Sarah Applebaum es una artista visual que vive y trabaja en San Francisco, California. En sus obras, incorpora diversos materiales, desde textiles hasta construcciones geométricas, mezclando mundos distintos que confluyen según las intenciones cromáticas de la artista.

Las obras de Applebaum se presentan como un estallido espectral de color textil y geometría en los espacios que intervienen. Las formas, que presentan un contenido, sentido y crecimiento orgánico, van acompañadas en su proliferación de paletas cromáticas muy saturadas, además de una gran presencia de negro, que contribuye a la valorización de las formas geométricas y al contraste del color.

La artista obtiene sus materiales de extensos recorridos y búsquedas en tiendas de ropa usada y telas a granel. Esto otorga un carácter hogareño y familiar a las texturas que emplea, pero a su vez, la conjunción cromática, unida a la constante aparición de la geometría, nos transporta a un ambiente absolutamente actual, moderno y contemporáneo, que encaja perfectamente en la sala de exposiciones más vigente.

Desde el terreno de lo cromático, Applebaum no economiza en matices y los aplica de manera no excluyente en sus instalaciones. De esta manera, es recurrente encontrar en sus obras armonías triádicas complementarias, como también, esquemas de contraste de colores puros. Ambas relaciones cromáticas otorgan a la composición un carácter espectral, es decir, generan la aparición de múltiples matices de las más diversas gamas.

Pero la elección cromática presente en la obra de la artista está irremediablemente determinada por el espectro de colores característico del material escogido. Applebaum no emplea tintes o pigmentos en sus piezas gráficas, sino que ocupa el color del material. Esto que podría considerarse una limitación en la elección de los recursos cromáticos, es precisamente lo que atrajo a la artista a trabajar con estos materiales: “Lo que realmente me atrajo de las mantas no era el punto, aunque soy consciente del tiempo y la habilidad que se necesita para confeccionarlas, y soy una tejedora terrible. Fue la combinación de colores locos, algunos por elección y otros por necesidad, lo que me atrajo realmente. Particularmente la unión entre la creatividad psicodélica de la elección del color y lo poco urbano/mundano de las mantas. Por encima de todo, estoy interesada en sus colores “.

“El color está en todo lo que vemos y lo usamos para entender nuestro entorno. Está muy relacionado con los sentimientos y la emoción. Mi trabajo es primario/básico. Trabajo con el color, el tacto, los arquetipos de la forma, los paisajes y la mitología”.

Sarah Applebaum ha expuesto sus obras en numerosas ocasiones, ya sea dentro de E.E.U.U. como en Italia, Islandia y otros países. Sus trabajos han sido publicados en diversos medios impresos de países como China, España, Holanda y Alemania, entre otros, y destacados en gran número de publicaciones digitales y blogs.

Puedes conocer más de sus trabajos visitando su sitio web personal o también, leyendo su blog de procesos.

Françoise Nielly es una artista integral francesa que se ha dedicado por años al estudio de la imagen, abordándola desde diferentes técnicas artísticas, tales como fotografía, ilustración, ilustración digital y pintura, siendo esta última aquella a la que se ha dedicado apasionadamente hace ya un largo tiempo.  Independientemente de la técnica empleada, para esta artista, lo esencial a la hora de construir una composición es la expresión, llegando a niveles –en palabras de los espectadores– en que sus pinturas “logran tocar la fibra de la sensibilidad”.

Con solo mirar un par de obras de esta artista, es fácil notar que, sin duda, el color es un ente protagonista en su trabajo. Estos colores son una herencia que ha recibido de su entorno familiar, su padre arquitecto, y por sobretodo del paisaje que la vio nacer y crecer, los colores del sur de Francia, Cannes y Saint-Tropez. En sus trabajos, la expresión la otorga el colorido lúdico, contrastado con la fuerza de las imágenes y los retratos que pinta: las miradas de los retratados, camufladas entre manchas de colores saturados.

Esta lucidez cromática son testimonio de una artista que derrocha vitalidad y disfruta de los espacios abiertos, para obtener una libertad absoluta de tonos cromáticos. Es muy recurrente encontrar gran cantidad de contrastes en sus obras, siendo los más característicos los de calidad, colores puros, y complementarios. Pero además de contrastar, Nielly sabe armonizar perfectamente mediante el empleo de gamas múltiples que se presentan al espectador en una gradiente de manchas que parecen ir de un matiz a otro, como en el círculo cromático.

