Sarah Applebaum es una artista visual que vive y trabaja en San Francisco, California. En sus obras, incorpora diversos materiales, desde textiles hasta construcciones geométricas, mezclando mundos distintos que confluyen según las intenciones cromáticas de la artista.

Las obras de Applebaum se presentan como un estallido espectral de color textil y geometría en los espacios que intervienen. Las formas, que presentan un contenido, sentido y crecimiento orgánico, van acompañadas en su proliferación de paletas cromáticas muy saturadas, además de una gran presencia de negro, que contribuye a la valorización de las formas geométricas y al contraste del color.

La artista obtiene sus materiales de extensos recorridos y búsquedas en tiendas de ropa usada y telas a granel. Esto otorga un carácter hogareño y familiar a las texturas que emplea, pero a su vez, la conjunción cromática, unida a la constante aparición de la geometría, nos transporta a un ambiente absolutamente actual, moderno y contemporáneo, que encaja perfectamente en la sala de exposiciones más vigente.

Desde el terreno de lo cromático, Applebaum no economiza en matices y los aplica de manera no excluyente en sus instalaciones. De esta manera, es recurrente encontrar en sus obras armonías triádicas complementarias, como también, esquemas de contraste de colores puros. Ambas relaciones cromáticas otorgan a la composición un carácter espectral, es decir, generan la aparición de múltiples matices de las más diversas gamas.

Pero la elección cromática presente en la obra de la artista está irremediablemente determinada por el espectro de colores característico del material escogido. Applebaum no emplea tintes o pigmentos en sus piezas gráficas, sino que ocupa el color del material. Esto que podría considerarse una limitación en la elección de los recursos cromáticos, es precisamente lo que atrajo a la artista a trabajar con estos materiales: “Lo que realmente me atrajo de las mantas no era el punto, aunque soy consciente del tiempo y la habilidad que se necesita para confeccionarlas, y soy una tejedora terrible. Fue la combinación de colores locos, algunos por elección y otros por necesidad, lo que me atrajo realmente. Particularmente la unión entre la creatividad psicodélica de la elección del color y lo poco urbano/mundano de las mantas. Por encima de todo, estoy interesada en sus colores “.

“El color está en todo lo que vemos y lo usamos para entender nuestro entorno. Está muy relacionado con los sentimientos y la emoción. Mi trabajo es primario/básico. Trabajo con el color, el tacto, los arquetipos de la forma, los paisajes y la mitología”.

Sarah Applebaum ha expuesto sus obras en numerosas ocasiones, ya sea dentro de E.E.U.U. como en Italia, Islandia y otros países. Sus trabajos han sido publicados en diversos medios impresos de países como China, España, Holanda y Alemania, entre otros, y destacados en gran número de publicaciones digitales y blogs.

Puedes conocer más de sus trabajos visitando su sitio web personal o también, leyendo su blog de procesos.

Por primera vez en la ciudad de Valdivia, el reconocido artista visual chileno y maestro colorista, Eduardo Vilches, dictará un curso de color basado en las enseñanzas sobre la Interacción del Color de Josef Albers.

Este curso, a realizarse entre el 6 y el 10 de septiembre, es organizado por la Escuela de Artes Visuales y el Instituto de Arquitectura de la Universidad Austral de Chile y está patrocinado por la Asociación Chilena del Color. Más información en el sitio de la ACC.

Francisco Cintolesi es un joven artista visual y diseñador gráfico chileno cuya especialidad es la pintura, en la que plasma la mímesis de las figuras, haciendo un trabajo pulcro entre luces y colores; recursos que constituyen el alma de sus obras, el lenguaje visual de las mismas.

En las obras de Cintolesi, el color es un elemento pregnante, ya que el autor consciente de la capacidad evocadora de sensaciones que tiene este recurso, lo aplica dentro de sus lienzos sin mesura pero con laboriosidad. Sus piezas gráficas con un derroche de matices, son ambientadas a veces en lo irreal, a veces en una hiperrealidad, pero nunca indiferentes ante las paletas cromáticas seleccionadas por el artista.

