Sarah Applebaum es una artista visual que vive y trabaja en San Francisco, California. En sus obras, incorpora diversos materiales, desde textiles hasta construcciones geométricas, mezclando mundos distintos que confluyen según las intenciones cromáticas de la artista.

Las obras de Applebaum se presentan como un estallido espectral de color textil y geometría en los espacios que intervienen. Las formas, que presentan un contenido, sentido y crecimiento orgánico, van acompañadas en su proliferación de paletas cromáticas muy saturadas, además de una gran presencia de negro, que contribuye a la valorización de las formas geométricas y al contraste del color.

La artista obtiene sus materiales de extensos recorridos y búsquedas en tiendas de ropa usada y telas a granel. Esto otorga un carácter hogareño y familiar a las texturas que emplea, pero a su vez, la conjunción cromática, unida a la constante aparición de la geometría, nos transporta a un ambiente absolutamente actual, moderno y contemporáneo, que encaja perfectamente en la sala de exposiciones más vigente.

Desde el terreno de lo cromático, Applebaum no economiza en matices y los aplica de manera no excluyente en sus instalaciones. De esta manera, es recurrente encontrar en sus obras armonías triádicas complementarias, como también, esquemas de contraste de colores puros. Ambas relaciones cromáticas otorgan a la composición un carácter espectral, es decir, generan la aparición de múltiples matices de las más diversas gamas.

Pero la elección cromática presente en la obra de la artista está irremediablemente determinada por el espectro de colores característico del material escogido. Applebaum no emplea tintes o pigmentos en sus piezas gráficas, sino que ocupa el color del material. Esto que podría considerarse una limitación en la elección de los recursos cromáticos, es precisamente lo que atrajo a la artista a trabajar con estos materiales: “Lo que realmente me atrajo de las mantas no era el punto, aunque soy consciente del tiempo y la habilidad que se necesita para confeccionarlas, y soy una tejedora terrible. Fue la combinación de colores locos, algunos por elección y otros por necesidad, lo que me atrajo realmente. Particularmente la unión entre la creatividad psicodélica de la elección del color y lo poco urbano/mundano de las mantas. Por encima de todo, estoy interesada en sus colores “.

“El color está en todo lo que vemos y lo usamos para entender nuestro entorno. Está muy relacionado con los sentimientos y la emoción. Mi trabajo es primario/básico. Trabajo con el color, el tacto, los arquetipos de la forma, los paisajes y la mitología”.

Sarah Applebaum ha expuesto sus obras en numerosas ocasiones, ya sea dentro de E.E.U.U. como en Italia, Islandia y otros países. Sus trabajos han sido publicados en diversos medios impresos de países como China, España, Holanda y Alemania, entre otros, y destacados en gran número de publicaciones digitales y blogs.

Puedes conocer más de sus trabajos visitando su sitio web personal o también, leyendo su blog de procesos.

Francisco Cintolesi es un joven artista visual y diseñador gráfico chileno cuya especialidad es la pintura, en la que plasma la mímesis de las figuras, haciendo un trabajo pulcro entre luces y colores; recursos que constituyen el alma de sus obras, el lenguaje visual de las mismas.

En las obras de Cintolesi, el color es un elemento pregnante, ya que el autor consciente de la capacidad evocadora de sensaciones que tiene este recurso, lo aplica dentro de sus lienzos sin mesura pero con laboriosidad. Sus piezas gráficas con un derroche de matices, son ambientadas a veces en lo irreal, a veces en una hiperrealidad, pero nunca indiferentes ante las paletas cromáticas seleccionadas por el artista.

La elección de colores en las obras de Cintolesi refleja la actitud colorista del artista, de esta manera es recurrente encontrar en sus lienzos diferentes esquemas de contraste o armonías. El contraste de calidad es quizá el más usado por este artista, ya que esta forma de combinar colores garantiza el acento visual de ciertas figuras, al acentuar la saturación de sus colores.

Otro contraste que Cintolesi utiliza bastante es el de colores puros, que se traduce principalmente en la articulación y contraposición de todos los colores en su estado más saturado, de manera de generar una competencia visual, que estimula a la retina e hipnotiza al usuario. La armonías de complementarios y la de dobles complementarios suelen aparecer también, aunque con menor constancia.

