Tim Bavington es un diseñador gráfico, pintor e ilustrador inglés, establecido en Las Vegas, con una prolífica carrera respaldada por una gran cantidad de exhibiciones de forma individual  o en conjunto con otros artistas destacados. Su trabajo destaca por la importancia que el artista otorga a la estrecha relación entre colores y música. El principal sello de su obra son los lienzos de composiciones geométricas abstractas, basadas en lineas paralelas, generalmente ubicadas en dirección vertical, cuya morfología permite apreciar de buena forma el panorama cromático que emplea en su trabajo, y que es articulado por las influencias musicales del artista, en un momento determinado.

Su carrera comenzó muy temprano, como diseñador gráfico e ilustrador para la serie de televisión Los Simpson, para luego dedicarse profundamente al arte pictórico geométrico. Sus pinturas, realizadas mayoritariamente en la técnica del aerógrafo acrílico sobre tela, han sido inspiradas en piezas musicales, según el mismo artista. En 1998 desarrolló y vendió su primera pieza gráfica inspirada en la canción Driving Nowhere, del rockero británico Paul Weller, la cual estaba compuesta de líneas verticales de colores, muy similar a sus trabajos actuales.

Más adelante, en 2002, definitivamente incorporó esta metodología de trabajo musico-cromático, mediante la realización de una composición visual inspirada en un solo de guitarra de Jimmy Hendrix, de la cual transcribió las notas musicales y las asoció a colores, realizando su obra denominada Voodoo Child (Slight Return). A partir de esta obra, Bavington comenzó a trabajar con una estructura de música y homologación cromática que emplea en muchos de sus trabajos.

Desde el análisis de su perspectiva cromática, la obra de Bavington genera un puente entre la representación pictórica y la comunicación visual, de la mano de la semiótica cromática. Bavington asocia tiempos, silencios y sonidos a los determinados colores, cruzando las barreras de lo psicofisiológico, y otorgándole al color una dimensión que va más allá de lo visual. Este vínculo entre colores y música, generalmente sinestésico, tan trascendental en la obra de este artista, separa su trabajo de lo puramente visual, y refuerza las relaciones cromático-musicales de las que hablaran alguna vez Aristóteles, Kandinsky y lo acerca a una estructuración de la relación de la escala musical y los tonos cromáticos estudiados por Skriabin.

Por otro lado, la abstracción de sus obras nos lleva a apreciar el color en su totalidad, y generar el vínculo con lo musical y con el arte abstracto por excelencia, llevándonos al estudio de Josef Albers y los talleres de color desarrollados en la Bauhaus. En sus clases, los alumnos de Albers a menudo se veían enfrentados a ejercicios de Estudios Libres cromáticos, los cuales debían extraerse de piezas musicales, sensaciones, temperaturas, entre otros. Pero la obra de Bavington también nos remonta, más adelante, hacia el pop art, por la asociación de sus lienzos con el código de barras y con el Technicolor, o la carta de ajuste, íconos de ese arte.

Desde un enfoque más técnico, Bavington emplea constantemente la interacción del color, mediante la yuxtaposición de colores, que aparecen más de una vez dentro de un mismo lienzo y en diferentes proporciones o cantidades, es decir, con diferente presencia. De esta manera, los contraste más empleados por el artista son los de calidad y de cantidad. Un rol importante en sus obras lo emplea el tamaño o proporción de los diferentes lienzos que emplea, ya que estos acentúan las relaciones cromáticas y más aún, la relatividad del color.

Tim Bavington ha expuesto sus trabajos en cuatro continentes, en países como Canadá, Inglaterra, Francia, E.E.U.U., Emiratos Árabes Unidos  y Corea del Sur, y ha protagonizado numerosas exhibiciones en el Museum of Modern Arts de Nueva York y el Museum of Contemporary Art de San Diego, entre otros. Puedes conocer más de sus trabajos en su sitio web personal.