Otro elemento cromático muy utilizado por Nielly, es la aplicación de color negro como parte de la forma, lejano a su habitual uso como fondo. En su obra, la artista lo incorpora como un protagonista más, otorgándole pausa y calma al ambiente de colores vivos –a veces con intenciones fosforescentes– que habitan sus cuadros. El negro es un lugar de descanso para el ojo, y además se impone con su naturaleza psicológica de la fuerza y el vigor, propios de la obra de Nielly.

Pero la aplicación del color, por mucho que se manejen sus propiedades y la articulación de esquemas de contraste y armonías, dependerá siempre de la técnica gráfica que se emplee para presentarla en una composición visual. La riqueza de las obras de Nielly se manifiesta en una aplicación de la mancha pictórica –aparentemente– dispersa e inesperada, y es precisamente esta manera de construir la obra, la que parece expresar que es el color el que habla en las manos de la artista, en su consecusión en la pieza gráfica.

Françoise Nielly ha exhibido sus obras en galerías en Canada, Alemania, E.E.U.U. y numerosas veces en Francia. Ha realizado numerosas obras entre 2002 y 2009, muchas de las cuales pueden comprarse por internet desde su sitio web personal y otros portales de venta de arte. Nielly es sin duda una artista consumada, con 20 años de expresión artística, que demuestran la madurez de su arte, y el perfecto dominio de su técnica.

Puedes ver más de sus obras en su sitio personal o conocer su perfil de myspace.

Yaacov Agam es un artista, escultor y pintor israelí dedicado al Arte Cinético, del cual fue uno de los pioneros. Una de las principales características de su trabajo es la diversidad de medios y técnicas que emplea para expresar sus ideas. Desde la realización de obras táctiles, obras transformables y pinturas polifórmicas (muy características de su estilo) en los años 50, ha continuado experimentando con nuevos medios, motivado por su afán de llevar al límite la segunda y tercera dimensión e incluso, introducir la cuarta dimensión —el factor tiempo—.

De esta manera, ha intentado superar el carácter estático de la obra de arte (búsqueda esencial del arte cinético) para lograr que se refleje una realidad continua y un infinito proceso de cambio y transformación, en un esfuerzo por expresarla de forma plástica, gráfica y visual. Su obra, además, se destaca por la interactividad que existe entre el artista y el espectador, ya que las obras de Agam suelen tener diferentes planos y pequeñas perforaciones por las cuales la pieza gráfica se ve de distintas maneras según el enfoque de quien observa.

Ya en el plano del color, en las obras de Agam este elemento esencial de comunicación visual es toda una experiencia. Lejos de usarlo como el último elemento en el proceso de creación de sus obras, el artista lo considera uno de los principios de la construcción de sus piezas gráficas. Es decir, en los trabajos de Agam —esculturas y pinturas—, el color es el protagonista, el actor que da orígen a la obra de Arte Cinético. Así, es posible encontrar en sus obras diversas armonías cromáticas,  contrastes como el de cantidad, colores puros, calidad; relaciones de interacción del color, etc.

Son estos últimos recursos, la interacción del color y su relatividad, (desarrolladas en  trabajos de Josef Albers) los medios que Agam incorpora de manera más intensa. Varias de sus obras se basan en el principio de la relatividad del color y su constante cambio, acentuando la cualidad cinética de su estilo artístico,y generando obras en las que es posible percibir hasta 3 ambientes cromáticos diferentes, según el ángulo con que se mire. Cuanto más se mueve el observador alrededor de la pieza artística mayor es la experiencia que obtiene de ella. Un claro ejemplo de esta técnica es su obra Three Dimensions.

En contraposición a las obras estáticas de su primera época, estas obras cinéticas están compuestas, en general, de una pantalla de metal plegada en abanico, en la que cada uno de los elementos está coloreado con un diseño abstracto y unido con el que viene a continuación. Los elementos que hay detrás de la pantalla pueden verse a través de perforaciones y rejillas, y de esta manera los colores y las formas cambian de manera constante a medida que el espectador modifica su posición.

Por otra parte, Agam en su obra ha otorgado importancia al color aplicado mediante pigmentación, es decir, al material pintado por sobre el color mismo del material en estado natural. Esto lo ha realizado para inferirle un aspecto más lúdico, alegre y cercano a sus obras, y generando un quiebre cromático con el plateado, color de un siglo de adelantos tecnológicos e industriales. Agam ha logrado acercar su arte a la gente, generando grandes estructuras de acero inoxidable pigmentado y de  grandes dimensiones, en espacios públicos y exteriores.

