Andrew Pearce es un apasionado fotógrafo, realizador de cine y diseñador australiano. Su carrera como realizador de cine comenzó el 2002 a los 12 años, edad en la que participaba en festivales y competencias de realización cinematográfica de la ciudad donde creció, de las cuales se enteraba buscando en Google o cuando veía algún afiche local.

El trabajo más prolífico de Pearce hoy, corresponde a la fotografía, la cual desarrolla mezclando las técnicas fílmicas de encuadres y filtros de imagen,  que otorgan a sus fotografías un estilo cromático saturado y pregnante. En ellas, recurrentemente encontramos ambientes cromáticos muy definidos, relativos al estado de ánimo de la imagen y los elementos –figuras– que la componen. De esta manera, encontramos momentos alegres congelados por el disparador de Pearce, ambientados en gamas cromáticas que son percibidas también como alegría.

Pero este acento que realiza Pearce en los estados de ánimo, no cae en lo absoluto en una realidad literal. Al contrario, Pearce, mediante la utilización de filtros cromáticos y elementos característicos del cine, como la postproducción, genera en la mayoría de los casos una supersaturación de los colores presentes en la imagen, excitando aún más al ojo del expectador pero llevándolo a un mundo casi irreal, en el que los colores juegan el papel más importante en lo que respecta a la atracción.

Desde un plano más específico, es muy relevante en el trabajo de este fotógrafo, los acentos contrastantes de color que emplea en algunas de las series en su trabajo. Es común dentro de su portafolio, encontrar fotografías que responden a un determinado estado de ánimo, o temperatura, articuladas por gamas cromáticas de color fríos. Pero esa tranquilidad que otorgan los colores fríos, se ve en casos tensionada por la aparición de elementos absolutamente contrastantes en colores cálidos y con intensidad muy saturada.

Del trabajo photográfico de Pearce quizá lo más importante a destacar es la cualidad creadora de ambientes que posee el color, y cómo estos ambientes pueden relacionarse con determinada emocionalidad: alegría, nostalgia, tranquilidad, tristeza, etc. Esto lo consigue mediante la correcta elección de los protagonistas de las imagenes y el papel que juegan los colores que introduce, ya sea por las diferentes técnicas que emplea, o que logra captar de las locaciones donde realiza las capturas fotográficas. Un pulcro trabajo de Dirección de Arte, con un especial énfasis en el uso cromático consciente.

Andrew Pearce ha logrado reconocimiento nacional e internacional por su trabajo cinematográfico. En los ultimos años ha estado básicamente dedicado al trabajo fotográfico, con el que ha expuesto en numerosos países, como E.E.U.U., Canadá y Australia. Además ha participado en variados concursos entre los que destacan recientemente su 1er lugar en el 2010 Corowa Art Show, en la categoría de Retratos, 1er lugar en el 2010 Jet Star Photography Competition, y como diseñador su 1er lugar en el 2009 National Youth Week Poster Competition, entre varios otros premios y reconocimientos.

Puedes conocer más de sus trabajos visitando su sitio web personal, o acceder a sus films, en su galería de deviantART.

“Subyugar la Mirada” es la más reciente exposición individual, de este destacado artista y académico de la Universidad de Chile, y se presenta en el Museo de Arte Contemporáneo, sede Parque Forestal.

Víctor Alegría, quien fuera expositor en el Seminario Color Extendido, propone una interfaz nueva mediante su virtuosismo técnico y la articulación del color como medio para alcanzar lo pictórico-fotográfico.

La exposición estará hasta el domingo 24 de enero. Más información en el sitio del museo.

En el trabajo con el color digital, sea cual sea su finalidad (pantalla o impreso), nos topamos con diferentes opciones de archivos de imagen, los cuales no sabemos diferenciar del todo, en materias de gestión del color. Generalmente desconocemos qué tipo de archivo (JPEG, GIF, TIFF, etc) nos permite una mejor visualización del color, o qué se debe privilegiar  al contraponer la calidad de la imagen versus el tamaño del archivo, entre otras decisiones por tomar.

Además de conocer y manejar los modelos de color, así como la profundidad de color, si queremos obtener buenos resultados a la hora de manipular fotografías, ilustraciones y gráficos en general, se hace necesario conocer si el tipo de formato de imagen permite pérdidas de color (elimina la información de color menos aparente) o no las permite (no se pierde color en el proceso).