La elección de colores en las obras de Cintolesi refleja la actitud colorista del artista, de esta manera es recurrente encontrar en sus lienzos diferentes esquemas de contraste o armonías. El contraste de calidad es quizá el más usado por este artista, ya que esta forma de combinar colores garantiza el acento visual de ciertas figuras, al acentuar la saturación de sus colores.

Otro contraste que Cintolesi utiliza bastante es el de colores puros, que se traduce principalmente en la articulación y contraposición de todos los colores en su estado más saturado, de manera de generar una competencia visual, que estimula a la retina e hipnotiza al usuario. La armonías de complementarios y la de dobles complementarios suelen aparecer también, aunque con menor constancia.

Un elemento a destacar de las obras de este artista es su “explosión de color” que se aprecia cuando el ambiente de una obra se percibe como constante, en una suerte de tensa calma cromática, pero que despierta con la aparición de hitos cromáticos como manchas saturadas o contrastantes. Dichas manchas cromáticas conviven con el realismo de algunas de sus obras, como si pertenecieran al mismo mundo retórico. Este recurso que funciona como un punto visual, es generalmente muy orgánico, testimonio de realización humana, espontánea y por ende, con una gran riqueza visual.

Francisco Cintolesi ha expuesto en numerosas ocasiones, de manera individual o coletiva, en los últimos 12 años. Además ha participado en numerosos proyectos relacionados con la comunicación visual, desde 1995.

Puedes conocer más de sus trabajos en su sitio web personal, o ver un vídeo sobre su proyecto “Choque: no hay donde caer”.

Matías Pinto d’Aguiar es un pintor y artista visual chileno que pertenece a la “Generación del 80” que optó por recuperar la pintura en ésta década, junto a sus amigos Samy Benmayor, Bororo y Pablo Domínguez, entre otros. Sus obras se caracterizan por estar cerca de lo primitivo, lo fantástico y lo poético.

En sus paisajes hay un vuelco hacia la interioridad del ser, hacia lo metafísico, va hacia lo desconocido inventando en ellos nuevas leyes de gravedad. Según ha señalado el mismo artista en una entrevista reciente a Cristian Warnken, en sus obras busca establecer una “conexión con sí mismo y empezar a sacar los sueños, las obsesiones, lo que se tiene dentro del alma”.

Las pinturas de Pinto d’Aguiar se caracterizan además por presentar un uso intencionado del color, y por sobretodo del contraste, para expresar aquellas atmósferas cromáticas que tanto interesan al artista, y potenciar una cercanía formal a la pintura abstracta y la Bauhaus, volviendo a los colores básicos y sus relaciones de contraste, destacándose los contrastes de calidad, de complementarios y de cálido-frío; los tres muy recurrentes en sus piezas gráficas.

Es además frecuente encontrar en sus obras, espacios amplios de color que se contraponen en diferentes planos gracias a los contrastes que el artista aplica. Estos espacios planos luego se transforman en cielos y mares infinitos de expresivas pinceladas y matices.

Estos amplios espacios dan testimonio del estilo contemplativo, lento de Pinto d’Aguiar, que dedica largas horas a sus obras para lograr las atmósferas cromáticas de sus cuadros. Pero a pesar de este proceso previo a cada obra, el artista expresa que para él, la pintura es “algo muy libre y por lo tanto en permanente evolución, se expresa desde la pintura pura, sin más recursos que las múltiples posibilidades del color y la pincelada”.

Pero junto con las atmósferas ámplias de color, incorpora en sus paisajes elementos simbólicos aparentemente opuestos como cielo, aire y mar, agua, caballo y espacio, árbol y cielo; donde aquellos elementos más figurativos se presentan como contrapunto cromático, generando focos de atención y dirigiendo la mirada, los cuales generalmente habitan de manera muy solitaria estos mundos presentes en las composiciones. Estos elementos, en especial el caballo, también han sido reproducidos por el artista en escultura en metal.

Matías Pinto d’Aguiar estudió pintura en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Chile. Ha obtenido premios tanto a nivel nacional como internacional. Ha expuesto en innumerables ocasiones desde la década de los 80′, tanto de forma personal como colectiva, y es posible apreciar algunas de sus obras en varias colecciones públicas de Chile, entre ellas, la colección permanente del Museo Nacional de Bellas Artes.

Puedes conocer más de su trayectoria en este link.