Sachin Teng, más conocido como contraomnes, es un artista visual, ilustrador y diseñador gráfico y estudiante norteamericano de pregrado en el Pratt Institute, de 20 años de edad, establecido en Nueva York. Este joven artista busca la inspiración diariamente en la música instrumental y considera que el trabajo realizado debe considerarse casi tan importante como los estudios o grados adquiridos.

La obra de Teng, mayoritariamente en lo que se refiere a sus ilustraciones, se presenta con una paleta cromática característica, que se ha convertido en el sello cromático del artista. Es muy recurrente la presencia de tonos cromáticos grises, de baja intensidad o saturación, en consecución de tonos de mayor saturación, pero generalmente en clave armoniosa – y a veces también – contrastante.

De un modo más preciso, es el contraste de calidad – también denominado contraste de saturación – aquel que se aparece con más presencia dentro de sus trabajos, pero éste generalmente se encuentra articulado con la armonía de complementarios, o dobles complementarios, lo cual otorga un aspecto vintage a sus obras, con un ambiente cromático cercano a las paletas cromáticas del new age, y de los años cincuenta.

Teng además es audaz en el uso de colores acromáticos, como blanco, negro y variados tonos de grises. El uso de esta tipología cromática acentúa el aire nostálgico y de añoranza de sus ilustraciones. Incluye también recursos visuales en la iluminación de las viñetas, tales como el grano, que hacen más evidente y característico el estado de ánimo de las escenas. En sus trabajos es difícil encontrar colores muy saturados o brillantes, ya que estos responden a la proximidad y la cercanía temporal y formal.

La diferencia de luminosidad es un recurso que este artista también emplea bastante. Teng suele conjugar numerosas luminosidades de color, articulando de esta manera las diferentes gamas múltiples que utiliza. Así el artista aprovecha al máximo un mismo color, jugando con su carácter interactivo, haciendo que éste se presente con distinta apariencia según la cercanía con sus complementarios o su articulación junto a colores de luminosidades diferentes. De esta manera, percibimos una paleta cromática amplia, a veces sin saber que se trata de un mismo color en sus diferentes luminosidades. Sin duda una técnica que se obtiene mediante el trabajo cromático consciente, estudiado o adquirido en la práctica.

Sachin Teng, quien se ha hecho bastante conocido bajo su seudónimo contraomnes, ha sido destacado en múltiples sitios web dedicados a la búsqueda de referentes gráficos. Su trabajo ha sido reconocido por The Society of Illustrators, el Museum of Modern Arts de Nueva York, P.S. Art y otras instituciones. Este año fue el ganador de la 2010 Student Scholarship Competition, de la Society of Illustrators.

Puedes conocer más sobre el trabajo de este artista en su sitio web personal, visitando su perfil de DeviantART o leyendo una entrevista que le realizaron desde esa misma red social .

Andrew Pearce es un apasionado fotógrafo, realizador de cine y diseñador australiano. Su carrera como realizador de cine comenzó el 2002 a los 12 años, edad en la que participaba en festivales y competencias de realización cinematográfica de la ciudad donde creció, de las cuales se enteraba buscando en Google o cuando veía algún afiche local.

El trabajo más prolífico de Pearce hoy, corresponde a la fotografía, la cual desarrolla mezclando las técnicas fílmicas de encuadres y filtros de imagen,  que otorgan a sus fotografías un estilo cromático saturado y pregnante. En ellas, recurrentemente encontramos ambientes cromáticos muy definidos, relativos al estado de ánimo de la imagen y los elementos –figuras– que la componen. De esta manera, encontramos momentos alegres congelados por el disparador de Pearce, ambientados en gamas cromáticas que son percibidas también como alegría.

Pero este acento que realiza Pearce en los estados de ánimo, no cae en lo absoluto en una realidad literal. Al contrario, Pearce, mediante la utilización de filtros cromáticos y elementos característicos del cine, como la postproducción, genera en la mayoría de los casos una supersaturación de los colores presentes en la imagen, excitando aún más al ojo del expectador pero llevándolo a un mundo casi irreal, en el que los colores juegan el papel más importante en lo que respecta a la atracción.

Desde un plano más específico, es muy relevante en el trabajo de este fotógrafo, los acentos contrastantes de color que emplea en algunas de las series en su trabajo. Es común dentro de su portafolio, encontrar fotografías que responden a un determinado estado de ánimo, o temperatura, articuladas por gamas cromáticas de color fríos. Pero esa tranquilidad que otorgan los colores fríos, se ve en casos tensionada por la aparición de elementos absolutamente contrastantes en colores cálidos y con intensidad muy saturada.