Un elemento a destacar de las obras de este artista es su “explosión de color” que se aprecia cuando el ambiente de una obra se percibe como constante, en una suerte de tensa calma cromática, pero que despierta con la aparición de hitos cromáticos como manchas saturadas o contrastantes. Dichas manchas cromáticas conviven con el realismo de algunas de sus obras, como si pertenecieran al mismo mundo retórico. Este recurso que funciona como un punto visual, es generalmente muy orgánico, testimonio de realización humana, espontánea y por ende, con una gran riqueza visual.

Francisco Cintolesi ha expuesto en numerosas ocasiones, de manera individual o coletiva, en los últimos 12 años. Además ha participado en numerosos proyectos relacionados con la comunicación visual, desde 1995.

Puedes conocer más de sus trabajos en su sitio web personal, o ver un vídeo sobre su proyecto “Choque: no hay donde caer”.

Sachin Teng, más conocido como contraomnes, es un artista visual, ilustrador y diseñador gráfico y estudiante norteamericano de pregrado en el Pratt Institute, de 20 años de edad, establecido en Nueva York. Este joven artista busca la inspiración diariamente en la música instrumental y considera que el trabajo realizado debe considerarse casi tan importante como los estudios o grados adquiridos.

La obra de Teng, mayoritariamente en lo que se refiere a sus ilustraciones, se presenta con una paleta cromática característica, que se ha convertido en el sello cromático del artista. Es muy recurrente la presencia de tonos cromáticos grises, de baja intensidad o saturación, en consecución de tonos de mayor saturación, pero generalmente en clave armoniosa – y a veces también – contrastante.

De un modo más preciso, es el contraste de calidad – también denominado contraste de saturación – aquel que se aparece con más presencia dentro de sus trabajos, pero éste generalmente se encuentra articulado con la armonía de complementarios, o dobles complementarios, lo cual otorga un aspecto vintage a sus obras, con un ambiente cromático cercano a las paletas cromáticas del new age, y de los años cincuenta.

Teng además es audaz en el uso de colores acromáticos, como blanco, negro y variados tonos de grises. El uso de esta tipología cromática acentúa el aire nostálgico y de añoranza de sus ilustraciones. Incluye también recursos visuales en la iluminación de las viñetas, tales como el grano, que hacen más evidente y característico el estado de ánimo de las escenas. En sus trabajos es difícil encontrar colores muy saturados o brillantes, ya que estos responden a la proximidad y la cercanía temporal y formal.

La diferencia de luminosidad es un recurso que este artista también emplea bastante. Teng suele conjugar numerosas luminosidades de color, articulando de esta manera las diferentes gamas múltiples que utiliza. Así el artista aprovecha al máximo un mismo color, jugando con su carácter interactivo, haciendo que éste se presente con distinta apariencia según la cercanía con sus complementarios o su articulación junto a colores de luminosidades diferentes. De esta manera, percibimos una paleta cromática amplia, a veces sin saber que se trata de un mismo color en sus diferentes luminosidades. Sin duda una técnica que se obtiene mediante el trabajo cromático consciente, estudiado o adquirido en la práctica.

Sachin Teng, quien se ha hecho bastante conocido bajo su seudónimo contraomnes, ha sido destacado en múltiples sitios web dedicados a la búsqueda de referentes gráficos. Su trabajo ha sido reconocido por The Society of Illustrators, el Museum of Modern Arts de Nueva York, P.S. Art y otras instituciones. Este año fue el ganador de la 2010 Student Scholarship Competition, de la Society of Illustrators.

Puedes conocer más sobre el trabajo de este artista en su sitio web personal, visitando su perfil de DeviantART o leyendo una entrevista que le realizaron desde esa misma red social .

Andrew Pearce es un apasionado fotógrafo, realizador de cine y diseñador australiano. Su carrera como realizador de cine comenzó el 2002 a los 12 años, edad en la que participaba en festivales y competencias de realización cinematográfica de la ciudad donde creció, de las cuales se enteraba buscando en Google o cuando veía algún afiche local.

