Sachin Teng, más conocido como contraomnes, es un artista visual, ilustrador y diseñador gráfico y estudiante norteamericano de pregrado en el Pratt Institute, de 20 años de edad, establecido en Nueva York. Este joven artista busca la inspiración diariamente en la música instrumental y considera que el trabajo realizado debe considerarse casi tan importante como los estudios o grados adquiridos.

La obra de Teng, mayoritariamente en lo que se refiere a sus ilustraciones, se presenta con una paleta cromática característica, que se ha convertido en el sello cromático del artista. Es muy recurrente la presencia de tonos cromáticos grises, de baja intensidad o saturación, en consecución de tonos de mayor saturación, pero generalmente en clave armoniosa – y a veces también – contrastante.

De un modo más preciso, es el contraste de calidad – también denominado contraste de saturación – aquel que se aparece con más presencia dentro de sus trabajos, pero éste generalmente se encuentra articulado con la armonía de complementarios, o dobles complementarios, lo cual otorga un aspecto vintage a sus obras, con un ambiente cromático cercano a las paletas cromáticas del new age, y de los años cincuenta.

Teng además es audaz en el uso de colores acromáticos, como blanco, negro y variados tonos de grises. El uso de esta tipología cromática acentúa el aire nostálgico y de añoranza de sus ilustraciones. Incluye también recursos visuales en la iluminación de las viñetas, tales como el grano, que hacen más evidente y característico el estado de ánimo de las escenas. En sus trabajos es difícil encontrar colores muy saturados o brillantes, ya que estos responden a la proximidad y la cercanía temporal y formal.

La diferencia de luminosidad es un recurso que este artista también emplea bastante. Teng suele conjugar numerosas luminosidades de color, articulando de esta manera las diferentes gamas múltiples que utiliza. Así el artista aprovecha al máximo un mismo color, jugando con su carácter interactivo, haciendo que éste se presente con distinta apariencia según la cercanía con sus complementarios o su articulación junto a colores de luminosidades diferentes. De esta manera, percibimos una paleta cromática amplia, a veces sin saber que se trata de un mismo color en sus diferentes luminosidades. Sin duda una técnica que se obtiene mediante el trabajo cromático consciente, estudiado o adquirido en la práctica.

Sachin Teng, quien se ha hecho bastante conocido bajo su seudónimo contraomnes, ha sido destacado en múltiples sitios web dedicados a la búsqueda de referentes gráficos. Su trabajo ha sido reconocido por The Society of Illustrators, el Museum of Modern Arts de Nueva York, P.S. Art y otras instituciones. Este año fue el ganador de la 2010 Student Scholarship Competition, de la Society of Illustrators.

Puedes conocer más sobre el trabajo de este artista en su sitio web personal, visitando su perfil de DeviantART o leyendo una entrevista que le realizaron desde esa misma red social .

Anna Anjos es una diseñadora e ilustradora brasileña, con residencia en Sao Paulo, quien prefirió desde pequeña los lápices de colores antes que los juguetes. Su carrera comenzó como diseñadora y colorista en una fábrica de comics e hiperquímica (Quadrinhos e Hiperquimica) en Brasil. Sus trabajos actuales generalmente son ilustraciones de apoyo a medios de comunicación impresos como diarios o revistas. En ellos, aparecen simpáticos personajes, con un estilo muy particular y reconocible, y con atmósferas de color muy marcadas.

Precisamente es este trabajo de atmósferas cromáticas el elemento diferenciador de las ilustraciones de esta artista, ya que en sus obras, el color aparece como el espacio común en el que viven o habitan los personajes de su imaginera ilustrativa. Las relaciones cromáticas presentes en sus dibujos generalmente se basan en gamas múltiples, es decir, donde es recurrente la presencia de gradaciones de un color a otro, ambos cercanos en el círculo cromático.