Yaacov Agam es un artista premiado y reconocido mundialmente. La magnitud de su obra y su fama a nivel internacional le proporcionaron numerosos encargos públicos, tales como la obra pintada en el techo del Centro de Congresos de Jerusalén y la escultura que se encuentra en la Juilliard School of Music de Nueva York, entre otros. varias de sus obras están presentes en los Museos y Colecciones más importantes del mundo e incluso edificios en Estados Unidos e Israel son enormes esculturas cinéticas exteriores (Mondrian Hotel de Los Angeles, Dan Hotel de Tel Aviv, y el complejo Villa Regina de Miami). Asimismo la Unesco le concedió la Medalla Jan Amos Comenine 1996 para el Método Agam para la educación visual de los niños.

Puedes conocer más de su biografía aquí, y ver más de sus obras en este enlace.

Augustin Lesage fue un pintor de principios del siglo XX, representante del movimiento espiritista, cuyos trabajos destacan por la ornamentación, la simetría y el color. La obra de Lesage ha sido catalogada también como Pintura Automática o Psíquica, fenómeno donde la persona, sin ser un artista entrenado es capaz de producir excepcionales obras de arte, generalmente en un período muy breve de tiempo, y supuestamente bajo el control de una entidad espiritual.

Muchas de las obras de Lesage presentan una simetría parcial y en ocasiones total, donde la pintura se va desarrollando en torno a una línea central, dada la composición de carácter monumental, donde algunos de sus lienzos evocan a composiciones arquitectónicas.  Lesage llegó a la cima de su arte durante los años 20, a través de composiciones abstractas grandes (en promedio entre 1 y 2 metros), que consistían en una sucesión de patrones repetitivos, principalmente de capas horizontales cada vez más profundas (se cree que a raíz del trabajo que ejerció como minero) y con un  ritmo de progreso en sus obras muy rápido.

Pero el aporte más importante de la obra de este artista se refiere a que su estética simétrica, geométrica y formal anticipa tres de los grandes movimientos artísticos del siglo XX:  el arte abstracto (que se reconoce desde Kandinsky en 1910, y Malevich en 1915), el surrealismo (que comienza cerca de 1917) y el art brut ( que aparece en 1945).

Desde el punto de vista cromático, la obra de Lesage se caracteriza por una gran cantidad de matices, yuxtapuestos, que van generando texturas y ambientes. El artista comienza sus obras con un par o trío de colores primarios, los que luego va dividiendo, fragmentando, transportando junto a espirales y formas geométricas, y de esta manera dan orígen a un gran conjunto de matices diversos, que completan las obras.

Con esta técnica que se inicia a partir de colores primarios, las pinturas obtenían una apariencia muy saturada o brillante, ya que  Lesage generalmente utilizaba los pigmentos de tonos más puros, preferiblemente con un pincel para cada uno. Además aplicaba cantidades muy grandes de pigmento, pero distribuyéndo los colores en pequeños puntos de luz, en algunas ocasiones, o como figuras ornamentales en relieve, en otras. De esta manera un mismo color podía aparecer como fondo en zonas del cuadro, y luego como figura, en otras zonas del mismo.

Lesage desarrollaba esta tecnica de alternancia cromática de manera intuitiva, casi adelantándose al estudio de la interacción del color que tuviera lugar los años posteriores a 1920, en el marco de la Bauhaus, a cargo de Johannes Itten en un principio y de Josef Albers más adelante. Otro de los recursos que Lesage aplicó dentro de su obra se relaciona con la mezcla óptica, que permite distinguir un color general, de una multitud de pequeñas porciones de otros colores que lo componen.

Augustin Lesage realizó más de 300 obras, sus primeras pinturas fueron consideradas especímenes de los más atrevidos del arte moderno y exploró casi todas las posibilidades de la abstracción geométrica. Ya con la vista muy deteriorada debió resignarse a dejar los pinceles en el año 1952, menos de dos años antes de su muerte.

Puedes conocer más de su vida y obra en este link, o ver sus pinturas en el sitio de la Colección de Art Brut.

Mark Warren Jacques es un artista visual, ilustrador, diseñador y skater que vive, ama y trabaja en Portland, Oregon. Fue uno de los aprendices de John Piper, quien le enseñó “lo que el arte puede hacer por el alma”, según señala él mismo. Sus influencias más importantes son Hesse, Miró y los más modernos Steven Harrington y Jen Stark, además su carrera creativa empezó a los 7 años.