Los archivos de imagen presentan ciertos formatos estándar, donde los más comunes son:

El formato GIF

GIF (Graphics Interchange Format) es el formato de archivo que se utiliza habitualmente para mostrar gráficos, iconos e imágenes en Internet y otros servicios de visualización en pantalla. Utiliza la compresión sin pérdidas pero sólo con el modelo de color indexado, es decir, permite el trabajo solo con una paleta reducida de 256 colores en lugar de los millones de colores que permiten otros formatos.

Este formato fue diseñado para minimizar el tamaño de archivo y el tiempo de transferencia electrónica, razón por la cual al guardar un archivo en este formato, el programa gráfico privilegiará un tamaño pequeño de archivo antes que una mayor calidad de color. El formato GIF además permite imágenes con transparencia, pero no admite canales alfa para su uso en transiciones para animaciones.

El formato JPEG

JPEG (creado por el Joint Photographic Experts Group) se utiliza para fotografías a todo color y aunque cumple en el proceso de impresión, es ideal para gráficos Web. Utiliza la compresión con pérdidas, donde cuanto mayor sea la compresión, menor será el tamaño de archivo y más visible la degradación de color. En la mayoría de los casos, la opción de calidad máxima (menos comprimida) produce la pérdida menor de color.

Este formato no debería usarse para guardar imágenes que haya que manipular después, pues los bloques y rayas provocadas por la compresión serán cada vez más evidentes. A diferencia del formato GIF, JPEG puede trabajar con millones de colores pero al exportar el archivo comprime el tamaño descartando datos selectivamente. Este formato admite los modelos de color CMYK, RGB y Escala de Grises, pero no admite transparencias o canales alfa.

El formato PNG

PNG (Portable Network Graphics) fue creado con posibilidades de mejor calidad como una alternativa al formato GIF, utiliza una compresión sin pérdidas y es ideal para la visualización de imágenes, fotografías y gráficos en pantalla. A diferencia del formato GIF, PNG admite imágenes de 24 bits o más.

El formato PNG admite el modelo de color RGB, (al exportar una imagen PNG que tenga incrustado el modelo CMYK, este se convertirá automáticamente en RGB) además del color indexado, imágenes en Escala de Grises, el modo de Mapa de Bits, y transparencias aunque sin canales alfa.

El formato TIFF

TIFF o TIF (Tagged-Image File Format) funciona perfecto con todos los programas gráficos, es ideal para intercambiar archivos entre programas y entre sistemas operativos. Permite la compresión con o sin pérdidas, y esto hará que los archivos que pueden ser fotográficos, vectoriales y gráficos, entre otros, varíen en su tamaño, llegando los más pesados a tamaños de archivo máximos de 4 GB.

El formato TIFF admite casi todos los modelos de color: CMYK, RGB, CIE Lab, color indexado y en Escala de Grises con canales alfa, e imágenes en modo de Mapa de Bits sin canales alfa.

Los archivos de imágenes TIFF además son muy flexibles, ya que otorgan al usuario la capacidad de decidir la calidad de color de las imágenes, según las diferentes profundidades de color que admiten: baja (8 bits), media (16 bits) o alta (32 bits) por canal.

A pesar del reconocimiento de estos diferentes formatos de imágenes, con sus respectivas características, es probable que ante un encargo de diseño, si sea necesario utilizar un formato de archivo que produzca pérdida de color, pero en esos casos en particular, la recomendación es trabajar en el archivo editable característico del programa de diseño (PSD, AI, FH, etc) durante todo el proceso de edición del trabajo y sólo exportar como imagen al final del proceso, cuando ya no se necesiten realizar más modificaciones, de manera de minimizar la pérdida de color.

Finalmente, así como puede ser de utilidad conocer las diferencias entre los formatos de archivos de imágenes, adentrarse en la gestión del color puede evitar o solucionar inconvenientes que se presentan a la hora de exportar los archivos para las diferentes finalidades, o simplemente optimizar los recursos cromáticos en función de una mejor comunicación del mensaje.

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Paul Sika es un fotógrafo, director de arte e ilustrador establecido en Costa de Marfil, quien crea nuevos ambientes o atmósferas, invitando el espectador a la fusión de interpretaciones sociales y psicológicas, con visiones individuales y colectivas. Su serie de fotografías sobre África pretende romper con las concepciones generales de la vida en ese continente y llenar de nuevos significados e impresiones las escenas que captura.

