Sarah Applebaum es una artista visual que vive y trabaja en San Francisco, California. En sus obras, incorpora diversos materiales, desde textiles hasta construcciones geométricas, mezclando mundos distintos que confluyen según las intenciones cromáticas de la artista.

Las obras de Applebaum se presentan como un estallido espectral de color textil y geometría en los espacios que intervienen. Las formas, que presentan un contenido, sentido y crecimiento orgánico, van acompañadas en su proliferación de paletas cromáticas muy saturadas, además de una gran presencia de negro, que contribuye a la valorización de las formas geométricas y al contraste del color.

La artista obtiene sus materiales de extensos recorridos y búsquedas en tiendas de ropa usada y telas a granel. Esto otorga un carácter hogareño y familiar a las texturas que emplea, pero a su vez, la conjunción cromática, unida a la constante aparición de la geometría, nos transporta a un ambiente absolutamente actual, moderno y contemporáneo, que encaja perfectamente en la sala de exposiciones más vigente.

Desde el terreno de lo cromático, Applebaum no economiza en matices y los aplica de manera no excluyente en sus instalaciones. De esta manera, es recurrente encontrar en sus obras armonías triádicas complementarias, como también, esquemas de contraste de colores puros. Ambas relaciones cromáticas otorgan a la composición un carácter espectral, es decir, generan la aparición de múltiples matices de las más diversas gamas.

Pero la elección cromática presente en la obra de la artista está irremediablemente determinada por el espectro de colores característico del material escogido. Applebaum no emplea tintes o pigmentos en sus piezas gráficas, sino que ocupa el color del material. Esto que podría considerarse una limitación en la elección de los recursos cromáticos, es precisamente lo que atrajo a la artista a trabajar con estos materiales: “Lo que realmente me atrajo de las mantas no era el punto, aunque soy consciente del tiempo y la habilidad que se necesita para confeccionarlas, y soy una tejedora terrible. Fue la combinación de colores locos, algunos por elección y otros por necesidad, lo que me atrajo realmente. Particularmente la unión entre la creatividad psicodélica de la elección del color y lo poco urbano/mundano de las mantas. Por encima de todo, estoy interesada en sus colores “.

“El color está en todo lo que vemos y lo usamos para entender nuestro entorno. Está muy relacionado con los sentimientos y la emoción. Mi trabajo es primario/básico. Trabajo con el color, el tacto, los arquetipos de la forma, los paisajes y la mitología”.

Sarah Applebaum ha expuesto sus obras en numerosas ocasiones, ya sea dentro de E.E.U.U. como en Italia, Islandia y otros países. Sus trabajos han sido publicados en diversos medios impresos de países como China, España, Holanda y Alemania, entre otros, y destacados en gran número de publicaciones digitales y blogs.

Puedes conocer más de sus trabajos visitando su sitio web personal o también, leyendo su blog de procesos.

Proyectacolor estará participando de Súdala 2010, el segundo congreso de diseño y cultura gráfica realizado en Chile, este 27 y 28 de agosto, en el Teatro Caupolicán de Santiago, como proyecto invitado.

El módulo de exposición del proyecto contará con material gráfico asociado a contenidos cromáticos existentes en Proyectacolor, como también algunos adelantos de material que se publicará próximamente. También habrá información de eventos e instancias que apoyan el estudio del color en Chile.

¡Nos vemos!

Proyectacolor es Media Sponsor del Proyecto EDRA (Espejismo Digital Realidad Aumentada), el cual se enmarca dentro de la temática del diseño y nuevos soportes, buscando la flexibilidad, adaptabilidad y apropiamiento de las herramientas que día a día aparecen, facilitadas por los recursos tecnológico-digitales.

EDRA se realizará los días 17 y 18 de Octubre en la Sala de Exposiciones del Centro Cultural Estación Mapocho, en Santiago de Chile. El horario es de 10.00 a 19.00 hrs. y la entrada es liberada. Puedes conocer más acerca del proyecto en este link.

