que se alejan de la imagen cromática real (o al menos reconocible) y se acercan a una perspectiva más fantástica. Así, es recurrente ver en sus obras caballos rojos, seres humanos amarillos, y pastos rosados, conviviendo en un ambiente de fragmentación unida cromaticamente.
Robert Doesburg ha pintado durante toda su vida, pero solo desde 1995 se dedica a la pintura a tiempo completo. Ha expuesto en múltiples galerías, generalmente a lo largo de toda Europa. Puedes ver más de sus trabajos visitando su sitio personal.
Matt W. Moore
Publicado por Ingrid Calvo Ivanovic a las 12:03 hrs. del Monday 04 de May de 2009
Matt W. Moore, más conocido como MWM Graphics en el submundo del arte callejero, es actualmente un diseñador y artista visual establecido en Boston, que ha experimentado prolíficamente con el vectorfunk: la ilustración, tipografía y el color.
Moore define su propio trabajo como “la celebración del diseño abstracto y el trabajo supercolorido”, y es que, precisamente, sus trabajos se perciben como una explosión de color, donde cada ilustración se aprecia como pequeña parte de una abstracción mayor, cercano en ocasiones a lo psicodélico, en otras a lo geométrico, y en otras a lo urbano, acentuados por la gran cantidad de materiales que ocupa: acrílicos, digital y hasta pintura spray.
Moore genera diferentes ambientes cromáticos entre sus obras; e incluso dentro de una misma obra es posible encontrar espacios de color que se diferencian claramente, mediante la repetición y la trama, elementos recurrentes en sus piezas gráficas. En ellas se funden elementos circulares con lineas rectas, líneas secantes que definen otros ambientes de color, otras zonas cromáticas, mediante el contraste de complementarios y las gamas múltiples.
Sus obras además generan una gran atracción debido a la gran cantidad de detalles que la componen, lo cual genera una sensación de color a distancia, muy diferente a la que se va generando cuando el observador se acerca a la pieza, y es capaz de apreciar los diferentes elementos interactuantes. Esta particularidad otorga mucho dinamismo a las obras, y se ve acentuada por el contraste simultáneo, fenómeno que sucede al contemplar una pieza gráfica por un determinado lapso de tiempo, y viendo colores que probablemente no se encuentran en el original.
Moore además presenta un gran interés en la sensación termica del color, su temperatura. En su obra es posible encontrar diferentes piezas que se acercan a lo cálido y se alejan de los tonos más fríos. En otra de sus series de trabajos los tonos son marcadamente fríos. Esto en su propio testimonio se ve influído por el ambiente que lo rodea en Boston: en invierno pinta series en blanco y negro. Pero según el mismo artista expresa, la mayor parte del tiempo se preocupa de generar combinaciones únicas de todos los colores posibles que se encuentren recargados con el espectro.
Matt W. Moore ha trabajado para clientes como Nike, Citroen UK, Blackberry, Adidas, Mazda UK, Walmart, Cadbury, Zune, The Guardian, Vodafone y Wired Magazine. Ha sido entrevistado en más de 25 medios digitales debido a su trabajo, y ha expuesto en más de 10 países en 4 continentes. Además ha diseñado zapatillas, corbatas y vestuario para Threadless y sueña con tener su propia línea de ropa.
Puedes conocer más de sus trabajos visitando su sitio web personal, o conocer sus procesos de diseño leyendo su blog.
Katharina Grosse
Publicado por Ingrid Calvo Ivanovic a las 13:13 hrs. del Tuesday 21 de April de 2009
Katharina Grosse es una artista visual de Berlín, con una gran trayectoria en intervenciones espaciales y exposiciones a lo largo de todo el mundo. Sus trabajos se caracterizan por la expresividad que otorgan a los lugares que invade con su explosión de color.
La obra de Grosse se presenta como un grito artístico, que busca otorgar vida (color) a espacios interiores blancos, demasiado pulcros. Es precisamente el color blanco el que se presenta como el soporte o sustrato donde esta artista aplica sus pinceladas, en ocasiones, y baldes completos, en otras, donde el color pasa a ser el actor principal de sus composiciones.
Grosse generalmente experimenta con una gran cantidad de matices, derivados de la gran variedad de tonos que otorga el acrílico como vasto material plástico; y los aplica generando un conflicto entre las saturaciones de los colores, ya que al ser todos muy intensos tienden a competir, acentuando el atractivo visual para el espectador.
Este mismo material plástico, presenta varios tonos o matices especiales, fosforescentes, plateados y dorados que Grosse aplica constantemente dentro de sus obras. Estos colores especialmente saturados y con propiedades únicas, acentúan el caracter artificial de las obras de la artista, marcándo aún más el quiebre que generan sus instalaciones: si ya un naranja sobre fondo blanco es algo realmente atractivo, un naranja fosforescente sobre blanco imposiblemente pasará desapercibido.
En otras ocasiones, la artista genera ambientes cromáticos, mediante el uso de gamas múltiples de un solo tono, que marcan los espacios de una manera psicológicamente más intencionada, debido a los diversos significados que posee cada color por separado. Aunque esta selección de gamas es menos recurrente en sus obras, suele presentarse como contrapunto a las intervenciones multicoloridas que frecuentemente realiza Grosse.
La forma irregular en que la artista aplica los pigmentos en los objetos y paredes intervenidas, genera áreas de la composición en que la intensidad del color es irregular también. Esto permite apreciar medios tonos, o tonos menos saturados que aquellas áreas donde la concentración de pigmento es más fuerte. Esto, muy propio de la mezcla óptica del blanco del fondo con el color aplicado, agrega otro factor atractivo a las piezas gráficas de Grosse.
Katharina Grosse ha expuesto en más de 35 ciudades, en Asia, Europa, América y Oceanía. En 2002 participó de la Bienal de Sao Paulo, en su muestra en Santiago de Chile, y desde el año 2000 da clases en el Kunsthochschule Berlin en Weissensee, Alemania.
Puedes ver más de sus trabajos en su sitio web personal.
Unconscious Sight
Publicado por Ingrid Calvo Ivanovic a las 01:00 hrs. del Sunday 19 de April de 2009
Unconscious Sight –en español Visión Inconsciente– es un proyecto de AnnieLaurie Erickson (artista y fotógrafa con un especial interés en el espectro visible) y Everett Lawson (músico, fotógrafo y técnico de cámaras fotográficas) basado en el fenómeno de la persistencia de la imagen y el color en la retina del ojo humano. Este fenómeno se produce gracias a la propiedad del ojo humano de almacenar información visual por unos breves instantes después de que se observa un determinado sujeto. Es así como se guardan en la retina algunos atributos de la imagen percibida por unos pocos segundos que luego se desvanecen.
Este proyecto consiste en un experimento fotográfico, el cual, mediante la creación de un instrumento (compuesto por una membrana artificial que imita a la retina del ojo humano que junto a una cámara fotográfica manual, modificada para este propósito determinado) permite tomar fotografías que captan fielmente esos instantes de la persistencia, que es imposible percibir de otra manera, la llamada visión inconsciente.
Los resultados de este experimento son las imagenes captadas por sus creadores, las cuales comparten en el sitio web de Unconscious Sight, donde además explican en profundidad la creación de su cámara fotográfica especial. Un interesante trabajo donde el color es claramente su protagonista.
