PROYECTACOLOR

Blog de Color

Seminario Color Ext.

Publicado por Ingrid Calvo Ivanovic a las 21:05 hrs. del Viernes 19 de Junio de 2009

Los días 16, 17 y 18 de junio, recién pasados, se realizó el Seminario Color Extendido, organizado por los académicos del Departamento de Artes Visuales de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, Catalina Donoso, Verónica Troncoso y Enrique Zamudio, en colaboración con el MAC y Plataforma Cultura Digital.

El escenario del Seminario fue el Museo de Arte Contemporáneo, en sus 2 sedes: Quinta Normal para los workshops y Parque Forestal para los coloquios.

Los coloquios, a los cuales se asistía previa inscripción, fueron una instancia que reunió a profesionales provenientes de las más variadas disciplinas para dialogar en torno al color, el cual se abordó como un fenómeno que se cruza e interatúa en todas las disciplinas.

Proyectacolor asistió a esta instancia y aquí se presentan los temas más relevantes, tratados en cada día de seminario:

Martes 16 de junio

Magdalena Atria: Color e historia, Color y artificio, Color, género y raza.

Esta artista, Master of Fine Arts de la Parsons School of Design de Nueva York, hizo una breve revisión histórica que comenzó en Aristóteles, quien consideraba al color como secundario con respecto al material, para luego retomar el prejuicio ante el color que describe David Bachelor en su libro Chromophobia, quien señala que “el color produce una pérdida del entendimiento” y describe al color como una amenaza.

Luego se habló de la ausencia del color en el Modernismo, donde era importante la verdad del material puro y lo universal se expresaba a través del arte. Además, en la ponencia de esta artista, se hizo un breve paso por Le Corbussier, Kandinsky, el Pop Art y el Surrealismo, para llegar a algunos artistas contemporáneos, quienes de manera sutil exploran el uso del color como experiencia cultural y colectiva.

Víctor Rondón: Música y sonido en blanco, negro y color: relaciones, asociaciones y sentidos.

Este destacado profesor de la Universidad de Chile, Magister en Musicología de la U. de Chile, exploró las relaciones entre la música, el sonido, el color y la pintura, realizando un paralelo entre ambas disciplinas, musical y pictórica, desde el punto de vista de sus procedimientos y sus lugares comunes. Recurrió a un paseo histórico por obras pictóricas que han sido influenciadas a partir de piezas de música, y viceversa.

Además, Rondón presentó algunos instrumentos musicales relacionados con el color y finalizó su presentación mediante la presentación de un video sobre el arpa láser.

Sergio Rojas: El color de la subjetividad

Este filósofo, Magíster en Filosofía de la PUC, se refirió a las posibilidades finitas de la percepción. Realizó un análisis estético de obras del tenebrismo barroco, y ejemplificando el claroscuro característico de esta época. Rojas afirmó que en dichas obras, los objetos aparecen y se manifiestan desde el claroscuro, y que en ausencia de luz, el claroscuro desaparece. Además expresó que la ausencia de color como recurso, es el dominio de las formas y la subjetividad del espectador.

Rojas hizo varias alusiones a William Turner, cuya obra se encuentra influenciada por la Teoría de los Colores de Goethe, ya que Turner seguía fielmente al filósofo. Finalizó su ponencia señalando que “hoy en día el color busca satisfacer la necesidad del arte de representar un mundo que nos sobrepasa, desplazando al claroscuro”.

Miércoles 15 de junio

Enrique Zamudio: Anaglifos Color. Cromática, Fotográfica, Estereoscópica.

Este artista visual y académico U. de Chile, se refirió a la Estereoscopía, técnica que recoge información visual tridimensional, otorgando una ilusión de profundidad. Explicó el procedimiento para la realización de un anaglifo a color, que se obtiene gracias a un uso técnico-pragmático del color.

Además mostró parte de su trabajo personal de la serie Panorama Stereo y señaló al final de su ponencia que la fotografía ha recuperado su capacidad de ser pintura.