Del trabajo photográfico de Pearce quizá lo más importante a destacar es la cualidad creadora de ambientes que posee el color, y cómo estos ambientes pueden relacionarse con determinada emocionalidad: alegría, nostalgia, tranquilidad, tristeza, etc. Esto lo consigue mediante la correcta elección de los protagonistas de las imagenes y el papel que juegan los colores que introduce, ya sea por las diferentes técnicas que emplea, o que logra captar de las locaciones donde realiza las capturas fotográficas. Un pulcro trabajo de Dirección de Arte, con un especial énfasis en el uso cromático consciente.

Andrew Pearce ha logrado reconocimiento nacional e internacional por su trabajo cinematográfico. En los ultimos años ha estado básicamente dedicado al trabajo fotográfico, con el que ha expuesto en numerosos países, como E.E.U.U., Canadá y Australia. Además ha participado en variados concursos entre los que destacan recientemente su 1er lugar en el 2010 Corowa Art Show, en la categoría de Retratos, 1er lugar en el 2010 Jet Star Photography Competition, y como diseñador su 1er lugar en el 2009 National Youth Week Poster Competition, entre varios otros premios y reconocimientos.

Puedes conocer más de sus trabajos visitando su sitio web personal, o acceder a sus films, en su galería de deviantART.

Françoise Nielly es una artista integral francesa que se ha dedicado por años al estudio de la imagen, abordándola desde diferentes técnicas artísticas, tales como fotografía, ilustración, ilustración digital y pintura, siendo esta última aquella a la que se ha dedicado apasionadamente hace ya un largo tiempo.  Independientemente de la técnica empleada, para esta artista, lo esencial a la hora de construir una composición es la expresión, llegando a niveles –en palabras de los espectadores– en que sus pinturas “logran tocar la fibra de la sensibilidad”.

Con solo mirar un par de obras de esta artista, es fácil notar que, sin duda, el color es un ente protagonista en su trabajo. Estos colores son una herencia que ha recibido de su entorno familiar, su padre arquitecto, y por sobretodo del paisaje que la vio nacer y crecer, los colores del sur de Francia, Cannes y Saint-Tropez. En sus trabajos, la expresión la otorga el colorido lúdico, contrastado con la fuerza de las imágenes y los retratos que pinta: las miradas de los retratados, camufladas entre manchas de colores saturados.

Esta lucidez cromática son testimonio de una artista que derrocha vitalidad y disfruta de los espacios abiertos, para obtener una libertad absoluta de tonos cromáticos. Es muy recurrente encontrar gran cantidad de contrastes en sus obras, siendo los más característicos los de calidad, colores puros, y complementarios. Pero además de contrastar, Nielly sabe armonizar perfectamente mediante el empleo de gamas múltiples que se presentan al espectador en una gradiente de manchas que parecen ir de un matiz a otro, como en el círculo cromático.

Otro elemento cromático muy utilizado por Nielly, es la aplicación de color negro como parte de la forma, lejano a su habitual uso como fondo. En su obra, la artista lo incorpora como un protagonista más, otorgándole pausa y calma al ambiente de colores vivos –a veces con intenciones fosforescentes– que habitan sus cuadros. El negro es un lugar de descanso para el ojo, y además se impone con su naturaleza psicológica de la fuerza y el vigor, propios de la obra de Nielly.

Pero la aplicación del color, por mucho que se manejen sus propiedades y la articulación de esquemas de contraste y armonías, dependerá siempre de la técnica gráfica que se emplee para presentarla en una composición visual. La riqueza de las obras de Nielly se manifiesta en una aplicación de la mancha pictórica –aparentemente– dispersa e inesperada, y es precisamente esta manera de construir la obra, la que parece expresar que es el color el que habla en las manos de la artista, en su consecusión en la pieza gráfica.

Françoise Nielly ha exhibido sus obras en galerías en Canada, Alemania, E.E.U.U. y numerosas veces en Francia. Ha realizado numerosas obras entre 2002 y 2009, muchas de las cuales pueden comprarse por internet desde su sitio web personal y otros portales de venta de arte. Nielly es sin duda una artista consumada, con 20 años de expresión artística, que demuestran la madurez de su arte, y el perfecto dominio de su técnica.

Puedes ver más de sus obras en su sitio personal o conocer su perfil de myspace.

