Francisco Cintolesi es un joven artista visual y diseñador gráfico chileno cuya especialidad es la pintura, en la que plasma la mímesis de las figuras, haciendo un trabajo pulcro entre luces y colores; recursos que constituyen el alma de sus obras, el lenguaje visual de las mismas.

En las obras de Cintolesi, el color es un elemento pregnante, ya que el autor consciente de la capacidad evocadora de sensaciones que tiene este recurso, lo aplica dentro de sus lienzos sin mesura pero con laboriosidad. Sus piezas gráficas con un derroche de matices, son ambientadas a veces en lo irreal, a veces en una hiperrealidad, pero nunca indiferentes ante las paletas cromáticas seleccionadas por el artista.

La elección de colores en las obras de Cintolesi refleja la actitud colorista del artista, de esta manera es recurrente encontrar en sus lienzos diferentes esquemas de contraste o armonías. El contraste de calidad es quizá el más usado por este artista, ya que esta forma de combinar colores garantiza el acento visual de ciertas figuras, al acentuar la saturación de sus colores.

Otro contraste que Cintolesi utiliza bastante es el de colores puros, que se traduce principalmente en la articulación y contraposición de todos los colores en su estado más saturado, de manera de generar una competencia visual, que estimula a la retina e hipnotiza al usuario. La armonías de complementarios y la de dobles complementarios suelen aparecer también, aunque con menor constancia.

Un elemento a destacar de las obras de este artista es su “explosión de color” que se aprecia cuando el ambiente de una obra se percibe como constante, en una suerte de tensa calma cromática, pero que despierta con la aparición de hitos cromáticos como manchas saturadas o contrastantes. Dichas manchas cromáticas conviven con el realismo de algunas de sus obras, como si pertenecieran al mismo mundo retórico. Este recurso que funciona como un punto visual, es generalmente muy orgánico, testimonio de realización humana, espontánea y por ende, con una gran riqueza visual.

Francisco Cintolesi ha expuesto en numerosas ocasiones, de manera individual o coletiva, en los últimos 12 años. Además ha participado en numerosos proyectos relacionados con la comunicación visual, desde 1995.

Puedes conocer más de sus trabajos en su sitio web personal, o ver un vídeo sobre su proyecto “Choque: no hay donde caer”.

“Subyugar la Mirada” es la más reciente exposición individual, de este destacado artista y académico de la Universidad de Chile, y se presenta en el Museo de Arte Contemporáneo, sede Parque Forestal.

Víctor Alegría, quien fuera expositor en el Seminario Color Extendido, propone una interfaz nueva mediante su virtuosismo técnico y la articulación del color como medio para alcanzar lo pictórico-fotográfico.

La exposición estará hasta el domingo 24 de enero. Más información en el sitio del museo.

David Gerstein es un pintor, escultor, dibujante y diseñador israelita con una vasta y muy prolífica carrera, que contempla pinturas, esculturas de metal, intervenciones en espacio público, collages, fotografías entre otros. Su trabajo busca ampliar los límites de las 2 dimensiones, realizando pinturas-esculturas tridimensionales. Las temáticas de su obra son bastastante cotidianas, van desde sueños íntimos a escenas de la vida diaria o del panorama noticioso actual, buscando romper la barrera entre el arte contemplativo y el público, acercándo de esta manera el arte a la gente.

Gerstein incorpora el color como elemento clave dentro de su obra, su sintaxis es fácilmente reconocible. Valoriza los trazos de las figuras en sus composiciones mediante combinaciones de color que se perciben como atractivas, que escapan de esa cotidianeidad de las temáticas y generan un quiebre, un llamado de atención en la rutina de la vida urbana. De esta manera Gerstein busca generar un estilo propio que sea a la vez muy recordable.

En un plano más técnico, el artista emplea distintos esquemas de contraste de color, generalmente diferenciándolos según el sustrato o material que está usando o interviniendo. Así, es posible encontrar recurrentemente el contraste de colores puros en sus piezas como intervenciones urbanas y esculturas de metal, las cuales además se presentan como arte pop, cercana en temática y colores a la obra cromática de Keith Haring. En este sustrato también es muy constante la estética del fauvismo la que aparece con sus colores y sensualidad.