Rodrigo Valenzuela: Reflexión acerca de las diferencias entre color y pintura planteadas por Koolhaas.

Este arquitecto de la U. de Chile se refirió a la relación actual entre el color y la arquitectura, como una relación de prejuicio cromático, retomando también a David Bachelor. Realizó una breve reseña histórica del color en la arquitectura a través de los tiempos, para detenerse en Rem Koolhaas, reconocido arquitecto quien hace una diferencia entre el color del material y el color aplicado por medio de la pintura.

Valenzuela ejemplificó el uso contemporáneo del color en la arquitectura, mediante la obra de Koolhaas, la Biblioteca Pública de Seattle, donde el arquitecto holandés incorpora el color en el edificio mediante la iluminación u ocupación completa del espacio, de manera de otorgar una experiencia de color al usuario.

Jueves 18 de junio

Victor alegría: Cuando la pintura deviene en simulacro. Proceso de obra de la serie Nadadores.

Este académico de la Facultad de Artes de la U. de Chile, presentó su obra pictórica de la serie Nadadores y su metodología de trabajo, en lo que denominó el fotorrealismo pictórico. Manifestó su interés en la pintura como representación y simulacro, y en el empleo del color (mediante el contraste de cálido-frío y el contraste de complementarios), la luz, la atemporalidad y la ambientación de las escenas de natación olímpica que trabaja en sus pinturas.

Con Veermer y Richter como sus referentes directos, Alegría expresó la posibilidad de la fotografía de congelar el instante en que ocurre la escena, y la posibilidad de la pintura fotorrealista de reinterpretar ese instante congelado, y de representar momentos que antes era imposible pintar, haciendo énfasis en la diferencia de los materiales de ambas disciplinas.

Finalmente el artista señaló que esta serie de obras, tiene un caracter reflexivo, analítico, objetivo, donde la expresión personal del artista se da por el placer de realizar la obra pictórica no relacionada necesariamente con su expresión sentimental. Victor Alegría presentará una exposición de su serie de trabajos en el MAC, en diciembre del presente año.

Más información sobre el seminario en este link.

Proyectacolor en 5dD

Publicado por Ingrid Calvo Ivanovic a las 21:26 hrs. del Sábado 13 de Junio de 2009

El martes 9 de junio, Proyectacolor estuvo presente en el encuentro de diseño 5dD (cincodíasdiseño), organizado por el Instituto Profesional y Centro de Formación Técnica DuocUC, en su sede Plaza Oeste, mediante una Conferencia y un Workshop sobre Experimentación Cromática.

La conferencia fue abordada desde el proceso de diseño que dio vida a Proyectacolor; desde la detección de la necesidad de herramientas para el estudio del color, pasando por el hacerce cargo de esa necesidad, y la posterior materialización de Proyectacolor, hasta sus alcances al día de hoy.

La conferencia se inició a las 16:20 hrs. con una duración de 40 minutos, y se efectuó en el Auditorio de la Sede, ante una buena concurrencia. Al final de la ponencia, se regalaron algunas chapitas y tarjetitas de Proyectacolor, entre los asistentes.

Luego de la conferencia, se realizó un Workshop de Experimentación Cromática, a 33 alumnos previamente inscritos. Este workshop consta principalmente de 2 partes, una introducción teórica y un ejercicio práctico.

La introducción teórica se abordó desde la perspectiva de la forma y el color: Se realizó un paralelo entre ambos, forma y color, como elementos esenciales de composición visual en el desarrollo de un diseño atractivo,

coherente, significativo y recordable.

Se enfatizó en la capacidad del color de actuar por sí solo como un elemento comunicativo, mediante un repaso de sus propiedades, y su naturaleza interactiva. También se reconoció a Josef Albers como uno de los mayores referentes en el estudio del color como material relativo, mediante la muestra de sus más importantes trabajos, y por sobretodo, sus estudios libres sobre color.

Finalizó la introducción teórica, con la propuesta del desafío de realizar un estudio libre donde lo esencial, en materias comunicativas, sea el color y no la forma.