Anna Anjos es una diseñadora e ilustradora brasileña, con residencia en Sao Paulo, quien prefirió desde pequeña los lápices de colores antes que los juguetes. Su carrera comenzó como diseñadora y colorista en una fábrica de comics e hiperquímica (Quadrinhos e Hiperquimica) en Brasil. Sus trabajos actuales generalmente son ilustraciones de apoyo a medios de comunicación impresos como diarios o revistas. En ellos, aparecen simpáticos personajes, con un estilo muy particular y reconocible, y con atmósferas de color muy marcadas.

Precisamente es este trabajo de atmósferas cromáticas el elemento diferenciador de las ilustraciones de esta artista, ya que en sus obras, el color aparece como el espacio común en el que viven o habitan los personajes de su imaginera ilustrativa. Las relaciones cromáticas presentes en sus dibujos generalmente se basan en gamas múltiples, es decir, donde es recurrente la presencia de gradaciones de un color a otro, ambos cercanos en el círculo cromático.

Esta apuesta que asume Anjos es interesante desde el punto de vista de las variaciones cromáticas de 1 o 2 tonos, mediante la manipulación de las propiedades del color, ya sea en luminosidad como en saturación, lo cual permite el desarrollo de múltiples nuevos tonos, familiares a los 2 originales en matiz, pero más claros, más oscuros; más intensos o más pálidos. Es decir, Anna Anjos desarrolla una paleta cromática muy extensa con la variación de 2 tonos cercanos en matiz.

Otro elemento cromático interesante en la obra de Anjos – presente en la ilustración de arriba de este párrafo –  es la recurrencia de la ilusión de transparencia. Mediante la articulación de la mezcla óptica de matices, la ilustradora, genera la ilusión de planos translúcidos dentro de sus composiciones. Esta ilusión puede conseguirse con un conocimiento un poco más avanzado de la naturaleza interactiva del color, y el dominio de sus propiedades; conocimieto que en algunos artistas es innato, pero que puede adquirirse mediante la práctica de un constante ejercicio de comparación cromática de tonos.

Además de armonizar mediante tonos cercanos en el círculo cromático, la artista articula relaciones de cercanía de saturaciones y luminosidades. Yuxtaponiendo colores cercanos en intensidad, genera atmósferas de tranquilidad, fusión y calma. Sin duda, Anjos maneja los atributos del color aplicándolos de manera efectiva en la composición de sus ilustraciones, claro ejemplo de un uso a conciencia del color, alejándose de lo puramente decorativo.

La obra de Anna Anjos ha estado siempre muy influenciada por sus inicios en el comic. Sus trabajos han sido publicados en más de 12 medios digitales y varios otros impresos. Ha trabajado para clientes como Sadia, Coca – Cola, Brahma, entre otros. Sus ilustraciones han ocupado sustratos como vestuario, carcazas para Ipod, afiches y portadas de diaros y revistas.

Puedes conocer más de su obra en su sitio personal, o seguirla en twitter o flickr.

Jacob Dahlgren es una artista visual de Estocolmo, Suecia que realiza instalaciones artísticas con elementos de la vida cotidiana, tales como latas de conserva, pesas, colgadores de ropa, vestuarios a rayas, tazas de café,  carretes de hilo, plumas, contenedores; y con estos objetos, reconoce de forma activa a sus referentes: Olle Baertling, Carl Andre, Bridget Riley, Frank Stella y Blinky Palermo, entre otros.

Dahlgren pocas veces ocupa los elementos con sus colores y etiquetas originales. Al contrario, los pinta de manera de ocultar los detalles gráficos de las etiquetas para transformarlos en contornos, figuras en serie, que dispone en sus instalaciones. Esto lo realiza el artista, a modo de protesta hacia la sociedad de consumo, tomando el elemento u objeto e insertándolo de nuevo en los dominios del arte.

Al afrontar un encargo personal, este artista pone un especial énfasis en la lectura de color general que otorgará la instalación al espectador. El panorama cromático debe ir reforzado por la contextura de los objetos elegidos. De esta manera elige los colores que quiere proyectar y comienza buscando objetos monócromos. Luego los clasifica según el matiz y los dispone apilados o uno al lado del otro. Así, junto con miles de otros artículos,  se convierten en parte de la composición general de una instalación, una escultura, o tal vez una pintura que poco a poco se levanta desde el piso.

