Andrew Pearce es un apasionado fotógrafo, realizador de cine y diseñador australiano. Su carrera como realizador de cine comenzó el 2002 a los 12 años, edad en la que participaba en festivales y competencias de realización cinematográfica de la ciudad donde creció, de las cuales se enteraba buscando en Google o cuando veía algún afiche local.

El trabajo más prolífico de Pearce hoy, corresponde a la fotografía, la cual desarrolla mezclando las técnicas fílmicas de encuadres y filtros de imagen,  que otorgan a sus fotografías un estilo cromático saturado y pregnante. En ellas, recurrentemente encontramos ambientes cromáticos muy definidos, relativos al estado de ánimo de la imagen y los elementos –figuras– que la componen. De esta manera, encontramos momentos alegres congelados por el disparador de Pearce, ambientados en gamas cromáticas que son percibidas también como alegría.

Pero este acento que realiza Pearce en los estados de ánimo, no cae en lo absoluto en una realidad literal. Al contrario, Pearce, mediante la utilización de filtros cromáticos y elementos característicos del cine, como la postproducción, genera en la mayoría de los casos una supersaturación de los colores presentes en la imagen, excitando aún más al ojo del expectador pero llevándolo a un mundo casi irreal, en el que los colores juegan el papel más importante en lo que respecta a la atracción.

Desde un plano más específico, es muy relevante en el trabajo de este fotógrafo, los acentos contrastantes de color que emplea en algunas de las series en su trabajo. Es común dentro de su portafolio, encontrar fotografías que responden a un determinado estado de ánimo, o temperatura, articuladas por gamas cromáticas de color fríos. Pero esa tranquilidad que otorgan los colores fríos, se ve en casos tensionada por la aparición de elementos absolutamente contrastantes en colores cálidos y con intensidad muy saturada.

Del trabajo photográfico de Pearce quizá lo más importante a destacar es la cualidad creadora de ambientes que posee el color, y cómo estos ambientes pueden relacionarse con determinada emocionalidad: alegría, nostalgia, tranquilidad, tristeza, etc. Esto lo consigue mediante la correcta elección de los protagonistas de las imagenes y el papel que juegan los colores que introduce, ya sea por las diferentes técnicas que emplea, o que logra captar de las locaciones donde realiza las capturas fotográficas. Un pulcro trabajo de Dirección de Arte, con un especial énfasis en el uso cromático consciente.

Andrew Pearce ha logrado reconocimiento nacional e internacional por su trabajo cinematográfico. En los ultimos años ha estado básicamente dedicado al trabajo fotográfico, con el que ha expuesto en numerosos países, como E.E.U.U., Canadá y Australia. Además ha participado en variados concursos entre los que destacan recientemente su 1er lugar en el 2010 Corowa Art Show, en la categoría de Retratos, 1er lugar en el 2010 Jet Star Photography Competition, y como diseñador su 1er lugar en el 2009 National Youth Week Poster Competition, entre varios otros premios y reconocimientos.

Puedes conocer más de sus trabajos visitando su sitio web personal, o acceder a sus films, en su galería de deviantART.

Leonid Afremov es un pintor nacido en Vitsyebsk, Bielorrusia, –ciudad cuna de muchos artistas–, y cuya técnica característica primordial es el uso de la paleta o espátula, la cual otorga un toque especial a las composiciones pictóricas que realiza. Con la historia de una vida difícil y viajada, Afremov fue plasmando las atmósferas cromáticas de cada lugar donde vivió.

El artista comenzó pintando imagenes para propaganda comunista, con el único fin de darse a conocer en las salas de exposición de su ciudad natal. Desde temprano su particular estilo se hizo notar,  y destacó por sobre sus pares,  pero  la explosión de su expresión artística llegaría cuando se erradica en Israel, junto a su familia. Es entonces cuando la riqueza cromática  de sus pinturas, se convierte en su sello diferenciador, y se dedica en una primera etapa a diseñar portadas para revistas.

Las piezas gráficas de Afremov, en cuanto a su colorido, son muy variadas. El artista presenta en sus diferentes obras los diversos contrastes del color, retratando paisajes bajo la lluvia, personas, bailarinas de ballet , y hasta músicos y personajes famosos, con un marcado neo-impresionismo, y denotando la influencia cromática de Kandinsky y Malevich, coterráneos del artista. De esta manera es frecuente encontrar en su obra, esquemas de contraste de calidad, cálido-frío, colores puros, entre otros.