El trabajo más prolífico de Pearce hoy, corresponde a la fotografía, la cual desarrolla mezclando las técnicas fílmicas de encuadres y filtros de imagen,  que otorgan a sus fotografías un estilo cromático saturado y pregnante. En ellas, recurrentemente encontramos ambientes cromáticos muy definidos, relativos al estado de ánimo de la imagen y los elementos –figuras– que la componen. De esta manera, encontramos momentos alegres congelados por el disparador de Pearce, ambientados en gamas cromáticas que son percibidas también como alegría.

Pero este acento que realiza Pearce en los estados de ánimo, no cae en lo absoluto en una realidad literal. Al contrario, Pearce, mediante la utilización de filtros cromáticos y elementos característicos del cine, como la postproducción, genera en la mayoría de los casos una supersaturación de los colores presentes en la imagen, excitando aún más al ojo del expectador pero llevándolo a un mundo casi irreal, en el que los colores juegan el papel más importante en lo que respecta a la atracción.

Desde un plano más específico, es muy relevante en el trabajo de este fotógrafo, los acentos contrastantes de color que emplea en algunas de las series en su trabajo. Es común dentro de su portafolio, encontrar fotografías que responden a un determinado estado de ánimo, o temperatura, articuladas por gamas cromáticas de color fríos. Pero esa tranquilidad que otorgan los colores fríos, se ve en casos tensionada por la aparición de elementos absolutamente contrastantes en colores cálidos y con intensidad muy saturada.

Del trabajo photográfico de Pearce quizá lo más importante a destacar es la cualidad creadora de ambientes que posee el color, y cómo estos ambientes pueden relacionarse con determinada emocionalidad: alegría, nostalgia, tranquilidad, tristeza, etc. Esto lo consigue mediante la correcta elección de los protagonistas de las imagenes y el papel que juegan los colores que introduce, ya sea por las diferentes técnicas que emplea, o que logra captar de las locaciones donde realiza las capturas fotográficas. Un pulcro trabajo de Dirección de Arte, con un especial énfasis en el uso cromático consciente.

Andrew Pearce ha logrado reconocimiento nacional e internacional por su trabajo cinematográfico. En los ultimos años ha estado básicamente dedicado al trabajo fotográfico, con el que ha expuesto en numerosos países, como E.E.U.U., Canadá y Australia. Además ha participado en variados concursos entre los que destacan recientemente su 1er lugar en el 2010 Corowa Art Show, en la categoría de Retratos, 1er lugar en el 2010 Jet Star Photography Competition, y como diseñador su 1er lugar en el 2009 National Youth Week Poster Competition, entre varios otros premios y reconocimientos.

Puedes conocer más de sus trabajos visitando su sitio web personal, o acceder a sus films, en su galería de deviantART.

Similares cromáticos: gélido, congelado, helado, fresco, glacial.

La paleta cromática correspondiente al frío está conformada por aquellos colores que tienen una temperatura cromática reconociblemente baja, como los azules, verdes que tienden a la desaturación y algunos tonos de grises cromáticos o colores muy desaturados. En esta gama, los colores deben tender a separarse, a no mezclarse, a contrastar fuertemente ya sea por su saturación o su luminosidad y peso. De tal manera que parecieran congelados o duros como el hielo.

Pero para contrarrestar la gama múltiple del verde al azul, aparecen también el blanco, color del invierno según Johannes Itten, y un gris oscuro que tiende levemente más a la calidez que al frío, pero se mantiene acorde en su desaturación y aporta un mayor peso.

Al elegir una paleta cromática mayoritariamente fría, se debe tener en cuenta que no necesariamente todos los azules y verdes serán fríos. Para más información visita Temperatura de Color.

Similares cromáticos: quietud, reposo, alivio, pausa, relajo.

El descanso se representa cromáticamente la mitad con una paleta mixta entre colores con longitud de onda corta (variaciones de tono de azul y verde) que representan el alivio y la tranquilidad pero sin llegar al frío; y colores de longitud de onda larga (tonos de rojos luminosos y amarillos), que expresen calidez sin llegar a la excitación.