Al tomar las decisiones de color, Dahlgren va generando espacios cromáticos, ambientes, dentro de sus instalaciones. El artista tiene claro conocimiento en la naturaleza interactiva del color, de ahí el hecho de que tenga una especial preocupación en el panorama cromático general. Pero además Dahlgren, busca la interacción de las formas presentes en los objetos que dispone: lo que el llama la interactividad directa física de los elementos.

Además, Dahlgren suele buscar asociaciones cromáticas entre los colores, de esta manera es recurrente encontrar en sus obras, apilamiento de objetos por gamas múltiples, o relaciones de contraste que generan una mayor atracción hacia ciertas áreas de la pieza gráfica.

Pero más allá de su capacidad para realizar agrupaciones cromáticas interesantes en cada uno de los espacios de sus instalaciones, uno de los aportes más importantes que hace Dahlgren con sus trabajos es su interés por encontrar diferentes matices en la cotidianeidad. Esta es una extensa tarea de recopilación, de observación, que el artista realiza para manifestar que: “el mundo de nuestros días no es gris como podría percibirse con aires de pesimismo, sino que está compuesto por una diversidad de colores presentes en los objetos: en nuestra ropa, en la publicidad, en la naturaleza, y hoy pareciera ser una cualidad especial el poder apreciar esos colores”.

Jacob Dahlgren se ha convertido rápidamente en un referente del arte de la cotidianeidad, y ha expuesto en muchas ocasiones de forma colectiva o individual, y en múltiples países como Suecia, Escocia, Dinamarca, Alemania, E.E.U.U., Austria, Polonia, Sri Lanka e Italia, realizándo en este último uno de sus trabajos más conocidos, en el marco de la 52° Bienal de Venecia. (en la imagen abajo).

Puedes conocer más de sus trabajos visitando su sitio personal.

Robert Doesburg es un pintor y dibujante holandés, de 63 años, cuya obra se encuentra fuertemente influenciada por sus experiencias de viaje y los ambientes que lo rodean. Éstos son plasmados en un estilo artístico de pequeños cuadrados de colores —square style—, que se ha dedicado a desarrollar durante mucho tiempo y que, a modo de mosaico, conforman las imagenes presentes en sus pinturas. En el Square Style, cada cuadrado en sí corresponde a una obra de arte abstracto; pero uno junto al otro, es decir,  insertos en la composición, logran transformarse a lo figurativo.

Es precisamente el uso de este estilo artístico, según señala el mismo Doesburg, quien le otorga múltiples oportunidades para usar un amplio universo de colores, consiguiendo composiciones coloridas en cada cuadrado, independientes del total de la obra artística. Cada pintura de este artista presenta un panorama general acerca de las relaciones de armonías de color y los esquemas de contraste que se dan en pequeña escala en cada cuadrado, y a gran escala en la obra completa.

Un aspecto importante a destacar en las obras de Doesburg es el uso de la armonía de gamas múltiples, la cual es una constante cuando el artista usa varios colores monocromáticos, todos relacionados a un mismo tono (diferentes tonos de azul para los cielos, por ejemplo), los cuales aportan cromáticamente a las figuras presentes en la obra, alejándose de los tonos planos y acercándose a los tonos o colores enriquecidos.

Esta multiplicidad de tonos, tiene sus raíces en las experiencias de vida que ha recogido Doesburg  en sus obras. Aporta con toques de nostalgia, extraída directamente de sus vivencias, sus sentimientos y su juventud en la Academia Marítima; el mismo artista señala que se vio influenciado por los colores, reflejos y brillos del agua, y de su nostalgia hacia los puertos y las ciudades. Sin duda su ojo se fue entrenando al apreciar por mucho tiempo las variaciones de azul y verde turquesa, propios del color del océano.

Doesburg además, ha buscado en sus obras, otorgarle sus propios colores a las figuras y personajes presentes en sus piezas gráficas; de tal manera que es posible encontrar diferentes matices en los sujetos, que se alejan de la imagen cromática real (o al menos reconocible) y se acercan a una perspectiva más fantástica. Así, es recurrente ver en sus obras caballos rojos, seres humanos amarillos, y pastos rosados, conviviendo en un ambiente de fragmentación unida cromaticamente.

Robert Doesburg ha pintado durante toda su vida, pero solo desde 1995 se dedica a la pintura a tiempo completo.  Ha expuesto en múltiples galerías, generalmente a lo largo de toda Europa. Puedes ver más de sus trabajos visitando su sitio personal.