Las esculturas e intervenciones de Gerstein poseen, en algunos casos, el carácter decorativo extraído de la influencia de las obras de Matisse en el artista, con su técnica inventiva. Objetos y composiciones de buen corazon, que transmiten una cierta ironía y humor, desde su concepción para la sociedad israelí, hasta sus alcances a otros lugares del planeta, como lenguaje universal facilmente entendible por las diversas culturas que han tenido acceso a sus obras. La realidad como una carrera sin sentido es el tema de varias de sus obras, tales como: “Marathon” y “El Gran Maratón”.

Pero en el caso de sus pinturas, sucede algo muy diferente a niveles cromáticos y formales. El contraste más recurrente es el de calidad o saturación, el cual emplea para destacar cromáticamente algunas áreas de las composiciones, generando una atmósfera pareja que se quiebra mediante la aparición de un color muy saturado. En ellas, la paleta cromática del pintor es más reducida y no tan extrovertida, y las escenas que retrata son generalmente de interiores, en su estilo muy particular, y con un carácter más íntimo.

David Gerstein es un artista consagrado, tanto en su país como en aquellos a los que han llegado sus obras. Ha expuesto en países como Taiwan, Alemania, Australia, Italia, Brasil, Bélgica, Canadá, Japón, Corea, Luxemburgo, Marruecos, Nueva Zelanda, Sudáfrica, Suiza, Suecia, y E.E.U.U. entre otros. Además su trabajo forma parte del imaginario colectivo israelita, ya que sus obras han sido usadas en diarios, revistas y publicidad en ese país.

Puedes conocer más de sus obras en su sitio web personal o ver este video.

Leonid Afremov es un pintor nacido en Vitsyebsk, Bielorrusia, –ciudad cuna de muchos artistas–, y cuya técnica característica primordial es el uso de la paleta o espátula, la cual otorga un toque especial a las composiciones pictóricas que realiza. Con la historia de una vida difícil y viajada, Afremov fue plasmando las atmósferas cromáticas de cada lugar donde vivió.

El artista comenzó pintando imagenes para propaganda comunista, con el único fin de darse a conocer en las salas de exposición de su ciudad natal. Desde temprano su particular estilo se hizo notar,  y destacó por sobre sus pares,  pero  la explosión de su expresión artística llegaría cuando se erradica en Israel, junto a su familia. Es entonces cuando la riqueza cromática  de sus pinturas, se convierte en su sello diferenciador, y se dedica en una primera etapa a diseñar portadas para revistas.

Las piezas gráficas de Afremov, en cuanto a su colorido, son muy variadas. El artista presenta en sus diferentes obras los diversos contrastes del color, retratando paisajes bajo la lluvia, personas, bailarinas de ballet , y hasta músicos y personajes famosos, con un marcado neo-impresionismo, y denotando la influencia cromática de Kandinsky y Malevich, coterráneos del artista. De esta manera es frecuente encontrar en su obra, esquemas de contraste de calidad, cálido-frío, colores puros, entre otros.

Otro elemento destacable de la obra de Afremov es la presencia de texturas y ambientes cromáticos. La particular técnica de la pintura sin pincel, mediante el uso directo de la espátula, otorga al cuadro un relieve interesante, que además sugiere la presencia de diversas capas de colores debajo de los tonos presentes en la superficie. Los colores en las obras de Afremov nunca se presentan como planos, sino que son el resultado de múltiples mezclas ópticas que se logran mediante la interacción del color aplicado en capas de pigmento.

El particular estilo cromático y pictórico de Afremov, le abrió muchas puertas pero también le trajo algunos inconvenientes. Precisamente durante una exhibición de sus trabajos en Israel –lugar donde su estilo generaba gran controversia, especialmente los desnudos que pintaba– que desconocidos invadieron su estudio y destruyeron muchas de sus pinturas. Luego de este incidente, decide irse a vivir a E.E.U.U. lugar donde durante décadas se dedicó a perfeccionar la técnica de la espátula.

La obra de Leonid Afremov es muy extensa, y abarca miles de pinturas de las más diversas temáticas. Sus trabajos han sido expuestos en 4 continentes, y continúa pintando en la ciudad de Boca Ratón, donde reside, en el estado de Florida, E.E.U.U. Además la historia de su vida ha inspirado diversos documentales y creaciones audiovisuales que recopilan sus viajes y anécdotas. Puedes ver algunos de ellos haciendo click aquí y aquí. Y puedes conocer más de su obra en su sitio oficial.