Estos colores muy luminosos además deben tener una saturación media, de manera de minorizar la intensidad y el contraste, generando una atmósfera pareja que no signifique un quiebre en ese descanso. La  máxima saturación presente en la paleta se otorga mediante el uso de un amarillo muy cálido que resalta un ambiente acogedor, propicio para el relajo.

Por otra parte, también los colores rosados cálidos de una luminosidad entre media y alta, así tienen connotaciones de bienestar y seguridad, ya que se alejan de la estimulante gama de los rojos, pero otorgan un ambiente de ensoñación. Por su parte los celestes claros, invitan a la meditación y el pensamiento reflexivo.

Anna Anjos es una diseñadora e ilustradora brasileña, con residencia en Sao Paulo, quien prefirió desde pequeña los lápices de colores antes que los juguetes. Su carrera comenzó como diseñadora y colorista en una fábrica de comics e hiperquímica (Quadrinhos e Hiperquimica) en Brasil. Sus trabajos actuales generalmente son ilustraciones de apoyo a medios de comunicación impresos como diarios o revistas. En ellos, aparecen simpáticos personajes, con un estilo muy particular y reconocible, y con atmósferas de color muy marcadas.

Precisamente es este trabajo de atmósferas cromáticas el elemento diferenciador de las ilustraciones de esta artista, ya que en sus obras, el color aparece como el espacio común en el que viven o habitan los personajes de su imaginera ilustrativa. Las relaciones cromáticas presentes en sus dibujos generalmente se basan en gamas múltiples, es decir, donde es recurrente la presencia de gradaciones de un color a otro, ambos cercanos en el círculo cromático.

Esta apuesta que asume Anjos es interesante desde el punto de vista de las variaciones cromáticas de 1 o 2 tonos, mediante la manipulación de las propiedades del color, ya sea en luminosidad como en saturación, lo cual permite el desarrollo de múltiples nuevos tonos, familiares a los 2 originales en matiz, pero más claros, más oscuros; más intensos o más pálidos. Es decir, Anna Anjos desarrolla una paleta cromática muy extensa con la variación de 2 tonos cercanos en matiz.

Otro elemento cromático interesante en la obra de Anjos – presente en la ilustración de arriba de este párrafo –  es la recurrencia de la ilusión de transparencia. Mediante la articulación de la mezcla óptica de matices, la ilustradora, genera la ilusión de planos translúcidos dentro de sus composiciones. Esta ilusión puede conseguirse con un conocimiento un poco más avanzado de la naturaleza interactiva del color, y el dominio de sus propiedades; conocimieto que en algunos artistas es innato, pero que puede adquirirse mediante la práctica de un constante ejercicio de comparación cromática de tonos.

Además de armonizar mediante tonos cercanos en el círculo cromático, la artista articula relaciones de cercanía de saturaciones y luminosidades. Yuxtaponiendo colores cercanos en intensidad, genera atmósferas de tranquilidad, fusión y calma. Sin duda, Anjos maneja los atributos del color aplicándolos de manera efectiva en la composición de sus ilustraciones, claro ejemplo de un uso a conciencia del color, alejándose de lo puramente decorativo.

La obra de Anna Anjos ha estado siempre muy influenciada por sus inicios en el comic. Sus trabajos han sido publicados en más de 12 medios digitales y varios otros impresos. Ha trabajado para clientes como Sadia, Coca – Cola, Brahma, entre otros. Sus ilustraciones han ocupado sustratos como vestuario, carcazas para Ipod, afiches y portadas de diaros y revistas.

Puedes conocer más de su obra en su sitio personal, o seguirla en twitter o flickr.

Augustin Lesage fue un pintor de principios del siglo XX, representante del movimiento espiritista, cuyos trabajos destacan por la ornamentación, la simetría y el color. La obra de Lesage ha sido catalogada también como Pintura Automática o Psíquica, fenómeno donde la persona, sin ser un artista entrenado es capaz de producir excepcionales obras de arte, generalmente en un período muy breve de tiempo, y supuestamente bajo el control de una entidad espiritual.