Otro elemento destacable de la obra de Afremov es la presencia de texturas y ambientes cromáticos. La particular técnica de la pintura sin pincel, mediante el uso directo de la espátula, otorga al cuadro un relieve interesante, que además sugiere la presencia de diversas capas de colores debajo de los tonos presentes en la superficie. Los colores en las obras de Afremov nunca se presentan como planos, sino que son el resultado de múltiples mezclas ópticas que se logran mediante la interacción del color aplicado en capas de pigmento.

El particular estilo cromático y pictórico de Afremov, le abrió muchas puertas pero también le trajo algunos inconvenientes. Precisamente durante una exhibición de sus trabajos en Israel –lugar donde su estilo generaba gran controversia, especialmente los desnudos que pintaba– que desconocidos invadieron su estudio y destruyeron muchas de sus pinturas. Luego de este incidente, decide irse a vivir a E.E.U.U. lugar donde durante décadas se dedicó a perfeccionar la técnica de la espátula.

La obra de Leonid Afremov es muy extensa, y abarca miles de pinturas de las más diversas temáticas. Sus trabajos han sido expuestos en 4 continentes, y continúa pintando en la ciudad de Boca Ratón, donde reside, en el estado de Florida, E.E.U.U. Además la historia de su vida ha inspirado diversos documentales y creaciones audiovisuales que recopilan sus viajes y anécdotas. Puedes ver algunos de ellos haciendo click aquí y aquí. Y puedes conocer más de su obra en su sitio oficial.

Matt W. Moore, más conocido como MWM Graphics en el submundo del arte callejero, es actualmente un diseñador y artista visual establecido en Boston, que ha experimentado prolíficamente con el vectorfunk: la ilustración, tipografía y el color.

Moore define su propio trabajo como “la celebración del diseño abstracto y el trabajo supercolorido”, y es que, precisamente, sus trabajos se perciben como una explosión de color, donde cada ilustración se aprecia como pequeña parte de una abstracción mayor, cercano en ocasiones a lo psicodélico, en otras a lo geométrico, y en otras a lo urbano, acentuados por la gran cantidad de materiales que ocupa: acrílicos, digital y hasta pintura spray.

Moore genera diferentes ambientes cromáticos entre sus obras; e incluso dentro de una misma obra es posible encontrar espacios de color que se diferencian claramente, mediante la repetición y la trama, elementos recurrentes en sus piezas gráficas. En ellas se funden elementos circulares con lineas rectas, líneas secantes que definen otros ambientes de color, otras zonas cromáticas, mediante el contraste de complementarios y las gamas múltiples.

Sus obras además generan una gran atracción debido a la gran cantidad de detalles que la componen, lo cual genera una sensación de color a distancia, muy diferente a la que se va generando cuando el observador se acerca a la pieza, y es capaz de apreciar los diferentes elementos interactuantes. Esta particularidad otorga mucho dinamismo a las obras, y se ve acentuada por el contraste simultáneo, fenómeno que sucede al contemplar una pieza gráfica por un determinado lapso de tiempo, y viendo colores que probablemente no se encuentran en el original.

Moore además presenta un gran interés en la sensación termica del color, su temperatura. En su obra es posible encontrar diferentes piezas que se acercan a lo cálido y se alejan de los tonos más fríos. En otra de sus series de trabajos los tonos son marcadamente fríos. Esto en su propio testimonio se ve influído por el ambiente que lo rodea en Boston: en invierno pinta series en blanco y negro. Pero según el mismo artista expresa, la mayor parte del tiempo se preocupa de generar combinaciones únicas de todos los colores posibles que se encuentren recargados con el espectro.

Matt W. Moore ha trabajado para clientes como Nike, Citroen UK, Blackberry, Adidas, Mazda UK, Walmart, Cadbury, Zune, The Guardian, Vodafone y Wired Magazine. Ha sido entrevistado en más de 25 medios digitales debido a su trabajo, y ha expuesto en más de 10 países en 4 continentes. Además ha diseñado zapatillas, corbatas y vestuario para Threadless y sueña con tener su propia línea de ropa.

Puedes conocer más de sus trabajos visitando su sitio web personal, o conocer sus procesos de diseño leyendo su blog.

Matías Pinto d’Aguiar es un pintor y artista visual chileno que pertenece a la “Generación del 80” que optó por recuperar la pintura en ésta década, junto a sus amigos Samy Benmayor, Bororo y Pablo Domínguez, entre otros. Sus obras se caracterizan por estar cerca de lo primitivo, lo fantástico y lo poético.

En sus paisajes hay un vuelco hacia la interioridad del ser, hacia lo metafísico, va hacia lo desconocido inventando en ellos nuevas leyes de gravedad. Según ha señalado el mismo artista en una entrevista reciente a Cristian Warnken, en sus obras busca establecer una “conexión con sí mismo y empezar a sacar los sueños, las obsesiones, lo que se tiene dentro del alma”.