Yaacov Agam es un artista, escultor y pintor israelí dedicado al Arte Cinético, del cual fue uno de los pioneros. Una de las principales características de su trabajo es la diversidad de medios y técnicas que emplea para expresar sus ideas. Desde la realización de obras táctiles, obras transformables y pinturas polifórmicas (muy características de su estilo) en los años 50, ha continuado experimentando con nuevos medios, motivado por su afán de llevar al límite la segunda y tercera dimensión e incluso, introducir la cuarta dimensión —el factor tiempo—.

De esta manera, ha intentado superar el carácter estático de la obra de arte (búsqueda esencial del arte cinético) para lograr que se refleje una realidad continua y un infinito proceso de cambio y transformación, en un esfuerzo por expresarla de forma plástica, gráfica y visual. Su obra, además, se destaca por la interactividad que existe entre el artista y el espectador, ya que las obras de Agam suelen tener diferentes planos y pequeñas perforaciones por las cuales la pieza gráfica se ve de distintas maneras según el enfoque de quien observa.

Ya en el plano del color, en las obras de Agam este elemento esencial de comunicación visual es toda una experiencia. Lejos de usarlo como el último elemento en el proceso de creación de sus obras, el artista lo considera uno de los principios de la construcción de sus piezas gráficas. Es decir, en los trabajos de Agam —esculturas y pinturas—, el color es el protagonista, el actor que da orígen a la obra de Arte Cinético. Así, es posible encontrar en sus obras diversas armonías cromáticas,  contrastes como el de cantidad, colores puros, calidad; relaciones de interacción del color, etc.

Son estos últimos recursos, la interacción del color y su relatividad, (desarrolladas en  trabajos de Josef Albers) los medios que Agam incorpora de manera más intensa. Varias de sus obras se basan en el principio de la relatividad del color y su constante cambio, acentuando la cualidad cinética de su estilo artístico,y generando obras en las que es posible percibir hasta 3 ambientes cromáticos diferentes, según el ángulo con que se mire. Cuanto más se mueve el observador alrededor de la pieza artística mayor es la experiencia que obtiene de ella. Un claro ejemplo de esta técnica es su obra Three Dimensions.

En contraposición a las obras estáticas de su primera época, estas obras cinéticas están compuestas, en general, de una pantalla de metal plegada en abanico, en la que cada uno de los elementos está coloreado con un diseño abstracto y unido con el que viene a continuación. Los elementos que hay detrás de la pantalla pueden verse a través de perforaciones y rejillas, y de esta manera los colores y las formas cambian de manera constante a medida que el espectador modifica su posición.

Por otra parte, Agam en su obra ha otorgado importancia al color aplicado mediante pigmentación, es decir, al material pintado por sobre el color mismo del material en estado natural. Esto lo ha realizado para inferirle un aspecto más lúdico, alegre y cercano a sus obras, y generando un quiebre cromático con el plateado, color de un siglo de adelantos tecnológicos e industriales. Agam ha logrado acercar su arte a la gente, generando grandes estructuras de acero inoxidable pigmentado y de  grandes dimensiones, en espacios públicos y exteriores.

Yaacov Agam es un artista premiado y reconocido mundialmente. La magnitud de su obra y su fama a nivel internacional le proporcionaron numerosos encargos públicos, tales como la obra pintada en el techo del Centro de Congresos de Jerusalén y la escultura que se encuentra en la Juilliard School of Music de Nueva York, entre otros. varias de sus obras están presentes en los Museos y Colecciones más importantes del mundo e incluso edificios en Estados Unidos e Israel son enormes esculturas cinéticas exteriores (Mondrian Hotel de Los Angeles, Dan Hotel de Tel Aviv, y el complejo Villa Regina de Miami). Asimismo la Unesco le concedió la Medalla Jan Amos Comenine 1996 para el Método Agam para la educación visual de los niños.

Puedes conocer más de su biografía aquí, y ver más de sus obras en este enlace.

Jacob Dahlgren es una artista visual de Estocolmo, Suecia que realiza instalaciones artísticas con elementos de la vida cotidiana, tales como latas de conserva, pesas, colgadores de ropa, vestuarios a rayas, tazas de café,  carretes de hilo, plumas, contenedores; y con estos objetos, reconoce de forma activa a sus referentes: Olle Baertling, Carl Andre, Bridget Riley, Frank Stella y Blinky Palermo, entre otros.