Esta apuesta que asume Anjos es interesante desde el punto de vista de las variaciones cromáticas de 1 o 2 tonos, mediante la manipulación de las propiedades del color, ya sea en luminosidad como en saturación, lo cual permite el desarrollo de múltiples nuevos tonos, familiares a los 2 originales en matiz, pero más claros, más oscuros; más intensos o más pálidos. Es decir, Anna Anjos desarrolla una paleta cromática muy extensa con la variación de 2 tonos cercanos en matiz.

Otro elemento cromático interesante en la obra de Anjos – presente en la ilustración de arriba de este párrafo –  es la recurrencia de la ilusión de transparencia. Mediante la articulación de la mezcla óptica de matices, la ilustradora, genera la ilusión de planos translúcidos dentro de sus composiciones. Esta ilusión puede conseguirse con un conocimiento un poco más avanzado de la naturaleza interactiva del color, y el dominio de sus propiedades; conocimieto que en algunos artistas es innato, pero que puede adquirirse mediante la práctica de un constante ejercicio de comparación cromática de tonos.

Además de armonizar mediante tonos cercanos en el círculo cromático, la artista articula relaciones de cercanía de saturaciones y luminosidades. Yuxtaponiendo colores cercanos en intensidad, genera atmósferas de tranquilidad, fusión y calma. Sin duda, Anjos maneja los atributos del color aplicándolos de manera efectiva en la composición de sus ilustraciones, claro ejemplo de un uso a conciencia del color, alejándose de lo puramente decorativo.

La obra de Anna Anjos ha estado siempre muy influenciada por sus inicios en el comic. Sus trabajos han sido publicados en más de 12 medios digitales y varios otros impresos. Ha trabajado para clientes como Sadia, Coca – Cola, Brahma, entre otros. Sus ilustraciones han ocupado sustratos como vestuario, carcazas para Ipod, afiches y portadas de diaros y revistas.

Puedes conocer más de su obra en su sitio personal, o seguirla en twitter o flickr.

Robert Doesburg es un pintor y dibujante holandés, de 63 años, cuya obra se encuentra fuertemente influenciada por sus experiencias de viaje y los ambientes que lo rodean. Éstos son plasmados en un estilo artístico de pequeños cuadrados de colores —square style—, que se ha dedicado a desarrollar durante mucho tiempo y que, a modo de mosaico, conforman las imagenes presentes en sus pinturas. En el Square Style, cada cuadrado en sí corresponde a una obra de arte abstracto; pero uno junto al otro, es decir,  insertos en la composición, logran transformarse a lo figurativo.

Es precisamente el uso de este estilo artístico, según señala el mismo Doesburg, quien le otorga múltiples oportunidades para usar un amplio universo de colores, consiguiendo composiciones coloridas en cada cuadrado, independientes del total de la obra artística. Cada pintura de este artista presenta un panorama general acerca de las relaciones de armonías de color y los esquemas de contraste que se dan en pequeña escala en cada cuadrado, y a gran escala en la obra completa.

Un aspecto importante a destacar en las obras de Doesburg es el uso de la armonía de gamas múltiples, la cual es una constante cuando el artista usa varios colores monocromáticos, todos relacionados a un mismo tono (diferentes tonos de azul para los cielos, por ejemplo), los cuales aportan cromáticamente a las figuras presentes en la obra, alejándose de los tonos planos y acercándose a los tonos o colores enriquecidos.

Esta multiplicidad de tonos, tiene sus raíces en las experiencias de vida que ha recogido Doesburg  en sus obras. Aporta con toques de nostalgia, extraída directamente de sus vivencias, sus sentimientos y su juventud en la Academia Marítima; el mismo artista señala que se vio influenciado por los colores, reflejos y brillos del agua, y de su nostalgia hacia los puertos y las ciudades. Sin duda su ojo se fue entrenando al apreciar por mucho tiempo las variaciones de azul y verde turquesa, propios del color del océano.