Muchas de las obras de Lesage presentan una simetría parcial y en ocasiones total, donde la pintura se va desarrollando en torno a una línea central, dada la composición de carácter monumental, donde algunos de sus lienzos evocan a composiciones arquitectónicas.  Lesage llegó a la cima de su arte durante los años 20, a través de composiciones abstractas grandes (en promedio entre 1 y 2 metros), que consistían en una sucesión de patrones repetitivos, principalmente de capas horizontales cada vez más profundas (se cree que a raíz del trabajo que ejerció como minero) y con un  ritmo de progreso en sus obras muy rápido.

Pero el aporte más importante de la obra de este artista se refiere a que su estética simétrica, geométrica y formal anticipa tres de los grandes movimientos artísticos del siglo XX:  el arte abstracto (que se reconoce desde Kandinsky en 1910, y Malevich en 1915), el surrealismo (que comienza cerca de 1917) y el art brut ( que aparece en 1945).

Desde el punto de vista cromático, la obra de Lesage se caracteriza por una gran cantidad de matices, yuxtapuestos, que van generando texturas y ambientes. El artista comienza sus obras con un par o trío de colores primarios, los que luego va dividiendo, fragmentando, transportando junto a espirales y formas geométricas, y de esta manera dan orígen a un gran conjunto de matices diversos, que completan las obras.

Con esta técnica que se inicia a partir de colores primarios, las pinturas obtenían una apariencia muy saturada o brillante, ya que  Lesage generalmente utilizaba los pigmentos de tonos más puros, preferiblemente con un pincel para cada uno. Además aplicaba cantidades muy grandes de pigmento, pero distribuyéndo los colores en pequeños puntos de luz, en algunas ocasiones, o como figuras ornamentales en relieve, en otras. De esta manera un mismo color podía aparecer como fondo en zonas del cuadro, y luego como figura, en otras zonas del mismo.

Lesage desarrollaba esta tecnica de alternancia cromática de manera intuitiva, casi adelantándose al estudio de la interacción del color que tuviera lugar los años posteriores a 1920, en el marco de la Bauhaus, a cargo de Johannes Itten en un principio y de Josef Albers más adelante. Otro de los recursos que Lesage aplicó dentro de su obra se relaciona con la mezcla óptica, que permite distinguir un color general, de una multitud de pequeñas porciones de otros colores que lo componen.

Augustin Lesage realizó más de 300 obras, sus primeras pinturas fueron consideradas especímenes de los más atrevidos del arte moderno y exploró casi todas las posibilidades de la abstracción geométrica. Ya con la vista muy deteriorada debió resignarse a dejar los pinceles en el año 1952, menos de dos años antes de su muerte.

Puedes conocer más de su vida y obra en este link, o ver sus pinturas en el sitio de la Colección de Art Brut.

Paul Sika es un fotógrafo, director de arte e ilustrador establecido en Costa de Marfil, quien crea nuevos ambientes o atmósferas, invitando el espectador a la fusión de interpretaciones sociales y psicológicas, con visiones individuales y colectivas. Su serie de fotografías sobre África pretende romper con las concepciones generales de la vida en ese continente y llenar de nuevos significados e impresiones las escenas que captura.

El color es esencial para el propósito de este fotógrafo. Mediante su adición de manera vibrante y utilizando actores y locaciones prolijamente elegidas, Sika construye las imágenes cargándolas poderosamente de narrativa social y abriendo las puertas a la imaginación y la interpretación de quien las contempla. Esto lo logra mediante su experiencia como fotógrafo publicitario y de moda, además de la creación de guiones, dibujos, palabras y bocetos que elabora a mano, muestra de la madurez que alcanza en sus trabajos.

Sika aplica en sus fotografías colores relativos a lo artificial, contrastando la saturación del ambiente cromático que genera, con el fotorrealismo presente en sus trabajos donde la gran cantidad de detalles percibidos realzan la veracidad de la imagen. El fotógrafo incorpora esta dualidad debido a uno de sus viajes desde Londres a Costa de Marfil, donde fue notando el aumento en la cantidad de colores de un país a otro, y el aumento también en la crudeza del paisaje, humano y geográfico.