Matt W. Moore, más conocido como MWM Graphics en el submundo del arte callejero, es actualmente un diseñador y artista visual establecido en Boston, que ha experimentado prolíficamente con el vectorfunk: la ilustración, tipografía y el color.

Moore define su propio trabajo como “la celebración del diseño abstracto y el trabajo supercolorido”, y es que, precisamente, sus trabajos se perciben como una explosión de color, donde cada ilustración se aprecia como pequeña parte de una abstracción mayor, cercano en ocasiones a lo psicodélico, en otras a lo geométrico, y en otras a lo urbano, acentuados por la gran cantidad de materiales que ocupa: acrílicos, digital y hasta pintura spray.

Moore genera diferentes ambientes cromáticos entre sus obras; e incluso dentro de una misma obra es posible encontrar espacios de color que se diferencian claramente, mediante la repetición y la trama, elementos recurrentes en sus piezas gráficas. En ellas se funden elementos circulares con lineas rectas, líneas secantes que definen otros ambientes de color, otras zonas cromáticas, mediante el contraste de complementarios y las gamas múltiples.

Sus obras además generan una gran atracción debido a la gran cantidad de detalles que la componen, lo cual genera una sensación de color a distancia, muy diferente a la que se va generando cuando el observador se acerca a la pieza, y es capaz de apreciar los diferentes elementos interactuantes. Esta particularidad otorga mucho dinamismo a las obras, y se ve acentuada por el contraste simultáneo, fenómeno que sucede al contemplar una pieza gráfica por un determinado lapso de tiempo, y viendo colores que probablemente no se encuentran en el original.

Moore además presenta un gran interés en la sensación termica del color, su temperatura. En su obra es posible encontrar diferentes piezas que se acercan a lo cálido y se alejan de los tonos más fríos. En otra de sus series de trabajos los tonos son marcadamente fríos. Esto en su propio testimonio se ve influído por el ambiente que lo rodea en Boston: en invierno pinta series en blanco y negro. Pero según el mismo artista expresa, la mayor parte del tiempo se preocupa de generar combinaciones únicas de todos los colores posibles que se encuentren recargados con el espectro.

Matt W. Moore ha trabajado para clientes como Nike, Citroen UK, Blackberry, Adidas, Mazda UK, Walmart, Cadbury, Zune, The Guardian, Vodafone y Wired Magazine. Ha sido entrevistado en más de 25 medios digitales debido a su trabajo, y ha expuesto en más de 10 países en 4 continentes. Además ha diseñado zapatillas, corbatas y vestuario para Threadless y sueña con tener su propia línea de ropa.

Puedes conocer más de sus trabajos visitando su sitio web personal, o conocer sus procesos de diseño leyendo su blog.

Yulia Brodskaya es una artista de Rusia, que comenzó su carrera moviéndose principalmente entre pintura de telas, origami y collage; acercándose a las Bellas Artes. Realiza experimentación y exploración en sus obras juntando las cosas que más le gustan: tipografía, papel, color y objetos muy detallados, hechos a mano.

Los trabajos de esta artista, que ella denomina papergraphics, son muestra de un oficio espectacular, ya sea en la realización práctica de las piezas gráficas como también en el uso cromático y su contraposición con el soporte blanco. Brodskaya genera imágenes muy pregnantes en cada una de las configuraciones tipográficas que realiza, y ocupa el color como un elemento de apoyo a los conceptos que representa.

En cada uno de sus trabajos es posible encontrar un uso cromático intencionado, mediante un conocimieto previo ya sea del contraste, como también de las armonías de color, que aparecen presentes en sus obras de manera frecuente. Destacan entre ellos el contraste de complementarios y la armonía de gamas múltiples.

Además Brodskaya aprovecha de manera muy creativa el material y el soporte de las obras, pues en algunas de las piezas, mediante el reflejo que otorga la superficie blanca, es posible percibir algunas figuras con colores de relleno, que corresponden a ilusiones ópticas cromáticas.

Esta artista también incorpora el uso del blanco en algunas ocasiones, no tan sólo como fondo sino también como figura,  y en otras, como contraforma tipográfica. Este color es un elemento recurrente en el portafolio de la artista, destacando los conceptos de limpieza y pureza que otorga el blanco, y su contraste con la aplicación de multiples tonos.

Yulia Brodskaya es una artista muy prolífica, y aquí se muestran solo algunos de sus últimos trabajos. Además se dedica al diseño gráfico y a la ilustración. Ha trabajado para clientes como The Guardian, The New York Times Magazine,  WIRED, Nokia, Starbucks y Orange, entre otros. Y ha sido entrevistada para las revistas IdN Magazine (en su versión v16n2, que aún no se publica), Étapes, y Notion, entre otras.