Doesburg además, ha buscado en sus obras, otorgarle sus propios colores a las figuras y personajes presentes en sus piezas gráficas; de tal manera que es posible encontrar diferentes matices en los sujetos, que se alejan de la imagen cromática real (o al menos reconocible) y se acercan a una perspectiva más fantástica. Así, es recurrente ver en sus obras caballos rojos, seres humanos amarillos, y pastos rosados, conviviendo en un ambiente de fragmentación unida cromaticamente.

Robert Doesburg ha pintado durante toda su vida, pero solo desde 1995 se dedica a la pintura a tiempo completo.  Ha expuesto en múltiples galerías, generalmente a lo largo de toda Europa. Puedes ver más de sus trabajos visitando su sitio personal.

Matt W. Moore, más conocido como MWM Graphics en el submundo del arte callejero, es actualmente un diseñador y artista visual establecido en Boston, que ha experimentado prolíficamente con el vectorfunk: la ilustración, tipografía y el color.

Moore define su propio trabajo como “la celebración del diseño abstracto y el trabajo supercolorido”, y es que, precisamente, sus trabajos se perciben como una explosión de color, donde cada ilustración se aprecia como pequeña parte de una abstracción mayor, cercano en ocasiones a lo psicodélico, en otras a lo geométrico, y en otras a lo urbano, acentuados por la gran cantidad de materiales que ocupa: acrílicos, digital y hasta pintura spray.

Moore genera diferentes ambientes cromáticos entre sus obras; e incluso dentro de una misma obra es posible encontrar espacios de color que se diferencian claramente, mediante la repetición y la trama, elementos recurrentes en sus piezas gráficas. En ellas se funden elementos circulares con lineas rectas, líneas secantes que definen otros ambientes de color, otras zonas cromáticas, mediante el contraste de complementarios y las gamas múltiples.

Sus obras además generan una gran atracción debido a la gran cantidad de detalles que la componen, lo cual genera una sensación de color a distancia, muy diferente a la que se va generando cuando el observador se acerca a la pieza, y es capaz de apreciar los diferentes elementos interactuantes. Esta particularidad otorga mucho dinamismo a las obras, y se ve acentuada por el contraste simultáneo, fenómeno que sucede al contemplar una pieza gráfica por un determinado lapso de tiempo, y viendo colores que probablemente no se encuentran en el original.

Moore además presenta un gran interés en la sensación termica del color, su temperatura. En su obra es posible encontrar diferentes piezas que se acercan a lo cálido y se alejan de los tonos más fríos. En otra de sus series de trabajos los tonos son marcadamente fríos. Esto en su propio testimonio se ve influído por el ambiente que lo rodea en Boston: en invierno pinta series en blanco y negro. Pero según el mismo artista expresa, la mayor parte del tiempo se preocupa de generar combinaciones únicas de todos los colores posibles que se encuentren recargados con el espectro.

Matt W. Moore ha trabajado para clientes como Nike, Citroen UK, Blackberry, Adidas, Mazda UK, Walmart, Cadbury, Zune, The Guardian, Vodafone y Wired Magazine. Ha sido entrevistado en más de 25 medios digitales debido a su trabajo, y ha expuesto en más de 10 países en 4 continentes. Además ha diseñado zapatillas, corbatas y vestuario para Threadless y sueña con tener su propia línea de ropa.

Puedes conocer más de sus trabajos visitando su sitio web personal, o conocer sus procesos de diseño leyendo su blog.

Yulia Brodskaya es una artista de Rusia, que comenzó su carrera moviéndose principalmente entre pintura de telas, origami y collage; acercándose a las Bellas Artes. Realiza experimentación y exploración en sus obras juntando las cosas que más le gustan: tipografía, papel, color y objetos muy detallados, hechos a mano.

Los trabajos de esta artista, que ella denomina papergraphics, son muestra de un oficio espectacular, ya sea en la realización práctica de las piezas gráficas como también en el uso cromático y su contraposición con el soporte blanco. Brodskaya genera imágenes muy pregnantes en cada una de las configuraciones tipográficas que realiza, y ocupa el color como un elemento de apoyo a los conceptos que representa.