El color es esencial para el propósito de este fotógrafo. Mediante su adición de manera vibrante y utilizando actores y locaciones prolijamente elegidas, Sika construye las imágenes cargándolas poderosamente de narrativa social y abriendo las puertas a la imaginación y la interpretación de quien las contempla. Esto lo logra mediante su experiencia como fotógrafo publicitario y de moda, además de la creación de guiones, dibujos, palabras y bocetos que elabora a mano, muestra de la madurez que alcanza en sus trabajos.

Sika aplica en sus fotografías colores relativos a lo artificial, contrastando la saturación del ambiente cromático que genera, con el fotorrealismo presente en sus trabajos donde la gran cantidad de detalles percibidos realzan la veracidad de la imagen. El fotógrafo incorpora esta dualidad debido a uno de sus viajes desde Londres a Costa de Marfil, donde fue notando el aumento en la cantidad de colores de un país a otro, y el aumento también en la crudeza del paisaje, humano y geográfico.

El tratamiento del color en las imágenes de Sika, se basa generalemente en los esquemas de contraste, mayoritariamente en el contraste de complementarios y en el contraste de cantidad. Este último es uno de los recursos más útiles para hacer acentos en la comunicación visual, y Sika lo incorpora precisamente para destacar aquellos elementos de las imágenes que el espectador debería apreciar primero, para luego tener una visión general de la composición.

El trabajo de este fotógrafo es una muestra de la importancia del significado del color para la composición visual, en este caso, la composición fotográfica retocada. Sin la incidencia del color en sus trabajos, las fotografías e ilustraciones de Sika, pasarían a ser fotografías realistas en alto contraste, de una sociedad africana muy fotografiada en ese estilo. Por otro lado podrían ser fotografías publicitarias, pero la aparición de colores artificiales y/o inusuales en las escenas que el fotógrafo retrata, otorgan una semántica distinta, y lo más importante, según el mismo Sika, abren al espectador la posibilidad de una interpretación nueva, según su propia imaginación.

Paul Sika, a sus 23 años, ha sido entrevistado para una gran cantidad de medios, entre ellos BBC, Arise Magazine y Cool Hunting, además sus fotográfías han ocupado una gran variedad de portadas. Una de las más importantes es la de la Olympus User Magazine UK, verano de 2007.

Puedes conocer más de sus trabajos e ilustraciones en su sitio web personal, o seguir sus últimas acciones en Twitter.

El escenario del Seminario fue el Museo de Arte Contemporáneo, en sus 2 sedes: Quinta Normal para los workshops y Parque Forestal para los coloquios.

Los coloquios, a los cuales se asistía previa inscripción, fueron una instancia que reunió a profesionales provenientes de las más variadas disciplinas para dialogar en torno al color, el cual se abordó como un fenómeno que se cruza e interatúa en todas las disciplinas.

Proyectacolor asistió a esta instancia y aquí se presentan los temas más relevantes, tratados en cada día de seminario:

Martes 16 de junio

Magdalena Atria: Color e historia, Color y artificio, Color, género y raza.

Esta artista, Master of Fine Arts de la Parsons School of Design de Nueva York, hizo una breve revisión histórica que comenzó en Aristóteles, quien consideraba al color como secundario con respecto al material, para luego retomar el prejuicio ante el color que describe David Bachelor en su libro Chromophobia, quien señala que “el color produce una pérdida del entendimiento” y describe al color como una amenaza.

Luego se habló de la ausencia del color en el Modernismo, donde era importante la verdad del material puro y lo universal se expresaba a través del arte. Además, en la ponencia de esta artista, se hizo un breve paso por Le Corbussier, Kandinsky, el Pop Art y el Surrealismo, para llegar a algunos artistas contemporáneos, quienes de manera sutil exploran el uso del color como experiencia cultural y colectiva.

Víctor Rondón: Música y sonido en blanco, negro y color: relaciones, asociaciones y sentidos.

Este destacado profesor de la Universidad de Chile, Magister en Musicología de la U. de Chile, exploró las relaciones entre la música, el sonido, el color y la pintura, realizando un paralelo entre ambas disciplinas, musical y pictórica, desde el punto de vista de sus procedimientos y sus lugares comunes. Recurrió a un paseo histórico por obras pictóricas que han sido influenciadas a partir de piezas de música, y viceversa.

Además, Rondón presentó algunos instrumentos musicales relacionados con el color y finalizó su presentación mediante la presentación de un video sobre el arpa láser.