El ejercicio práctico consistió en la realización del estudio libre, mediante la comparación de tonos cromáticos y su yuxtaposición en un soporte común, en búsqueda de una composición cromática atractiva, coherente, significativa y recordable.

En el workshop se generó una buena dinámica de trabajo por parte de los alumnos, quienes afrontaron el desafío reconociendo su dificultad pero con un buen esfuerzo. Abajo algunos de los resultados de los alumnos.

Pronto estaremos participando en el encuentro de diseño Taller Convergente, mediante una charla y un workshop; y también en ENEDi, mediante un workshop. Para información de cómo participar en los workshop, escríbenos al correo contacto(arroba)www.proyectacolor.cl o visita los sitios de ambos encuentros.

Jacob Dahlgren

Publicado por Ingrid Calvo Ivanovic a las 18:53 hrs. del Sábado 13 de Junio de 2009

Jacob Dahlgren es una artista visual de Estocolmo, Suecia que realiza instalaciones artísticas con elementos de la vida cotidiana, tales como latas de conserva, pesas, colgadores de ropa, vestuarios a rayas, tazas de café, carretes de hilo, plumas, contenedores; y con estos objetos, reconoce de forma activa a sus referentes: Olle Baertling, Carl Andre, Bridget Riley, Frank Stella y Blinky Palermo, entre otros.

Dahlgren pocas veces ocupa los elementos con sus colores y etiquetas originales. Al contrario, los pinta de manera de ocultar los detalles gráficos de las etiquetas para transformarlos en contornos, figuras en serie, que dispone en sus instalaciones. Esto lo realiza el artista, a modo de protesta hacia la sociedad de consumo, tomando el elemento u objeto e insertándolo de nuevo en los dominios del arte.

Al afrontar un encargo personal, este artista pone un especial énfasis en la lectura de color general que otorgará la instalación al espectador. El panorama cromático debe ir reforzado por la contextura de los objetos elegidos. De esta manera elige los colores que quiere proyectar y comienza buscando objetos monócromos. Luego los clasifica según el matiz y los dispone apilados o uno al lado del otro. Así, junto con miles de otros artículos, se convierten en parte de la composición general de una instalación, una escultura, o tal vez una pintura que poco a poco se levanta desde el piso.

Al tomar las decisiones de color, Dahlgren va generando espacios cromáticos, ambientes, dentro de sus instalaciones. El artista tiene claro conocimiento en la naturaleza interactiva del color, de ahí el hecho de que tenga una especial preocupación en el panorama cromático general. Pero además Dahlgren, busca la interacción de las formas presentes en los objetos que dispone: lo que el llama la interactividad directa física de los elementos.

Además, Dahlgren suele buscar asociaciones cromáticas entre los colores, de esta manera es recurrente encontrar en sus obras, apilamiento de objetos por gamas múltiples, o relaciones de contraste que generan una mayor atracción hacia ciertas áreas de la pieza gráfica.

Pero más allá de su capacidad para realizar agrupaciones cromáticas interesantes en cada uno de los espacios de sus instalaciones, uno de los aportes más importantes que hace Dahlgren con sus trabajos es su interés por encontrar diferentes matices en la cotidianeidad. Esta es una extensa tarea de recopilación, de observación, que el artista realiza para manifestar que: “el mundo de nuestros días no es gris como podría percibirse con aires de pesimismo, sino que está compuesto por una diversidad de colores presentes en los objetos: en nuestra ropa, en la publicidad, en la naturaleza, y hoy pareciera ser una cualidad especial el poder apreciar esos colores”.

Jacob Dahlgren se ha convertido rápidamente en un referente del arte de la cotidianeidad, y ha expuesto en muchas ocasiones de forma colectiva o individual, y en múltiples países como Suecia, Escocia, Dinamarca, Alemania, E.E.U.U., Austria, Polonia, Sri Lanka e Italia, realizándo en este último uno de sus trabajos más conocidos, en el marco de la 52° Bienal de Venecia. (en la imagen abajo).