El tratamiento del color en las imágenes de Sika, se basa generalemente en los esquemas de contraste, mayoritariamente en el contraste de complementarios y en el contraste de cantidad. Este último es uno de los recursos más útiles para hacer acentos en la comunicación visual, y Sika lo incorpora precisamente para destacar aquellos elementos de las imágenes que el espectador debería apreciar primero, para luego tener una visión general de la composición.

El trabajo de este fotógrafo es una muestra de la importancia del significado del color para la composición visual, en este caso, la composición fotográfica retocada. Sin la incidencia del color en sus trabajos, las fotografías e ilustraciones de Sika, pasarían a ser fotografías realistas en alto contraste, de una sociedad africana muy fotografiada en ese estilo. Por otro lado podrían ser fotografías publicitarias, pero la aparición de colores artificiales y/o inusuales en las escenas que el fotógrafo retrata, otorgan una semántica distinta, y lo más importante, según el mismo Sika, abren al espectador la posibilidad de una interpretación nueva, según su propia imaginación.

Paul Sika, a sus 23 años, ha sido entrevistado para una gran cantidad de medios, entre ellos BBC, Arise Magazine y Cool Hunting, además sus fotográfías han ocupado una gran variedad de portadas. Una de las más importantes es la de la Olympus User Magazine UK, verano de 2007.

Puedes conocer más de sus trabajos e ilustraciones en su sitio web personal, o seguir sus últimas acciones en Twitter.

El martes 9 de junio, Proyectacolor estuvo presente en el encuentro de diseño 5dD (cincodíasdiseño), organizado por el Instituto Profesional y Centro de Formación Técnica DuocUC, en su sede Plaza Oeste, mediante una Conferencia y un Workshop sobre Experimentación Cromática.

La conferencia fue abordada desde el proceso de diseño que dio vida a Proyectacolor; desde la detección de la necesidad de herramientas para el estudio del color, pasando por el hacerce cargo de esa necesidad, y la posterior materialización de Proyectacolor, hasta sus alcances al día de hoy.

La conferencia se inició a las 16:20 hrs. con una duración de 40 minutos, y se efectuó en el Auditorio de la Sede, ante una buena concurrencia. Al final de la ponencia, se regalaron algunas chapitas y tarjetitas de Proyectacolor, entre los asistentes.

Luego de la conferencia, se realizó un Workshop de Experimentación Cromática, a 33 alumnos previamente inscritos. Este workshop consta principalmente de 2 partes, una introducción teórica y un ejercicio práctico.

La introducción teórica se abordó desde la perspectiva de la forma y el color:  Se realizó un paralelo entre ambos, forma y color, como elementos esenciales de composición visual en el desarrollo de un diseño atractivo,
coherente, significativo y recordable.

Se enfatizó en la capacidad del color de actuar por sí solo como un elemento comunicativo, mediante un repaso de sus propiedades, y su naturaleza interactiva. También se reconoció a Josef Albers como uno de los mayores referentes en el estudio del color como material relativo, mediante la muestra de sus más importantes trabajos, y por sobretodo, sus estudios libres sobre color.

Finalizó la introducción teórica, con la propuesta del desafío de realizar un estudio libre donde lo esencial, en materias comunicativas, sea el color y no la forma.

El ejercicio práctico consistió en la realización del estudio libre, mediante la comparación de tonos cromáticos y su yuxtaposición en un soporte común, en búsqueda de una composición cromática atractiva, coherente, significativa y recordable.

En el workshop se generó una buena dinámica de trabajo por parte de los alumnos, quienes afrontaron el desafío reconociendo su dificultad pero con un buen esfuerzo. Abajo algunos de los resultados de los alumnos.

Pronto estaremos participando en el encuentro de diseño Taller Convergente, mediante una charla y un workshop; y también en ENEDi, mediante un workshop. Para información de cómo participar en los workshop, escríbenos al correo contacto(arroba)proyectacolor.cl o visita los sitios de ambos encuentros.