Sergio Rojas: El color de la subjetividad

Este filósofo, Magíster en Filosofía de la PUC, se refirió a las posibilidades finitas de la percepción. Realizó un análisis estético de obras del tenebrismo barroco, y ejemplificando el claroscuro característico de esta época. Rojas afirmó que en dichas obras, los objetos aparecen y se manifiestan desde el claroscuro, y que en ausencia de luz, el claroscuro desaparece. Además expresó que la ausencia de color como recurso, es el dominio de las formas y la subjetividad del espectador.

Rojas hizo varias alusiones a William Turner, cuya obra se encuentra influenciada por la Teoría de los Colores de Goethe, ya que Turner seguía fielmente al filósofo. Finalizó su ponencia señalando que “hoy en día el color busca satisfacer la necesidad del arte de representar un mundo que nos sobrepasa, desplazando al claroscuro”.

Miércoles 15 de junio

Enrique Zamudio: Anaglifos Color. Cromática, Fotográfica, Estereoscópica.

Este artista visual y académico U. de Chile, se refirió a la Estereoscopía, técnica que recoge información visual tridimensional, otorgando una ilusión de profundidad. Explicó el procedimiento para la realización de un anaglifo a color, que se obtiene gracias a un uso técnico-pragmático del color.

Además mostró parte de su trabajo personal de la serie Panorama Stereo y señaló al final de su ponencia que la fotografía ha recuperado su capacidad de ser pintura.

Rodrigo Valenzuela: Reflexión acerca de las diferencias entre color y pintura planteadas por Koolhaas.

Este arquitecto de la U. de Chile se refirió a la relación actual entre el color y la arquitectura, como una relación de prejuicio cromático, retomando también a David Bachelor. Realizó una breve reseña histórica del color en la arquitectura a través de los tiempos, para detenerse en Rem Koolhaas, reconocido arquitecto quien hace una diferencia entre el color del material y el color aplicado por medio de la pintura.

Valenzuela ejemplificó el uso contemporáneo del color en la arquitectura, mediante la obra de Koolhaas, la Biblioteca Pública de Seattle, donde el arquitecto holandés incorpora el color en el edificio mediante la iluminación u ocupación completa del espacio, de manera de otorgar una experiencia de color al usuario.

Jueves 18 de junio

Victor alegría: Cuando la pintura deviene en simulacro. Proceso de obra de la serie Nadadores.

Este académico de la Facultad de Artes de la U. de Chile, presentó su obra pictórica de la serie Nadadores y su metodología de trabajo, en lo que denominó el fotorrealismo pictórico. Manifestó su interés en la pintura como representación y simulacro, y en el empleo del color (mediante el contraste de cálido-frío y el contraste de complementarios), la luz, la atemporalidad y la ambientación de las escenas de natación olímpica que trabaja en sus pinturas.

Con Veermer y Richter como sus referentes directos, Alegría expresó la posibilidad de la fotografía de congelar el instante en que ocurre la escena, y la posibilidad de la pintura fotorrealista de reinterpretar ese instante congelado, y de representar momentos que antes era imposible pintar, haciendo énfasis en la diferencia de los materiales de ambas disciplinas.

Finalmente el artista señaló que esta serie de obras, tiene un caracter reflexivo, analítico, objetivo, donde la expresión personal del artista se da por el placer de realizar la obra pictórica no relacionada necesariamente con su expresión sentimental. Victor Alegría presentará una exposición de su serie de trabajos en el MAC, en diciembre del presente año.

Más información sobre el seminario en este link.

Unconscious Sight –en español Visión Inconsciente– es un proyecto de AnnieLaurie Erickson (artista y fotógrafa con un especial interés en el espectro visible) y Everett Lawson (músico, fotógrafo y técnico de cámaras fotográficas)  basado en el fenómeno de la persistencia de la imagen y el color en la retina del ojo humano. Este fenómeno se produce gracias a la propiedad del ojo humano de almacenar información visual por unos breves instantes después de que se observa un determinado sujeto. Es así como se guardan en la retina algunos atributos de la imagen percibida por unos pocos segundos que luego se desvanecen.

Este proyecto consiste en un experimento fotográfico, el cual, mediante la creación de un instrumento (compuesto por una membrana artificial que imita a la retina del ojo humano que junto a una cámara fotográfica manual, modificada para este propósito determinado) permite tomar fotografías que captan fielmente esos instantes de la persistencia, que es imposible percibir de otra manera, la llamada visión inconsciente.

Los resultados de este experimento son las imagenes captadas por sus creadores, las cuales comparten en el sitio web de Unconscious Sight, donde además explican en profundidad la creación de su cámara fotográfica especial. Un interesante trabajo donde el color es claramente su protagonista.