Dahlgren pocas veces ocupa los elementos con sus colores y etiquetas originales. Al contrario, los pinta de manera de ocultar los detalles gráficos de las etiquetas para transformarlos en contornos, figuras en serie, que dispone en sus instalaciones. Esto lo realiza el artista, a modo de protesta hacia la sociedad de consumo, tomando el elemento u objeto e insertándolo de nuevo en los dominios del arte.

Al afrontar un encargo personal, este artista pone un especial énfasis en la lectura de color general que otorgará la instalación al espectador. El panorama cromático debe ir reforzado por la contextura de los objetos elegidos. De esta manera elige los colores que quiere proyectar y comienza buscando objetos monócromos. Luego los clasifica según el matiz y los dispone apilados o uno al lado del otro. Así, junto con miles de otros artículos,  se convierten en parte de la composición general de una instalación, una escultura, o tal vez una pintura que poco a poco se levanta desde el piso.

Al tomar las decisiones de color, Dahlgren va generando espacios cromáticos, ambientes, dentro de sus instalaciones. El artista tiene claro conocimiento en la naturaleza interactiva del color, de ahí el hecho de que tenga una especial preocupación en el panorama cromático general. Pero además Dahlgren, busca la interacción de las formas presentes en los objetos que dispone: lo que el llama la interactividad directa física de los elementos.

Además, Dahlgren suele buscar asociaciones cromáticas entre los colores, de esta manera es recurrente encontrar en sus obras, apilamiento de objetos por gamas múltiples, o relaciones de contraste que generan una mayor atracción hacia ciertas áreas de la pieza gráfica.

Pero más allá de su capacidad para realizar agrupaciones cromáticas interesantes en cada uno de los espacios de sus instalaciones, uno de los aportes más importantes que hace Dahlgren con sus trabajos es su interés por encontrar diferentes matices en la cotidianeidad. Esta es una extensa tarea de recopilación, de observación, que el artista realiza para manifestar que: “el mundo de nuestros días no es gris como podría percibirse con aires de pesimismo, sino que está compuesto por una diversidad de colores presentes en los objetos: en nuestra ropa, en la publicidad, en la naturaleza, y hoy pareciera ser una cualidad especial el poder apreciar esos colores”.

Jacob Dahlgren se ha convertido rápidamente en un referente del arte de la cotidianeidad, y ha expuesto en muchas ocasiones de forma colectiva o individual, y en múltiples países como Suecia, Escocia, Dinamarca, Alemania, E.E.U.U., Austria, Polonia, Sri Lanka e Italia, realizándo en este último uno de sus trabajos más conocidos, en el marco de la 52° Bienal de Venecia. (en la imagen abajo).

Puedes conocer más de sus trabajos visitando su sitio personal.

Katharina Grosse es una artista visual de Berlín, con una gran trayectoria en intervenciones espaciales y exposiciones a lo largo de todo el mundo. Sus trabajos se caracterizan por la expresividad que otorgan a los lugares que invade con su explosión de color.

La obra de Grosse se presenta como un grito artístico, que busca otorgar vida (color) a espacios interiores blancos, demasiado pulcros. Es precisamente el color blanco el que se presenta como el soporte o sustrato donde esta artista aplica sus pinceladas, en ocasiones, y baldes completos, en otras, donde el color pasa a ser el actor principal de sus composiciones.

Grosse generalmente experimenta con una gran cantidad de matices, derivados de la gran variedad de tonos que otorga el acrílico como vasto material plástico; y los aplica generando un conflicto entre las saturaciones de los colores, ya que al ser todos muy intensos tienden a competir, acentuando el atractivo visual para el espectador.

Este mismo material plástico, presenta varios tonos o matices especiales, fosforescentes, plateados y dorados que Grosse aplica constantemente dentro de sus obras. Estos colores especialmente saturados y con propiedades únicas, acentúan el caracter artificial de las obras de la artista, marcándo aún más el quiebre que generan sus instalaciones: si ya un naranja sobre fondo blanco es algo realmente atractivo, un naranja fosforescente sobre blanco imposiblemente pasará desapercibido.

En otras ocasiones, la artista genera ambientes cromáticos, mediante el uso de gamas múltiples de un solo tono, que marcan los espacios de una manera psicológicamente más intencionada, debido a los diversos significados que posee cada color por separado. Aunque esta selección de gamas es menos recurrente en sus obras, suele presentarse como contrapunto a las intervenciones multicoloridas que frecuentemente realiza Grosse.