En cada uno de sus trabajos es posible encontrar un uso cromático intencionado, mediante un conocimieto previo ya sea del contraste, como también de las armonías de color, que aparecen presentes en sus obras de manera frecuente. Destacan entre ellos el contraste de complementarios y la armonía de gamas múltiples.

Además Brodskaya aprovecha de manera muy creativa el material y el soporte de las obras, pues en algunas de las piezas, mediante el reflejo que otorga la superficie blanca, es posible percibir algunas figuras con colores de relleno, que corresponden a ilusiones ópticas cromáticas.

Esta artista también incorpora el uso del blanco en algunas ocasiones, no tan sólo como fondo sino también como figura,  y en otras, como contraforma tipográfica. Este color es un elemento recurrente en el portafolio de la artista, destacando los conceptos de limpieza y pureza que otorga el blanco, y su contraste con la aplicación de multiples tonos.

Yulia Brodskaya es una artista muy prolífica, y aquí se muestran solo algunos de sus últimos trabajos. Además se dedica al diseño gráfico y a la ilustración. Ha trabajado para clientes como The Guardian, The New York Times Magazine,  WIRED, Nokia, Starbucks y Orange, entre otros. Y ha sido entrevistada para las revistas IdN Magazine (en su versión v16n2, que aún no se publica), Étapes, y Notion, entre otras.

Puedes ver más de sus trabajos visitando su sitio personal.

Mark Warren Jacques es un artista visual, ilustrador, diseñador y skater que vive, ama y trabaja en Portland, Oregon. Fue uno de los aprendices de John Piper, quien le enseñó “lo que el arte puede hacer por el alma”, según señala él mismo. Sus influencias más importantes son Hesse, Miró y los más modernos Steven Harrington y Jen Stark, además su carrera creativa empezó a los 7 años.

Los trabajos y pinturas de Jacques constituyen un claro ejemplo del uso del contraste cromático como generador de tensión, dentro de una pieza gráfica. Uno de los principales recursos cromáticos que aplica dentro de sus obras es el contraste de calidad, donde es recurrente encontrar grandes diferencias entre tonos muy puros, intensos o saturados, y otros tonos más bien opacos o turbios, cercanos a la gama de los grises.

Otro de los contrastes que es frecuente encontrar en sus trabajos, es el de colores puros, ya que este artista suele contraponer tonos cercanos a los colores primarios, que compiten en saturación y viveza. Además asocia muchas veces los tonos más saturados a figuras fácilmente reconocibles, como son tríangulos, círculos y semicírculos, de manera de acentuar la forma geométrica y la tensión entre curvas y ángulos agudos.

Un elemento destacable de la obra de Jacques es el uso del negro como un factor importante dentro de sus pinturas. Este color (algunas veces reconocido como un no color) es clave a la hora de resaltar la pureza e intensidad de los tonos frecuentemente usados en sus obras. El negro con sus característica de tono más bien neutro, permite que el protagonismo de la obra pictórica lo tengan aquellos colores que se perciben como más vivos, con más caracter y más alegres.

Este color generalmente aparece como fondo, aunque suele también entremezclarse e incorporarse como figura en algunas obras.

Mark Warren Jacques dice que Portland, la ciudad donde vive,  lo ha influenciado con sus colores cálidos, y se define a sí mismo como una persona en constante búsqueda, que evita la sensación de estar “no haciendo cosas”. Esta búsqueda lo ha llevado a un trabajo muy prolífico, que consta de muchas exposiciones individuales y colectivas, a lo largo de E.E.U.U.

Actualmente sus trabajos están siendo expuestos en la colección “Big Beautiful Color” en la Fontanelle Gallery de Portland, Oregon. Puedes ver más de sus trabajos en su sitio web personal o ver su Art/Skate Film “Ollie The Mind Gap” en este link.