Puedes conocer más de sus trabajos visitando su sitio personal.

Robert Doesburg

Publicado por Ingrid Calvo Ivanovic a las 19:20 hrs. del Martes 12 de Mayo de 2009

Robert Doesburg es un pintor y dibujante holandés, de 63 años, cuya obra se encuentra fuertemente influenciada por sus experiencias de viaje y los ambientes que lo rodean. Éstos son plasmados en un estilo artístico de pequeños cuadrados de colores —square style—, que se ha dedicado a desarrollar durante mucho tiempo y que, a modo de mosaico, conforman las imagenes presentes en sus pinturas. En el Square Style, cada cuadrado en sí corresponde a una obra de arte abstracto; pero uno junto al otro, es decir, insertos en la composición, logran transformarse a lo figurativo.

Es precisamente el uso de este estilo artístico, según señala el mismo Doesburg, quien le otorga múltiples oportunidades para usar un amplio universo de colores, consiguiendo composiciones coloridas en cada cuadrado, independientes del total de la obra artística. Cada pintura de este artista presenta un panorama general acerca de las relaciones de armonías de color y los esquemas de contraste que se dan en pequeña escala en cada cuadrado, y a gran escala en la obra completa.

Un aspecto importante a destacar en las obras de Doesburg es el uso de la armonía de gamas múltiples, la cual es una constante cuando el artista usa varios colores monocromáticos, todos relacionados a un mismo tono (diferentes tonos de azul para los cielos, por ejemplo), los cuales aportan cromáticamente a las figuras presentes en la obra, alejándose de los tonos planos y acercándose a los tonos o colores enriquecidos.

Esta multiplicidad de tonos, tiene sus raíces en las experiencias de vida que ha recogido Doesburg en sus obras. Aporta con toques de nostalgia, extraída directamente de sus vivencias, sus sentimientos y su juventud en la Academia Marítima; el mismo artista señala que se vio influenciado por los colores, reflejos y brillos del agua, y de su nostalgia hacia los puertos y las ciudades. Sin duda su ojo se fue entrenando al apreciar por mucho tiempo las variaciones de azul y verde turquesa, propios del color del océano.

Doesburg además, ha buscado en sus obras, otorgarle sus propios colores a las figuras y personajes presentes en sus piezas gráficas; de tal manera que es posible encontrar diferentes matices en los sujetos, que se alejan de la imagen cromática real (o al menos reconocible) y se acercan a una perspectiva más fantástica. Así, es recurrente ver en sus obras caballos rojos, seres humanos amarillos, y pastos rosados, conviviendo en un ambiente de fragmentación unida cromaticamente.

Robert Doesburg ha pintado durante toda su vida, pero solo desde 1995 se dedica a la pintura a tiempo completo. Ha expuesto en múltiples galerías, generalmente a lo largo de toda Europa. Puedes ver más de sus trabajos visitando su sitio personal.

Matt W. Moore

Publicado por Ingrid Calvo Ivanovic a las 12:03 hrs. del Lunes 04 de Mayo de 2009

Matt W. Moore, más conocido como MWM Graphics en el submundo del arte callejero, es actualmente un diseñador y artista visual establecido en Boston, que ha experimentado prolíficamente con el vectorfunk: la ilustración, tipografía y el color.

Moore define su propio trabajo como “la celebración del diseño abstracto y el trabajo supercolorido”, y es que, precisamente, sus trabajos se perciben como una explosión de color, donde cada ilustración se aprecia como pequeña parte de una abstracción mayor, cercano en ocasiones a lo psicodélico, en otras a lo geométrico, y en otras a lo urbano, acentuados por la gran cantidad de materiales que ocupa: acrílicos, digital y hasta pintura spray.

Moore genera diferentes ambientes cromáticos entre sus obras; e incluso dentro de una misma obra es posible encontrar espacios de color que se diferencian claramente, mediante la repetición y la trama, elementos recurrentes en sus piezas gráficas. En ellas se funden elementos circulares con lineas rectas, líneas secantes que definen otros ambientes de color, otras zonas cromáticas, mediante el contraste de complementarios y las gamas múltiples.