Françoise Nielly es una artista integral francesa que se ha dedicado por años al estudio de la imagen, abordándola desde diferentes técnicas artísticas, tales como fotografía, ilustración, ilustración digital y pintura, siendo esta última aquella a la que se ha dedicado apasionadamente hace ya un largo tiempo.  Independientemente de la técnica empleada, para esta artista, lo esencial a la hora de construir una composición es la expresión, llegando a niveles –en palabras de los espectadores– en que sus pinturas “logran tocar la fibra de la sensibilidad”.

Con solo mirar un par de obras de esta artista, es fácil notar que, sin duda, el color es un ente protagonista en su trabajo. Estos colores son una herencia que ha recibido de su entorno familiar, su padre arquitecto, y por sobretodo del paisaje que la vio nacer y crecer, los colores del sur de Francia, Cannes y Saint-Tropez. En sus trabajos, la expresión la otorga el colorido lúdico, contrastado con la fuerza de las imágenes y los retratos que pinta: las miradas de los retratados, camufladas entre manchas de colores saturados.

Esta lucidez cromática son testimonio de una artista que derrocha vitalidad y disfruta de los espacios abiertos, para obtener una libertad absoluta de tonos cromáticos. Es muy recurrente encontrar gran cantidad de contrastes en sus obras, siendo los más característicos los de calidad, colores puros, y complementarios. Pero además de contrastar, Nielly sabe armonizar perfectamente mediante el empleo de gamas múltiples que se presentan al espectador en una gradiente de manchas que parecen ir de un matiz a otro, como en el círculo cromático.

Otro elemento cromático muy utilizado por Nielly, es la aplicación de color negro como parte de la forma, lejano a su habitual uso como fondo. En su obra, la artista lo incorpora como un protagonista más, otorgándole pausa y calma al ambiente de colores vivos –a veces con intenciones fosforescentes– que habitan sus cuadros. El negro es un lugar de descanso para el ojo, y además se impone con su naturaleza psicológica de la fuerza y el vigor, propios de la obra de Nielly.

Pero la aplicación del color, por mucho que se manejen sus propiedades y la articulación de esquemas de contraste y armonías, dependerá siempre de la técnica gráfica que se emplee para presentarla en una composición visual. La riqueza de las obras de Nielly se manifiesta en una aplicación de la mancha pictórica –aparentemente– dispersa e inesperada, y es precisamente esta manera de construir la obra, la que parece expresar que es el color el que habla en las manos de la artista, en su consecusión en la pieza gráfica.

Françoise Nielly ha exhibido sus obras en galerías en Canada, Alemania, E.E.U.U. y numerosas veces en Francia. Ha realizado numerosas obras entre 2002 y 2009, muchas de las cuales pueden comprarse por internet desde su sitio web personal y otros portales de venta de arte. Nielly es sin duda una artista consumada, con 20 años de expresión artística, que demuestran la madurez de su arte, y el perfecto dominio de su técnica.

Puedes ver más de sus obras en su sitio personal o conocer su perfil de myspace.

Augustin Lesage fue un pintor de principios del siglo XX, representante del movimiento espiritista, cuyos trabajos destacan por la ornamentación, la simetría y el color. La obra de Lesage ha sido catalogada también como Pintura Automática o Psíquica, fenómeno donde la persona, sin ser un artista entrenado es capaz de producir excepcionales obras de arte, generalmente en un período muy breve de tiempo, y supuestamente bajo el control de una entidad espiritual.

Muchas de las obras de Lesage presentan una simetría parcial y en ocasiones total, donde la pintura se va desarrollando en torno a una línea central, dada la composición de carácter monumental, donde algunos de sus lienzos evocan a composiciones arquitectónicas.  Lesage llegó a la cima de su arte durante los años 20, a través de composiciones abstractas grandes (en promedio entre 1 y 2 metros), que consistían en una sucesión de patrones repetitivos, principalmente de capas horizontales cada vez más profundas (se cree que a raíz del trabajo que ejerció como minero) y con un  ritmo de progreso en sus obras muy rápido.

Pero el aporte más importante de la obra de este artista se refiere a que su estética simétrica, geométrica y formal anticipa tres de los grandes movimientos artísticos del siglo XX:  el arte abstracto (que se reconoce desde Kandinsky en 1910, y Malevich en 1915), el surrealismo (que comienza cerca de 1917) y el art brut ( que aparece en 1945).

Desde el punto de vista cromático, la obra de Lesage se caracteriza por una gran cantidad de matices, yuxtapuestos, que van generando texturas y ambientes. El artista comienza sus obras con un par o trío de colores primarios, los que luego va dividiendo, fragmentando, transportando junto a espirales y formas geométricas, y de esta manera dan orígen a un gran conjunto de matices diversos, que completan las obras.