Joe Van Wetering (Joevw) es un joven diseñador e ilustrador de Chicago. Sus trabajos han sido fuertemente influenciados por su favoritismo por el juego Tetris, denotando una gran cantidad de formas geométricas y angulosas, que parecen encajar con presición.

El trabajo de Joevw posee un tratamiento riguroso del color, utilizando sus propiedades para generar sensaciones de profundidad, cercanía, líneas rectas o curvas. Mediante las transiciones de gamas múltiples y tonos, logra generar distintos planos, y es posible distinguir con facilidad las diferentes dimensiones visuales de la pieza gráfica.

Además en sus obras, el color aparece estrictamente ligado a la forma. Esto es un recurso que se obtiene al establecer límites muy marcados entre las figuras usadas en la composición, mediante el contraste de las variaciones de 1 mismo matiz, ya sea de luminosidad o saturación.

En el detalle de abajo, por ejemplo, los ángulos amarillos presentan una profundidad debido a un contraste de saturación entre ambos tonos del mismo color.

Joevw privilegia el uso de muchos matices distintos dentro de una composición. Pero esta variedad de matices se hace realmente atractiva cuando al mirar detenidamente las obras, es posible ir descifrando las distintas relaciones cromáticas presentes en la imagen. Es habitual encontrar contrastes de calidad y matiz en sus piezas.

Otro atractivo de las imágenes de este artista, es que en una primera mirada logramos percibir casi la mitad de los colores que realmente tienen sus obras. Al acercarnos, o dedicarles una segunda mirada, los diferentes matices van apareciendo. Esto se produce debido a la interacción del color y el contraste simultáneo.

Joevw actualmente trabaja para Threadless.com, realiza vestuario, tablas de skate y afiches entre otras cosas. Puedes ver más de sus trabajos en su Flickr o en su sitio web personal.

Siggi Eggertsson es un ilustrador islandés de retratos, animales y paisajes, establecido actualmente en Berlín. Con 25 años, Eggertsson se ha dedicado a realizar múltiples trabajos gráficos, así también como tipografías, en una carrera que empezó a los 15 años, haciendo afiches para festivales de Jazz y exhibiciones de arte.

Al apreciar la obra de Eggertsson, es posible señalar que sus trabajos son mentalmente concebidos a partir del color y no de la forma. Esta es una metodología que es difícil de emplear a la hora de realizar una pieza gráfica, ya que significa separar el color de la forma, casi desafiando las leyes de la óptica. Si bien es una habilidad innata de unos pocos, desde Itten y Albers -y sus estudios libres- es posible afirmar que se desarrolla mediante el trabajo práctico con el color.

Para entender mejor esto, notamos que este artista genera sus imágenes principalmente a partir del píxel, y por lo tanto, desde cada color que aplica en cada píxel. Con un excelente manejo de las propiedades del color, Eggertsson logra articular sombras, figuras y fondo, componiendo de esta manera sus piezas gráficas. La geometría pura y dura se pinta de colores en sus trabajos.

Dentro de sus trabajos es posible ver diferentes y numerosas gamas cromáticas, pero Eggertsson las agrupa por temperatura y matiz, logrando así diferentes ambientes dentro de sus composiciones. Y es a través de tonos intermedios o de mediación, que genera transiciones de planos cromáticos, como se aprecia en la imagen de abajo.

Eggertsson además incorpora diferentes contrastes y armonías a sus piezas, como el contraste de calidad, complementarios y las armonías de gamas múltiples. Su obra es un claro ejemplo de la importancia del uso del color como una herramienta poderosa en el proceso de diseño.

El trabajo de Siggi Eggertsson ha sido reconocido en los premios Print’s New Visual Artists, IMARK, DV Cultural Prize y Sjónlist 2008. Además ha sido entrevistado para las revistas Plastique (UK), Print Magazine (US), Nylon (US), Computer Arts (UK), entre otras. Entre sus clientes se encuentran Coca Cola, ESPN Magazine, The New York Times, Urban Outfitters, Nike, Gnarls Barkley, por solo nombrar algunos.