Las pinturas de Pinto d’Aguiar se caracterizan además por presentar un uso intencionado del color, y por sobretodo del contraste, para expresar aquellas atmósferas cromáticas que tanto interesan al artista, y potenciar una cercanía formal a la pintura abstracta y la Bauhaus, volviendo a los colores básicos y sus relaciones de contraste, destacándose los contrastes de calidad, de complementarios y de cálido-frío; los tres muy recurrentes en sus piezas gráficas.

Es además frecuente encontrar en sus obras, espacios amplios de color que se contraponen en diferentes planos gracias a los contrastes que el artista aplica. Estos espacios planos luego se transforman en cielos y mares infinitos de expresivas pinceladas y matices.

Estos amplios espacios dan testimonio del estilo contemplativo, lento de Pinto d’Aguiar, que dedica largas horas a sus obras para lograr las atmósferas cromáticas de sus cuadros. Pero a pesar de este proceso previo a cada obra, el artista expresa que para él, la pintura es “algo muy libre y por lo tanto en permanente evolución, se expresa desde la pintura pura, sin más recursos que las múltiples posibilidades del color y la pincelada”.

Pero junto con las atmósferas ámplias de color, incorpora en sus paisajes elementos simbólicos aparentemente opuestos como cielo, aire y mar, agua, caballo y espacio, árbol y cielo; donde aquellos elementos más figurativos se presentan como contrapunto cromático, generando focos de atención y dirigiendo la mirada, los cuales generalmente habitan de manera muy solitaria estos mundos presentes en las composiciones. Estos elementos, en especial el caballo, también han sido reproducidos por el artista en escultura en metal.

Matías Pinto d’Aguiar estudió pintura en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Chile. Ha obtenido premios tanto a nivel nacional como internacional. Ha expuesto en innumerables ocasiones desde la década de los 80′, tanto de forma personal como colectiva, y es posible apreciar algunas de sus obras en varias colecciones públicas de Chile, entre ellas, la colección permanente del Museo Nacional de Bellas Artes.

Puedes conocer más de su trayectoria en este link.

Apak es un studio establecido en Portland, conformado por Aaron Piland y Ayumi Kajikawa, quienes se definen a sí mismos como un duo mágico y fantástico. Según han señalado, “crean sus obras explorando la belleza, misterio y magia de la vida, al mismo tiempo que expresan sus ganas de vivir y el cariño por el otro”.

El trabajo de estos diseñadores se basa en generar ambientes cromáticos determinados, los que son percibidos como atmósferas de color con determinadas temperaturas. Estas atmósferas se convierten en el contexto donde se desenvuelven los personajes ilustrados de sus piezas gráficas.

En sus composiciones predominan los ambientes de temperaturas cromáticas más bien cálidas, tonos de amarillos-rojizos, naranjas-rojizos y en contrapunto algunos verdes saturados, pero todo en un constante fluir otorgado por la técnica acuosa de sus pinturas.

Las paletas cromáticas además, tienen una clara tendencia a lo fantástico, lo orgánico y lo infantil: temáticas recurrentes en los trabajos de diseño del studio. Ellas calzan perfectamente con el tipo de ilustración y personajes que incorporan dentro de las piezas gráficas. Color y ambiente son inseparables en sus trabajos.

Apak studio ha expuesto en más de 50 exhibiciones, y sus trabajos han sido publicados en Pictoplasma, Pencil Fight y Juxtapoz, entre otras. Puedes conocer más de sus trabajos en su sitio web, o conocerlos visitando su flickr.

Matthew Hams es un ilustrador de Londres, que realiza trabajos para editoriales y publicaciones.

Sus piezas gráficas contienen figuras simples, cuyos colores se basan -generalmente- en el contraste de cálido-frío. Trabaja sobre la base de colores planos, con la incorporación de texturas de puntos, que permiten la percepción de nuevos colores, por la mezcla óptica de superposición.

Logra una tensión entre colores muy intensos y puros (como los amarillos, naranjas y rojos saturados), cercanos a colores tranquilizantes, menos saturados y menos puros (como el azul grisáceo, grises claros y cafés beige).

Hams, además, incorpora el blanco no solamente como fondo sino también como un elemento dentro de sus ilustraciones, ocupándolo intencionadamente como un color más, que por contraste con matices muy intensos o vivos se convierte en un punto de atención dentro de sus trabajos.

Matthew Hams ha trabajado para clientes como The Guardian y Esquire Magazine entre otros, y además de ilustraciones, ha realizado tipografías a mano y libros, que pueden encontrarse en su web personal.