Puedes ver más de sus trabajos visitando su sitio personal.

Joe Van Wetering (Joevw) es un joven diseñador e ilustrador de Chicago. Sus trabajos han sido fuertemente influenciados por su favoritismo por el juego Tetris, denotando una gran cantidad de formas geométricas y angulosas, que parecen encajar con presición.

El trabajo de Joevw posee un tratamiento riguroso del color, utilizando sus propiedades para generar sensaciones de profundidad, cercanía, líneas rectas o curvas. Mediante las transiciones de gamas múltiples y tonos, logra generar distintos planos, y es posible distinguir con facilidad las diferentes dimensiones visuales de la pieza gráfica.

Además en sus obras, el color aparece estrictamente ligado a la forma. Esto es un recurso que se obtiene al establecer límites muy marcados entre las figuras usadas en la composición, mediante el contraste de las variaciones de 1 mismo matiz, ya sea de luminosidad o saturación.

En el detalle de abajo, por ejemplo, los ángulos amarillos presentan una profundidad debido a un contraste de saturación entre ambos tonos del mismo color.

Joevw privilegia el uso de muchos matices distintos dentro de una composición. Pero esta variedad de matices se hace realmente atractiva cuando al mirar detenidamente las obras, es posible ir descifrando las distintas relaciones cromáticas presentes en la imagen. Es habitual encontrar contrastes de calidad y matiz en sus piezas.

Otro atractivo de las imágenes de este artista, es que en una primera mirada logramos percibir casi la mitad de los colores que realmente tienen sus obras. Al acercarnos, o dedicarles una segunda mirada, los diferentes matices van apareciendo. Esto se produce debido a la interacción del color y el contraste simultáneo.

Joevw actualmente trabaja para Threadless.com, realiza vestuario, tablas de skate y afiches entre otras cosas. Puedes ver más de sus trabajos en su Flickr o en su sitio web personal.

Siggi Eggertsson es un ilustrador islandés de retratos, animales y paisajes, establecido actualmente en Berlín. Con 25 años, Eggertsson se ha dedicado a realizar múltiples trabajos gráficos, así también como tipografías, en una carrera que empezó a los 15 años, haciendo afiches para festivales de Jazz y exhibiciones de arte.

Al apreciar la obra de Eggertsson, es posible señalar que sus trabajos son mentalmente concebidos a partir del color y no de la forma. Esta es una metodología que es difícil de emplear a la hora de realizar una pieza gráfica, ya que significa separar el color de la forma, casi desafiando las leyes de la óptica. Si bien es una habilidad innata de unos pocos, desde Itten y Albers -y sus estudios libres- es posible afirmar que se desarrolla mediante el trabajo práctico con el color.

Para entender mejor esto, notamos que este artista genera sus imágenes principalmente a partir del píxel, y por lo tanto, desde cada color que aplica en cada píxel. Con un excelente manejo de las propiedades del color, Eggertsson logra articular sombras, figuras y fondo, componiendo de esta manera sus piezas gráficas. La geometría pura y dura se pinta de colores en sus trabajos.

Dentro de sus trabajos es posible ver diferentes y numerosas gamas cromáticas, pero Eggertsson las agrupa por temperatura y matiz, logrando así diferentes ambientes dentro de sus composiciones. Y es a través de tonos intermedios o de mediación, que genera transiciones de planos cromáticos, como se aprecia en la imagen de abajo.

Eggertsson además incorpora diferentes contrastes y armonías a sus piezas, como el contraste de calidad, complementarios y las armonías de gamas múltiples. Su obra es un claro ejemplo de la importancia del uso del color como una herramienta poderosa en el proceso de diseño.

El trabajo de Siggi Eggertsson ha sido reconocido en los premios Print’s New Visual Artists, IMARK, DV Cultural Prize y Sjónlist 2008. Además ha sido entrevistado para las revistas Plastique (UK), Print Magazine (US), Nylon (US), Computer Arts (UK), entre otras. Entre sus clientes se encuentran Coca Cola, ESPN Magazine, The New York Times, Urban Outfitters, Nike, Gnarls Barkley, por solo nombrar algunos.

Puedes ver más de sus trabajos en su sitio web personal o leer la entrevista que le hizo Computer Arts aquí.