Sus obras además generan una gran atracción debido a la gran cantidad de detalles que la componen, lo cual genera una sensación de color a distancia, muy diferente a la que se va generando cuando el observador se acerca a la pieza, y es capaz de apreciar los diferentes elementos interactuantes. Esta particularidad otorga mucho dinamismo a las obras, y se ve acentuada por el contraste simultáneo, fenómeno que sucede al contemplar una pieza gráfica por un determinado lapso de tiempo, y viendo colores que probablemente no se encuentran en el original.

Moore además presenta un gran interés en la sensación termica del color, su temperatura. En su obra es posible encontrar diferentes piezas que se acercan a lo cálido y se alejan de los tonos más fríos. En otra de sus series de trabajos los tonos son marcadamente fríos. Esto en su propio testimonio se ve influído por el ambiente que lo rodea en Boston: en invierno pinta series en blanco y negro. Pero según el mismo artista expresa, la mayor parte del tiempo se preocupa de generar combinaciones únicas de todos los colores posibles que se encuentren recargados con el espectro.

Matt W. Moore ha trabajado para clientes como Nike, Citroen UK, Blackberry, Adidas, Mazda UK, Walmart, Cadbury, Zune, The Guardian, Vodafone y Wired Magazine. Ha sido entrevistado en más de 25 medios digitales debido a su trabajo, y ha expuesto en más de 10 países en 4 continentes. Además ha diseñado zapatillas, corbatas y vestuario para Threadless y sueña con tener su propia línea de ropa.

Puedes conocer más de sus trabajos visitando su sitio web personal, o conocer sus procesos de diseño leyendo su blog.

Katharina Grosse

Publicado por Ingrid Calvo Ivanovic a las 13:13 hrs. del Martes 21 de Abril de 2009

Katharina Grosse es una artista visual de Berlín, con una gran trayectoria en intervenciones espaciales y exposiciones a lo largo de todo el mundo. Sus trabajos se caracterizan por la expresividad que otorgan a los lugares que invade con su explosión de color.

La obra de Grosse se presenta como un grito artístico, que busca otorgar vida (color) a espacios interiores blancos, demasiado pulcros. Es precisamente el color blanco el que se presenta como el soporte o sustrato donde esta artista aplica sus pinceladas, en ocasiones, y baldes completos, en otras, donde el color pasa a ser el actor principal de sus composiciones.

Grosse generalmente experimenta con una gran cantidad de matices, derivados de la gran variedad de tonos que otorga el acrílico como vasto material plástico; y los aplica generando un conflicto entre las saturaciones de los colores, ya que al ser todos muy intensos tienden a competir, acentuando el atractivo visual para el espectador.

Este mismo material plástico, presenta varios tonos o matices especiales, fosforescentes, plateados y dorados que Grosse aplica constantemente dentro de sus obras. Estos colores especialmente saturados y con propiedades únicas, acentúan el caracter artificial de las obras de la artista, marcándo aún más el quiebre que generan sus instalaciones: si ya un naranja sobre fondo blanco es algo realmente atractivo, un naranja fosforescente sobre blanco imposiblemente pasará desapercibido.

En otras ocasiones, la artista genera ambientes cromáticos, mediante el uso de gamas múltiples de un solo tono, que marcan los espacios de una manera psicológicamente más intencionada, debido a los diversos significados que posee cada color por separado. Aunque esta selección de gamas es menos recurrente en sus obras, suele presentarse como contrapunto a las intervenciones multicoloridas que frecuentemente realiza Grosse.

La forma irregular en que la artista aplica los pigmentos en los objetos y paredes intervenidas, genera áreas de la composición en que la intensidad del color es irregular también. Esto permite apreciar medios tonos, o tonos menos saturados que aquellas áreas donde la concentración de pigmento es más fuerte. Esto, muy propio de la mezcla óptica del blanco del fondo con el color aplicado, agrega otro factor atractivo a las piezas gráficas de Grosse.