Yaacov Agam es un artista, escultor y pintor israelí dedicado al Arte Cinético, del cual fue uno de los pioneros. Una de las principales características de su trabajo es la diversidad de medios y técnicas que emplea para expresar sus ideas. Desde la realización de obras táctiles, obras transformables y pinturas polifórmicas (muy características de su estilo) en los años 50, ha continuado experimentando con nuevos medios, motivado por su afán de llevar al límite la segunda y tercera dimensión e incluso, introducir la cuarta dimensión —el factor tiempo—.

De esta manera, ha intentado superar el carácter estático de la obra de arte (búsqueda esencial del arte cinético) para lograr que se refleje una realidad continua y un infinito proceso de cambio y transformación, en un esfuerzo por expresarla de forma plástica, gráfica y visual. Su obra, además, se destaca por la interactividad que existe entre el artista y el espectador, ya que las obras de Agam suelen tener diferentes planos y pequeñas perforaciones por las cuales la pieza gráfica se ve de distintas maneras según el enfoque de quien observa.

Ya en el plano del color, en las obras de Agam este elemento esencial de comunicación visual es toda una experiencia. Lejos de usarlo como el último elemento en el proceso de creación de sus obras, el artista lo considera uno de los principios de la construcción de sus piezas gráficas. Es decir, en los trabajos de Agam —esculturas y pinturas—, el color es el protagonista, el actor que da orígen a la obra de Arte Cinético. Así, es posible encontrar en sus obras diversas armonías cromáticas,  contrastes como el de cantidad, colores puros, calidad; relaciones de interacción del color, etc.

Son estos últimos recursos, la interacción del color y su relatividad, (desarrolladas en  trabajos de Josef Albers) los medios que Agam incorpora de manera más intensa. Varias de sus obras se basan en el principio de la relatividad del color y su constante cambio, acentuando la cualidad cinética de su estilo artístico,y generando obras en las que es posible percibir hasta 3 ambientes cromáticos diferentes, según el ángulo con que se mire. Cuanto más se mueve el observador alrededor de la pieza artística mayor es la experiencia que obtiene de ella. Un claro ejemplo de esta técnica es su obra Three Dimensions.

En contraposición a las obras estáticas de su primera época, estas obras cinéticas están compuestas, en general, de una pantalla de metal plegada en abanico, en la que cada uno de los elementos está coloreado con un diseño abstracto y unido con el que viene a continuación. Los elementos que hay detrás de la pantalla pueden verse a través de perforaciones y rejillas, y de esta manera los colores y las formas cambian de manera constante a medida que el espectador modifica su posición.

Por otra parte, Agam en su obra ha otorgado importancia al color aplicado mediante pigmentación, es decir, al material pintado por sobre el color mismo del material en estado natural. Esto lo ha realizado para inferirle un aspecto más lúdico, alegre y cercano a sus obras, y generando un quiebre cromático con el plateado, color de un siglo de adelantos tecnológicos e industriales. Agam ha logrado acercar su arte a la gente, generando grandes estructuras de acero inoxidable pigmentado y de  grandes dimensiones, en espacios públicos y exteriores.

Yaacov Agam es un artista premiado y reconocido mundialmente. La magnitud de su obra y su fama a nivel internacional le proporcionaron numerosos encargos públicos, tales como la obra pintada en el techo del Centro de Congresos de Jerusalén y la escultura que se encuentra en la Juilliard School of Music de Nueva York, entre otros. varias de sus obras están presentes en los Museos y Colecciones más importantes del mundo e incluso edificios en Estados Unidos e Israel son enormes esculturas cinéticas exteriores (Mondrian Hotel de Los Angeles, Dan Hotel de Tel Aviv, y el complejo Villa Regina de Miami). Asimismo la Unesco le concedió la Medalla Jan Amos Comenine 1996 para el Método Agam para la educación visual de los niños.

Puedes conocer más de su biografía aquí, y ver más de sus obras en este enlace.