Los trabajos y pinturas de Jacques constituyen un claro ejemplo del uso del contraste cromático como generador de tensión, dentro de una pieza gráfica. Uno de los principales recursos cromáticos que aplica dentro de sus obras es el contraste de calidad, donde es recurrente encontrar grandes diferencias entre tonos muy puros, intensos o saturados, y otros tonos más bien opacos o turbios, cercanos a la gama de los grises.

Otro de los contrastes que es frecuente encontrar en sus trabajos, es el de colores puros, ya que este artista suele contraponer tonos cercanos a los colores primarios, que compiten en saturación y viveza. Además asocia muchas veces los tonos más saturados a figuras fácilmente reconocibles, como son tríangulos, círculos y semicírculos, de manera de acentuar la forma geométrica y la tensión entre curvas y ángulos agudos.

Un elemento destacable de la obra de Jacques es el uso del negro como un factor importante dentro de sus pinturas. Este color (algunas veces reconocido como un no color) es clave a la hora de resaltar la pureza e intensidad de los tonos frecuentemente usados en sus obras. El negro con sus característica de tono más bien neutro, permite que el protagonismo de la obra pictórica lo tengan aquellos colores que se perciben como más vivos, con más caracter y más alegres.

Este color generalmente aparece como fondo, aunque suele también entremezclarse e incorporarse como figura en algunas obras.

Mark Warren Jacques dice que Portland, la ciudad donde vive,  lo ha influenciado con sus colores cálidos, y se define a sí mismo como una persona en constante búsqueda, que evita la sensación de estar “no haciendo cosas”. Esta búsqueda lo ha llevado a un trabajo muy prolífico, que consta de muchas exposiciones individuales y colectivas, a lo largo de E.E.U.U.

Actualmente sus trabajos están siendo expuestos en la colección “Big Beautiful Color” en la Fontanelle Gallery de Portland, Oregon. Puedes ver más de sus trabajos en su sitio web personal o ver su Art/Skate Film “Ollie The Mind Gap” en este link.

Adrian Johnson es un diseñador de Liverpool, Inglaterra, quien realiza trabajos para editoriales, impresos, motiongraphics, además de sus propios proyectos personales.

En sus ilustraciones predominan los colores primarios de la luz (predominancia de tonos de rojo) pero contrastándose con los secundarios de la luz – también llamados primarios pigmento – como por ejemplo, tonos de azul cian y amarillo.

Es muy recurrente además encontrar contrastes de calidad dentro de sus obras, donde contrapone colores muy saturados con otros más bien grises, además de incorporar el blanco y el negro, como colores de mediación.

Este tipo de contraste resalta la forma mediante el color, acentuando los límites entre las figuras mediante la contraposición de tonos de distinta luminosidad e intensidad.  Johnson trabaja articulando las propiedades del color de manera impecable,  según los requerimientos de sus encargos.

Adrian Johnson ha realizado trabajos para Mastercard, Vodafone, Canon y Giant Robot entre otros. Y puedes conocer más de él, leyendo la entrevista que le hizo Grain Edit, o visitando su sitio web personal.

Julien Vallée es un diseñador gráfico de Montreal, Canadá. Realiza trabajos de motiongraphics, dirección de arte, impresos, intalaciones y videoclips, entre otros.

Sus trabajos se basan principalmente en recortes y pegados de papeles de colores, los cuales por la naturaleza del material, corresponden a colores planos, aplicados en formas geométricas y volúmenes.

Trabaja con paletas cromáticas que aluden al color progresista, lo infantil y lo artificial de lo onírico, pero enfocadas en la representación de la forma a través del color, es decir, contrastando colores de diferentes saturaciones, luminosidades y matices, evitando la fusión óptica de los tonos, y manifestando los límites entre las figuras.

Predominan en sus trabajos más geométricos, el uso de los colores primarios, sobretodo de amarillos y azules, que intensifican la sensación visual de la geometría de puntas trianguladas y prismas.

Julien Vallée ha realizado trabajos para MTV, Elle Decoration, The New York Times Magazine, y BangBang Magazine, entre otros. Y sus ideas se fundamentan en usar la tecnología de las nuevas herramientas para el diseño como un puente para potenciar el trabajo manual y virtual. Más de sus trabajos en su sitio web personal.