Katharina Grosse ha expuesto en más de 35 ciudades, en Asia, Europa, América y Oceanía. En 2002 participó de la Bienal de Sao Paulo, en su muestra en Santiago de Chile, y desde el año 2000 da clases en el Kunsthochschule Berlin en Weissensee, Alemania.

Puedes ver más de sus trabajos en su sitio web personal.

Unconscious Sight

Publicado por Ingrid Calvo Ivanovic a las 01:00 hrs. del Domingo 19 de Abril de 2009

Unconscious Sight –en español Visión Inconsciente– es un proyecto de AnnieLaurie Erickson (artista y fotógrafa con un especial interés en el espectro visible) y Everett Lawson (músico, fotógrafo y técnico de cámaras fotográficas) basado en el fenómeno de la persistencia de la imagen y el color en la retina del ojo humano. Este fenómeno se produce gracias a la propiedad del ojo humano de almacenar información visual por unos breves instantes después de que se observa un determinado sujeto. Es así como se guardan en la retina algunos atributos de la imagen percibida por unos pocos segundos que luego se desvanecen.

Este proyecto consiste en un experimento fotográfico, el cual, mediante la creación de un instrumento (compuesto por una membrana artificial que imita a la retina del ojo humano que junto a una cámara fotográfica manual, modificada para este propósito determinado) permite tomar fotografías que captan fielmente esos instantes de la persistencia, que es imposible percibir de otra manera, la llamada visión inconsciente.

Los resultados de este experimento son las imagenes captadas por sus creadores, las cuales comparten en el sitio web de Unconscious Sight, donde además explican en profundidad la creación de su cámara fotográfica especial. Un interesante trabajo donde el color es claramente su protagonista.

Yulia Brodskaya

Publicado por Ingrid Calvo Ivanovic a las 22:37 hrs. del Viernes 10 de Abril de 2009

Yulia Brodskaya es una artista de Rusia, que comenzó su carrera moviéndose principalmente entre pintura de telas, origami y collage; acercándose a las Bellas Artes. Realiza experimentación y exploración en sus obras juntando las cosas que más le gustan: tipografía, papel, color y objetos muy detallados, hechos a mano.

Los trabajos de esta artista, que ella denomina papergraphics, son muestra de un oficio espectacular, ya sea en la realización práctica de las piezas gráficas como también en el uso cromático y su contraposición con el soporte blanco. Brodskaya genera imágenes muy pregnantes en cada una de las configuraciones tipográficas que realiza, y ocupa el color como un elemento de apoyo a los conceptos que representa.

En cada uno de sus trabajos es posible encontrar un uso cromático intencionado, mediante un conocimieto previo ya sea del contraste, como también de las armonías de color, que aparecen presentes en sus obras de manera frecuente. Destacan entre ellos el contraste de complementarios y la armonía de gamas múltiples.

Además Brodskaya aprovecha de manera muy creativa el material y el soporte de las obras, pues en algunas de las piezas, mediante el reflejo que otorga la superficie blanca, es posible percibir algunas figuras con colores de relleno, que corresponden a ilusiones ópticas cromáticas.

Esta artista también incorpora el uso del blanco en algunas ocasiones, no tan sólo como fondo sino también como figura, y en otras, como contraforma tipográfica. Este color es un elemento recurrente en el portafolio de la artista, destacando los conceptos de limpieza y pureza que otorga el blanco, y su contraste con la aplicación de multiples tonos.

Yulia Brodskaya es una artista muy prolífica, y aquí se muestran solo algunos de sus últimos trabajos. Además se dedica al diseño gráfico y a la ilustración. Ha trabajado para clientes como The Guardian, The New York Times Magazine, WIRED, Nokia, Starbucks y Orange, entre otros. Y ha sido entrevistada para las revistas IdN Magazine (en su versión v16n2, que aún no se publica), Étapes, y Notion, entre otras.

Puedes ver más de sus trabajos visitando su sitio personal.