Con esta técnica que se inicia a partir de colores primarios, las pinturas obtenían una apariencia muy saturada o brillante, ya que  Lesage generalmente utilizaba los pigmentos de tonos más puros, preferiblemente con un pincel para cada uno. Además aplicaba cantidades muy grandes de pigmento, pero distribuyéndo los colores en pequeños puntos de luz, en algunas ocasiones, o como figuras ornamentales en relieve, en otras. De esta manera un mismo color podía aparecer como fondo en zonas del cuadro, y luego como figura, en otras zonas del mismo.

Lesage desarrollaba esta tecnica de alternancia cromática de manera intuitiva, casi adelantándose al estudio de la interacción del color que tuviera lugar los años posteriores a 1920, en el marco de la Bauhaus, a cargo de Johannes Itten en un principio y de Josef Albers más adelante. Otro de los recursos que Lesage aplicó dentro de su obra se relaciona con la mezcla óptica, que permite distinguir un color general, de una multitud de pequeñas porciones de otros colores que lo componen.

Augustin Lesage realizó más de 300 obras, sus primeras pinturas fueron consideradas especímenes de los más atrevidos del arte moderno y exploró casi todas las posibilidades de la abstracción geométrica. Ya con la vista muy deteriorada debió resignarse a dejar los pinceles en el año 1952, menos de dos años antes de su muerte.

Puedes conocer más de su vida y obra en este link, o ver sus pinturas en el sitio de la Colección de Art Brut.

Matías Pinto d’Aguiar es un pintor y artista visual chileno que pertenece a la “Generación del 80” que optó por recuperar la pintura en ésta década, junto a sus amigos Samy Benmayor, Bororo y Pablo Domínguez, entre otros. Sus obras se caracterizan por estar cerca de lo primitivo, lo fantástico y lo poético.

En sus paisajes hay un vuelco hacia la interioridad del ser, hacia lo metafísico, va hacia lo desconocido inventando en ellos nuevas leyes de gravedad. Según ha señalado el mismo artista en una entrevista reciente a Cristian Warnken, en sus obras busca establecer una “conexión con sí mismo y empezar a sacar los sueños, las obsesiones, lo que se tiene dentro del alma”.

Las pinturas de Pinto d’Aguiar se caracterizan además por presentar un uso intencionado del color, y por sobretodo del contraste, para expresar aquellas atmósferas cromáticas que tanto interesan al artista, y potenciar una cercanía formal a la pintura abstracta y la Bauhaus, volviendo a los colores básicos y sus relaciones de contraste, destacándose los contrastes de calidad, de complementarios y de cálido-frío; los tres muy recurrentes en sus piezas gráficas.

Es además frecuente encontrar en sus obras, espacios amplios de color que se contraponen en diferentes planos gracias a los contrastes que el artista aplica. Estos espacios planos luego se transforman en cielos y mares infinitos de expresivas pinceladas y matices.

Estos amplios espacios dan testimonio del estilo contemplativo, lento de Pinto d’Aguiar, que dedica largas horas a sus obras para lograr las atmósferas cromáticas de sus cuadros. Pero a pesar de este proceso previo a cada obra, el artista expresa que para él, la pintura es “algo muy libre y por lo tanto en permanente evolución, se expresa desde la pintura pura, sin más recursos que las múltiples posibilidades del color y la pincelada”.

Pero junto con las atmósferas ámplias de color, incorpora en sus paisajes elementos simbólicos aparentemente opuestos como cielo, aire y mar, agua, caballo y espacio, árbol y cielo; donde aquellos elementos más figurativos se presentan como contrapunto cromático, generando focos de atención y dirigiendo la mirada, los cuales generalmente habitan de manera muy solitaria estos mundos presentes en las composiciones. Estos elementos, en especial el caballo, también han sido reproducidos por el artista en escultura en metal.

Matías Pinto d’Aguiar estudió pintura en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Chile. Ha obtenido premios tanto a nivel nacional como internacional. Ha expuesto en innumerables ocasiones desde la década de los 80′, tanto de forma personal como colectiva, y es posible apreciar algunas de sus obras en varias colecciones públicas de Chile, entre ellas, la colección permanente del Museo Nacional de Bellas Artes.

Puedes conocer más de su trayectoria en este link.