Puedes ver más de sus trabajos en su sitio web personal o leer la entrevista que le hizo Computer Arts aquí.

Steven Harrington es un artista y diseñador de Los Angeles, California. Realiza ilustraciones, serigrafías y pinturas, entre otros, donde los elementos principales son color y patrones. Estos patrones generalmente evocan símbolos nativos indígenas americanos, los cuales Harrington plasma en sus trabajos para reflejar un sentido de tradición y pertenencia a quien las observa.

Además Harrington impregna sus trabajos de una espiritualidad y libertad, ilustraciones influenciadas por las imágenes, la moda y los gráficos de 1965-1972, las tiendas de segunda mano, y la música de The Moody Blues, elementos que lo definen como un hippie gráfico.

La obra de Harrington ha estado ligada al skateboarding por mucho tiempo, ya que él mismo patinó por varios años, es por eso que es común encontrar diseños de patinetas, o merchandising para deportes extremos, rubro que lo hizo conocido.

En cuanto al color, este artista trabaja, generalmente, seleccionando los colores según gamas múltiples, generando ambientes relativos a uno o dos tonos y experimentando con los tonos de mediación entre ambos.

En varias de sus imágenes es posible encontrar contrastes de calidad entre los colores de los fondos, que generamente son poco saturados, y los colores de las figuras que presentan una saturación más notoria. Pero es precisamente mediante el color que Harrington logra uno de los aportes principales de sus imágenes, ya que mediante gradaciones en éstas, forma se transforma en fondo y fondo se transforma en figura, todas entrelazadas y conectadas.

Otro elemento a destacar de la obra de Harrington es la incorporación del color negro en sus composiciones. Este color, que generalmente es excluído por la creencia de ser un no color o un color muerto, es fundamental para la interacción de los diferentes tonos dentro de una pieza gráfica, ya que potencia aquellos colores que aparecen como muy claros o aquellos opacos. Harrington conoce la propiedad colaborativa del negro y la explota correctamente.

Harrington y su amigo Justin Krietemeyer, crearon el estudio National Forest Design, cuyos proyectos incluyen catálogos para Urban Outfitters,  además de productos Burton Snowboards y el Nike Ole Mural. Además Harrington ha diseñado vestuario que es posible adquirir en Sixpack France.

Actualmente trabaja en proyectos que van desde la participación en el Arkitip “Highmath” (exposición colectiva en Berlín), una colaboración con Kid Robot, o una nueva serie de elementos para monopatines.

Puedes ver más de sus trabajos en su sitio web personal, o también aquí.

Sarajo Frieden es una artista, ilustradora, decoradora de interiores y diseñadora que vive en Los Angeles. En sus trabajos confluyen influencias gráficas persas, dibujos ukiyo-e japoneses y trabajos de costura húngara, y los temas hacen referencia a narrativas abiertas, cuentos tradicionales, imágenes abstractas y discordantes.

Uno de los elementos más notorios dentro de los trabajos de Frieden es su habilidad para crear ambientes de color, mediante las relaciones de tonos, gamas múltiples y temperatura, así también -y muy importante- la relación de formas, que acompañadas con la elección correcta de los matices, puede presentar obras muy atractivas.

Frieden incorpora dentro de sus piezas gráficas gradaciones de tonos para los fondos, pasos de gama múltiple para generar los contrastes de temperatura o sensaciones de espacialidad, muy presentes en los paisajes que ilustra.

Frieden ha expuesto en galerías de Los Angeles, San Diego, Carolina del Norte, Minnesota, New York, Roma, Venecia, Nápoles y Australia. Dentro de sus clientes destacan LA Times Sunday Magazine, 100 Best Album Covers, Nickelodeon, National Geographic, Time, UNICEF, Old Navy y Gourmet entre otros.

Puedes ver más de sus trabajos en su sitio web personal, o leer su blog, donde escribe sobre la realización de sus trabajos.