La forma irregular en que la artista aplica los pigmentos en los objetos y paredes intervenidas, genera áreas de la composición en que la intensidad del color es irregular también. Esto permite apreciar medios tonos, o tonos menos saturados que aquellas áreas donde la concentración de pigmento es más fuerte. Esto, muy propio de la mezcla óptica del blanco del fondo con el color aplicado, agrega otro factor atractivo a las piezas gráficas de Grosse.

Katharina Grosse ha expuesto en más de 35 ciudades, en Asia, Europa, América y Oceanía. En 2002 participó de la Bienal de Sao Paulo, en su muestra en Santiago de Chile, y desde el año 2000 da clases en el Kunsthochschule Berlin en Weissensee, Alemania.

Puedes ver más de sus trabajos en su sitio web personal.

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* La imagen corresponde a Pixelator, un proyecto de Jason Eppink, artista visual de intervenciones urbanas; de sonido, imagen y movimiento.

Los chicos de WLOW nos presentan su último cortometraje “CDEFGABC,
A short by Lernert Engelberts & Sander Plug”, dedicado a las pequeñas y estúpidas ideas que se les ocurren a diario.

El corto fue realizado para MTV Europe, en menos de 8 semanas, con la canción “No limits” de 2Unlimited, mediante numerosas copas con líquidos de colores.

Puedes verlo haciendo click aquí.

Jen Stark es una artista del papel y del color, nacida en Miami. Hace esculturas con papeles de colores, ilustra con lápices a tinta, hace animaciones y hasta ropa, ocupando al color como un protagonista de sus obras.

Stark se ha hecho conocida por sus esculturas de papel de color que son resultado de cortes y dobleces de pliegos, donde crea patrones hipnotizantes por el poder de sus formas y el tramado de sus colores.

Stark no es mezquina a la hora de usar colores. En sus trabajos se encuentran innumerables armonías y contrastes que elige para cada obra. En algunos de sus trabajos es posible encontrar colores de una sola gama, mientras que en otros parecen incontables la cantidad de gamas múltiples y colores utilizados.

Siempre contrapone sus obras más coloridas con fondos neutros como el negro o el blanco, generando un contraste de calidad en las obras, que les otorga ese efecto hipnotizante, tan característico.

Un ejemplo claro es su escultura “How to become a millionaire in 100 days” (en la imagen de abajo), donde trabajó 100 días haciendo una escultura con 1.000.000 de papeles de colores cortados a mano los que contrapone con el blanco del fondo.

Jen Stark ha expuesto sus trabajos en innumerables muestras y galerías, a lo largo de E.E.U.U. llegando con sus esculturas de papel incluso a exponer en Francia. Puedes ver una entrevista que le hizo WLRN en este link, y puedes ver su animación “Streaming Gradient” en este link.

Además puedes ver todos sus trabajos en su sitio web personal.

Julien Vallée es un diseñador gráfico de Montreal, Canadá. Realiza trabajos de motiongraphics, dirección de arte, impresos, intalaciones y videoclips, entre otros.

Sus trabajos se basan principalmente en recortes y pegados de papeles de colores, los cuales por la naturaleza del material, corresponden a colores planos, aplicados en formas geométricas y volúmenes.

Trabaja con paletas cromáticas que aluden al color progresista, lo infantil y lo artificial de lo onírico, pero enfocadas en la representación de la forma a través del color, es decir, contrastando colores de diferentes saturaciones, luminosidades y matices, evitando la fusión óptica de los tonos, y manifestando los límites entre las figuras.

Predominan en sus trabajos más geométricos, el uso de los colores primarios, sobretodo de amarillos y azules, que intensifican la sensación visual de la geometría de puntas trianguladas y prismas.

Julien Vallée ha realizado trabajos para MTV, Elle Decoration, The New York Times Magazine, y BangBang Magazine, entre otros. Y sus ideas se fundamentan en usar la tecnología de las nuevas herramientas para el diseño como un puente para potenciar el trabajo manual y virtual. Más de sus trabajos en su sitio web personal.